Le jazz est un art unique du XXe siècle. Résumé - Le jazz est un phénomène de la musique du 20e siècle L'art du jazz des devoirs du 20e siècle
Le jazz est un phénomène de la musique du 20e siècle
Le jazz est une partie importante de la culture musicale américaine. Originaire de la musique folklorique, la musique des Noirs américains, le jazz est devenu un art professionnel distinctif, exerçant une influence notable sur le développement de la musique moderne.
La musique jazz a été appelée art américain, la contribution de l'Amérique à l'art. Le jazz a également été reconnu parmi ceux qui ont été principalement élevés dans les traditions de la musique de concert d'Europe occidentale.
Aujourd'hui, le jazz a des adeptes et des interprètes dans toutes les régions du monde, a pénétré la culture de tous les pays. Il est juste de dire que le jazz est une musique du monde, et la première à cet égard.
Le jazz (jazz anglais) s'est développé dans les États du sud des États-Unis au tournant des XIXe et XXe siècles à la suite de la synthèse de la culture musicale européenne et africaine. Les détenteurs de la culture africaine étaient des Noirs américains - les descendants d'esclaves enlevés d'Afrique. Cela s'est manifesté par des danses rituelles, des chants de travail, des hymnes spirituels - spirituals, blues lyrique et ragtime, évangiles (psaumes nègres) qui ont surgi au cours des 18e - 20e siècles dans le processus d'assimilation de la culture de la population blanche des États-Unis par les noirs.
Les principales caractéristiques du jazz sont le rôle fondamental du rythme, la pulsation métrique régulière ou "beat" (beat anglais), les accents mélodiques qui génèrent la sensation d'un mouvement ondulatoire (swing), le début de l'improvisation, etc. également appelé un orchestre composé principalement d'instruments à vent, de percussions et d'instruments sonores conçus pour exécuter une telle musique.
Le jazz est avant tout un art du spectacle. Ce mot est apparu pour la première fois en 1913 dans l'un des journaux de San Francisco, en 1915 il est entré dans le nom de l'orchestre de jazz T.Brown qui s'est produit à Chicago, et en 1917 il est apparu sur un disque de gramophone enregistré par le célèbre New Orleans Orchestra Original DixieIand Groupe de jazz (Jass).
L'origine du mot «jazz» lui-même est assez floue. Néanmoins, il n'y a aucun doute. Qu'elle avait une signification assez vulgaire à l'époque où elle était appliquée à ce type de musique - vers 1915. Il faut souligner qu'au départ ce nom était donné à la musique par des blancs, montrant leur dédain pour elle.
Au début, le mot «jazz» ne pouvait être entendu que dans la combinaison «jazz band», qui signifiait un petit ensemble composé de trompette, clarinette, trombone et section rythmique (il pouvait s'agir d'un banjo ou d'une guitare, d'un tuba ou d'une contrebasse), interpréter des spirituals, des mélodies ragtime, du blues et des chansons populaires. La performance était une improvisation polyphonique collective. Plus tard, l'improvisation collective n'a été préservée que dans les épisodes d'introduction et de fin, et dans le reste une voix était en solo, soutenue par une section rythmique et un simple son d'accord d'instruments à vent.
Dans l'Europe du XVIIIe siècle, lorsque l'improvisation était une caractéristique commune de la performance musicale, un seul musicien (ou chanteur) improvisait. En jazz, avec un certain accord, même huit musiciens peuvent improviser en même temps. C'est exactement ce qui s'est passé dans le style jazz le plus ancien - dans les ensembles dits "Dixieland".
Le blues est le plus important et le plus influent de tous les idiomes afro-américains pour le jazz. Le blues utilisé dans le jazz ne reflète pas nécessairement la tristesse ou la tristesse. Cette forme est une combinaison d'éléments des traditions de l'Afrique et de l'Europe. Le blues est chanté avec une spontanéité mélodique et une forte émotivité. Au début des années 1920, et peut-être même avant, le blues est devenu non seulement un genre vocal, mais aussi un genre instrumental.
Le véritable ragtime est apparu à la fin des années 1890. Il est immédiatement devenu populaire et a subi toutes sortes de simplifications. À la base, le ragtime était de la musique pour jouer sur des instruments ayant un clavier similaire à un clavier de piano. Il ne fait aucun doute que la danse keyquoc (initialement basée sur une parodie élégante et stylisée des maniérismes mignons des sudistes blancs) a précédé le ragtime, il devait donc y avoir de la musique keyquoc.
Il existe des styles de jazz dits de la Nouvelle-Orléans et de Chicago. Les natifs de la Nouvelle-Orléans ont créé les ensembles et pièces de jazz les plus célèbres. Le jazz ancien était généralement joué dans de petits orchestres de 5 à 8 instruments et présentait un style instrumental particulier. Les sentiments pénètrent dans le jazz, d'où la plus grande élévation et profondeur émotionnelle. Dans sa phase finale, le centre de développement du jazz déménage à Chicago. Ses représentants les plus éminents étaient les trompettistes Joe King Oliver et Louis Armstrong, les clarinettistes J. Dodds et J. Nui, le pianiste et compositeur Jelly Roll Morton, le guitariste J. St. Cyr et le batteur Warren Baby Dodds.
L'exécution de pièces par l'un des premiers groupes de jazz - l'Original Dixieland Jazz-Band - a été enregistrée sur des disques de gramophone en 1917, et à partir de 1923, l'enregistrement systématique des pièces de jazz a commencé.
Un large public américain s'est familiarisé avec le jazz immédiatement après la fin de la Première Guerre mondiale. Sa technique a été reprise par un grand nombre d'interprètes et a laissé son empreinte sur toutes les musiques de divertissement des États-Unis et d'Europe occidentale.
Cependant, des années 1920 au milieu des années 1930, il était d'usage d'appliquer le mot «jazz» sans distinction à presque tous les types de musique qui étaient influencés par le jazz en termes rythmiques, mélodiques et tonaux.
Symphojazz est une variété de style de jazz combiné avec de la musique symphonique de genre léger. Ce terme a été utilisé pour la première fois dans les années 1920 par le célèbre chef d'orchestre américain Paul Whiteman. Dans la plupart des cas, c'était de la musique de danse avec une touche de "saloon". Cependant, le même Whiteman a initié la création et le premier interprète de la célèbre "Rhapsody in the style of the blues" de George Gershwin, où la fusion du jazz et de la musique symphonique s'est avérée extrêmement organique. Il y a eu des tentatives pour recréer une synthèse similaire dans une nouvelle qualité et à un moment ultérieur.
Au début des années 1930, le jazz de la Nouvelle-Orléans et de Chicago avait été remplacé par le style swing, qui était incarné dans des «grands groupes» qui comprenaient 3-4 saxophones, 3 trompettes, 3 trombones et une section rythmique. Le terme «swing» est venu de Louis Armstrong et a été utilisé pour définir le style dans lequel son influence était fortement ressentie. L'augmentation de la composition oblige à passer à l'interprétation d'arrangements pré-créés, enregistrés sur des notes ou appris directement à l'oreille sur les instructions directes de l'auteur. Les contributions les plus importantes au swing ont été faites par F. Henderson, E. Kennedy, Duke Ellington, W. Chick Webb, J. Landsford. Chacun d'eux a combiné le talent d'un chef d'orchestre, arrangeur, compositeur et instrumentiste. Ils ont été suivis par les orchestres de B. Goodman, G. Miller et autres, qui ont emprunté les réalisations techniques de musiciens noirs.
À la fin des années 30, le «swing» s'était épuisé, se transformant en un ensemble de méthodes techniques formelles. De nombreux grands maîtres du swing commencent à développer les genres de jazz de chambre et de concert. Se produisant au sein de petits ensembles, ils créent une série de pièces, s'adressant également au public dansant et à un cercle relativement restreint d'auditeurs-experts. Ellington et son orchestre ont enregistré la suite Reminiscence in Tempo, qui a amené le jazz au-delà d'un numéro de danse de trois minutes.
Le tournant décisif est survenu au début des années 40, lorsqu'un groupe de musiciens a pris les devants dans une nouvelle direction du jazz, l'appelant le mot onomatopéique «bebop». Il a jeté les bases du modern jazz (modern jazz anglais - modern jazz) - ce terme est généralement utilisé pour désigner les styles et les tendances du jazz apparus après le règne du swing. Bebop a fait valoir la rupture définitive du jazz avec le domaine de la musique de divertissement. Sur le plan artistique, il a ouvert la voie au développement indépendant du jazz comme l'une des branches de l'art musical contemporain.
Dans les années 40, l'orchestre le plus populaire était le Glenn Miller Orchestra. Néanmoins, l'honneur d'une véritable créativité dans le jazz au cours de ces années appartient à Duke Ellington, qui, selon un critique, a publié des chefs-d'œuvre, semble-t-il, chaque semaine.
A la fin des années 40, apparaît la direction du jazz «cool», caractérisée par une sonorité modérée, une transparence des couleurs et l'absence de contrastes dynamiques nets. L'émergence de cette tendance est associée aux activités du trompettiste M. Davis. Plus tard, le jazz «cool» a été principalement pratiqué par des groupes travaillant sur la côte ouest des États-Unis.
Dans le jazz des années 40 et 50, le langage harmonique devient de plus en plus chromatique, voire «néo-debussien», et les musiciens interprètent des mélodies populaires complexes. En même temps, ils continuent d'exprimer l'essence traditionnelle du blues. Et la musique a conservé et élargi la vitalité de sa base rythmique.
Les événements les plus importants de l'histoire du jazz tournent autour de compositeurs qui synthétisent la musique et lui donnent des formes générales, puis autour de musiciens individuels, solistes inventifs qui actualisent périodiquement le vocabulaire du jazz. Parfois, ces étapes sont interchangées, de la synthèse de Morton aux innovations d'Armstrong, de la synthèse d'Ellington aux innovations de Parker.
Depuis la seconde moitié du XXe siècle, le nombre de concepts artistiques et de manières de jouer de la musique jazz a augmenté. Une contribution notable à l'amélioration de la technique de composition jazz a été apportée par l'ensemble "Modern Jazz Quartet", qui a synthétisé les principes du "bebop", du "cool jazz" et de la polyphonie européenne des XVIIe - XVIIIe siècles. Cette tendance a conduit à la création de nombreuses pièces pour des ensembles orchestraux mixtes, y compris des orchestres universitaires et des improvisateurs de jazz. Cela a creusé davantage l'écart entre le jazz et le domaine de la musique de divertissement et a finalement éloigné le grand public.
À la recherche d'un substitut approprié, les jeunes danseurs ont commencé à se tourner vers le genre rythm-and-blues de la musique noire quotidienne, combinant des performances vocales expressives de style blues avec un accompagnement de batterie énergique et des répliques de guitare électrique ou de saxophone. Sous cette forme, la musique a servi de précurseur au «rock and roll» dans les années 50 et 60, ce qui a grandement influencé la composition et l'interprétation des chansons populaires. À leur tour, les boogie-woogie qui étaient très populaires aux États-Unis à la fin des années 1930 (en fait, ils sont beaucoup plus anciens), sont des styles de blues joués au piano.
À la fin des années 1950, un autre genre populaire, la soul, rejoint le R&B, qui est une version profane de l'une des branches de la musique sacrée nègre.
Une autre tendance du jazz à la fin des années 60 - le début des années 70 est due à l'intérêt croissant pour le folklore et l'art musical professionnel en Asie et en Afrique. Un certain nombre de pièces de différents auteurs sont apparues, basées sur les airs et danses folkloriques du Ghana, du Nigéria, du Soudan, de l'Égypte et des pays de la péninsule arabique.
À la fin des années 60, un genre de musique jazz se développe aux États-Unis à partir du rock traditionnel, influencé par le musicien noir Miles Davis et ses élèves, qui tentent de rendre leur musique plus claire et plus accessible. Le boom du rock "intellectuel" et la nouveauté du style le rendirent extrêmement populaire au milieu des années 1970. Plus tard, le jazz-rock s'est scindé en plusieurs formes plus spécifiques, certains de ses adeptes sont retournés au jazz traditionnel, certains sont venus à la musique pop franche, et seuls quelques-uns ont continué à chercher des moyens pour une interpénétration plus profonde du jazz et du rock. Les formes modernes de jazz rock sont mieux connues sous le nom de fusion.
Au fil des décennies, le développement du jazz a été largement spontané et a été largement déterminé par une coïncidence. Restant avant tout un phénomène de culture afro-américaine, le système du langage musical du jazz et les principes de son interprétation acquièrent peu à peu un caractère international. Le jazz est capable d'assimiler facilement les éléments artistiques de toute culture musicale, tout en préservant son originalité et son intégrité.
L'émergence du jazz en Europe à la fin des années 1910 a immédiatement attiré l'attention des principaux compositeurs. Certains éléments de structure, tours rythmiques et techniques d'intonation ont été utilisés dans leurs œuvres par K. Debussy, IF Stravinsky, M. Ravel, K. Weil et d'autres.
Dans le même temps, l'influence du jazz sur l'œuvre de ces compositeurs a été limitée et de courte durée. Aux États-Unis, la fusion du jazz avec la musique de la tradition européenne a donné naissance à l'œuvre de J. Gershwin, qui est entré dans l'histoire de la musique comme le représentant le plus éminent du jazz symphonique.
Ainsi, l'histoire du jazz peut être racontée à partir du développement des sections rythmiques et de l'attitude des musiciens de jazz envers la partie de trompette.
Les ensembles de jazz européens ont commencé à émerger au début des années 1920, mais jusqu'à la fin de la Seconde Guerre mondiale, le manque de soutien d'un public de masse les a forcés à interpréter principalement des répertoires pop et dance. Après 1945, au cours des 15 à 20 prochaines années, dans la plupart des capitales et des grandes villes d'Europe, un cadre d'instrumentistes s'est formé, maîtrisant la technique de l'exécution de pratiquement toutes les formes de jazz: M. Legrand, H. Littleton, R. Scott, J. Dunkworth, L. Gullin, V. Schleter, J. Kvasnitsky.
Le jazz fonctionne dans un environnement où il est en concurrence avec d'autres formes de musique populaire. En même temps, c'est un art si populaire qu'il a reçu les éloges et le respect les plus élevés et largement acceptés et a attiré l'attention des critiques et des universitaires. De plus, les changements dans d'autres formes de musique populaire semblent parfois être un caprice de la mode. Le jazz, pour sa part, évolue et se développe. Ses interprètes ont beaucoup tiré parti de la musique du passé et y ont construit leur musique. Et comme le disait S. Dance, "les meilleurs musiciens ont toujours été en avance sur leur public". .
Liste de la littérature utilisée
Encyclopédie Jazz / Musical. T. 2.S. 211-216.
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Troitskaya G. Singer dans le jazz. À la tournée de la scène étrangère // Théâtre. 1961. N ° 12. S. 184-185.
Williams M. Une brève histoire du jazz // USA. Économie, politique, idéologie. 1974. N ° 10. S. 84-92. N ° 11. S. 107-114.
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Aujourd'hui, dans la leçon, vous trouverez des réponses à nos questions. Pour représenter l'image du Jazz, retraçons l'histoire de son apparition.
Le jazz est né aux États-Unis à la suite de la synthèse de nombreux éléments des cultures musicales réinstallées des peuples d'Europe et du folklore africain. La musique africaine est de nature improvisée, sa fonction la plus importante est le principe rythmique, la polyphonie rythmique. Dans la musique européenne, le principe mélodique et harmonique est plus développé. La musique pour les Africains est souvent associée au travail, à des cérémonies, à un culte et ne se produit pas de manière indépendante, mais en conjonction avec la danse, la plasticité, la prière.
Les missionnaires ont converti les esclaves noirs au christianisme, leur ont enseigné des hymnes. Dans les sanctions, ils ont demandé à Dieu de les conduire hors du monde de la douleur, de la pauvreté et de l'oppression. C'est ainsi que le style spirituel est apparu. (Chants religieux nègres). Chaque groupe a des vocabulaires musicaux. 1 groupe cherche le nom de son style, lit et raconte ses caractéristiques.
Les Bleus fleurissent avec l'abolition de l'esclavage en 1865
Le groupe 2 cherche le nom de leur style, lit et raconte ses caractéristiques.
Dans les années 70 du 19ème siècle, un autre style du prédécesseur du blues a été formé - le ragtime.
3 Le groupe recherche dans le dictionnaire de musique la définition du ragtime.
Au début du 20e siècle, les spirituals, le blues et le ragtime ont fusionné. Et ce style s'appelait jazz. Le nom provient de l'expression alors courante: "jazing it up", c'est-à-dire "Jouez avec enthousiasme, énergique, brutal, désordonné." Chaque membre de l'orchestre doit pouvoir improvisersur votre instrument, i.e. composer de la musique en déplacement, ce que tout le monde ne peut pas.
Les particularités de la musique jazz consistent en la fusion d'éléments de deux cultures musicales: dans la mélodie et l'harmonie, on peut reconnaître l'influence de la culture «blanche» (européenne), mais un rythme complexe et varié est syncope, polyrythmie et swing (swing effet), un timbre sonore rugueux est l'influence de la culture africaine.
Le berceau du jazz était la ville de la Nouvelle-Orléans. On pense que cela s'est produit le 17 novembre 1887. L'un des pères du jazz était le joyeux camarade à la peau sombre Thermidus Brown, un musicien amateur, un coiffeur qui avait le surnom de Jazz-bo (histoire d'horreur de jazz) - ce Brown aimait vraiment les costumes à la mode. Dans la nuit du 17 novembre, au Crazy's de la Nouvelle-Orléans, ce même Brown sortit son instrument de cuivres en forme de trompette CORNET et se mit à jouer une mélodie simple. Mais soudain, Brown a commencé à s'éloigner de la mélodie, qui grâce à cela a acquis un rythme complètement inhabituel et une tonalité étrange. Cette mélodie étonnante a conduit le public du restaurant dans un délice indescriptible.
Un son aussi inhabituel avec un rythme irrégulier a été bientôt adopté par de nombreux musiciens des orchestres qui ont joué de la musique de danse à la Nouvelle-Orléans. Charles Bolden, surnommé Buddy the Buddy, qui travaillait comme reporter pour un petit journal, a commencé à jouer de cette manière. Tout d'abord, Buddy est devenu célèbre pour avoir joué terriblement fort d'une manière nouvelle. Grâce au jeu fort, c'est Buddy, et non Thermidus Brown, qui est resté dans l'histoire du jazz en tant que fondateur de cette nouvelle direction musicale.
Les caractéristiques du jazz sont complexes rythme avec des accents (accentuation nette d'un son), bit - pouls, battements, battements, conduire- course, balade, attaque, balançoire - course, swing mesuré. Le jazz est une musique orchestrale.
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Le jazz est une forme d'art musical née de la synthèse des cultures africaines et européennes avec la participation du folklore afro-américain. Le rythme et l'improvisation ont été empruntés à la musique africaine, l'harmonie à la musique européenne.
Informations générales sur les origines de la formation
L'histoire des origines du jazz remonte à 1910 aux USA. Il s'est rapidement répandu dans le monde entier. Au cours du XXe siècle, cette direction de la musique a subi un certain nombre de changements. Si nous parlons de l'histoire de l'émergence du jazz, il convient de noter qu'en cours de formation, plusieurs étapes de développement ont été franchies. Dans les années 30-40 du XXe siècle, le mouvement swing et be-bop a eu une grande influence sur lui. Après 1950, le jazz a commencé à être considéré comme un genre musical comprenant tous les styles qu'il a développés en conséquence.
De nos jours, le jazz a pris sa place dans le domaine du grand art. Il est considéré comme assez prestigieux, influençant le développement de la culture musicale mondiale.
L'histoire de l'émergence du jazz
Cette direction est née aux États-Unis à la suite de la fusion de plusieurs cultures musicales. L'histoire de la naissance du jazz commence en Amérique du Nord, dont la plupart était habitée par des protestants anglais et français. Les missionnaires religieux ont cherché à convertir les Noirs à leur foi, en prenant soin du salut de leur âme.
Le résultat de la synthèse des cultures est l'émergence du spiritisme et du blues.
La musique africaine est caractérisée par l'improvisation, la polyrythmie, la polymétrie et la linéarité. Un rôle énorme est ici attribué au début rythmique. L'importance de la mélodie et de l'harmonie n'est pas si importante. Cela est dû au fait que la musique parmi les Africains a un sens appliqué. Elle accompagne l'activité ouvrière, les cérémonies. La musique africaine n'est pas indépendante et est associée au mouvement, à la danse, à la récitation. Son intonation est assez libre, car elle dépend de l'état émotionnel des interprètes.
De la musique européenne, plus rationnelle, le jazz s'est enrichi du système modal majeur-mineur, des constructions mélodiques et de l'harmonie.
Le processus d'unification des cultures a commencé au XVIIIe siècle et au XXe siècle a conduit à l'émergence du jazz.
Période scolaire de la Nouvelle-Orléans
Dans l'histoire du jazz, le style instrumental est considéré comme le premier, originaire de (Louisiane). Pour la première fois, cette musique est apparue dans les performances de fanfares de rue, très populaires à cette époque. Une grande importance dans l'histoire de l'émergence du jazz dans cette ville portuaire était Storyville - une zone de la ville spécialement désignée pour les établissements de divertissement. C'est ici, parmi les musiciens créoles d'origine négro-française, que le jazz est né. Ils connaissaient la musique classique légère, étaient éduqués, maîtrisaient la technique de jeu européenne, jouaient des instruments européens, lisaient des notes. Leur haut niveau d'interprétation et leur éducation dans les traditions européennes ont enrichi le jazz des débuts d'éléments qui n'étaient pas influencés par les influences africaines.
Le piano était également un instrument courant dans les institutions de Storyville. C'était principalement de l'improvisation et l'instrument était principalement utilisé comme instrument de percussion.
Le Buddy Bolden Orchestra (cornet), qui a existé de 1895 à 1907, est un exemple du style néo-orléans. La musique de cet orchestre était basée sur l'improvisation collective d'une structure polyphonique. Au début, le rythme des premières compositions de jazz de la Nouvelle-Orléans marchait, car les origines des groupes venaient de groupes militaires. Au fil du temps, les instruments secondaires ont été supprimés de la composition standard des fanfares. Ces ensembles organisaient souvent des concours. Les équipes «blanches» y ont également participé, qui se distinguaient par leur jeu technique, mais étaient moins émotives.
Il y avait un grand nombre d'orchestres qui jouaient des marches, du blues, du ragtime, etc.
Parallèlement aux orchestres nègres, des orchestres de musiciens blancs sont également apparus. Au début, ils jouaient la même musique, mais s'appelaient "Dixielands". Plus tard, ces compositions ont utilisé plus d'éléments de la technologie européenne, leur mode de production sonore a changé.
Groupes de navires à vapeur
Dans l'histoire de l'origine du jazz, un certain rôle a été joué par les orchestres de la Nouvelle-Orléans travaillant sur des bateaux à vapeur qui sillonnent le fleuve Mississippi. Pour les passagers qui voyageaient sur des bateaux à vapeur de plaisance, l'un des divertissements les plus attrayants était la représentation de ces orchestres. Ils ont joué de la musique de danse divertissante. Pour les interprètes, une exigence obligatoire était la connaissance de la littératie musicale et la capacité de lire des partitions. Par conséquent, ces équipes avaient un niveau professionnel assez élevé. Dans un tel orchestre a commencé sa carrière en tant que pianiste de jazz Lil Hardin, qui est devenue plus tard l'épouse de Louis Armstrong.
Dans les gares où les steamers s'arrêtaient, des orchestres organisaient des concerts pour la population locale.
Certains des groupes sont restés dans les villes le long des fleuves Mississippi et Missouri ou loin d'eux. L'une de ces villes était Chicago, où les Noirs se sentaient plus à l'aise qu'en Amérique du Sud.
Big band
Au début des années 20 du XXe siècle dans l'histoire du jazz, une forme de big band s'est formée, qui est restée d'actualité jusqu'à la fin des années 40. Les interprètes de ces orchestres ont joué des rôles savants. L'orchestration présupposait le son brillant de riches harmonies de jazz, qui étaient jouées par des cuivres et les orchestres de jazz les plus célèbres étaient les orchestres de Glenn Miller, Benny Goodman, Count Basie, Jimmy Lunsford. Ils ont enregistré de véritables tubes de mélodies swing, qui sont devenus une source d'enthousiasme pour un large éventail d'auditeurs. Lors des «batailles orchestrales» qui se déroulaient à cette époque, les solistes-improvisateurs des big bands ont plongé le public dans l'hystérie.
Après les années 50, lorsque la popularité des big bands a décliné, pendant plusieurs décennies, les célèbres orchestres ont continué à tourner et à enregistrer des disques. La musique qu'ils ont interprétée a changé, influencée par de nouvelles directions. Aujourd'hui, le big band est le standard de l'enseignement du jazz.
Jazz de Chicago
En 1917, les États-Unis entrent dans la Première Guerre mondiale. À cet égard, elle a été déclarée ville d'importance stratégique. Tous les établissements de divertissement, où travaillaient un grand nombre de musiciens, y étaient fermés. Laissés au chômage, ils ont migré en masse vers le Nord, à Chicago. Pendant cette période, tous les meilleurs musiciens de la Nouvelle-Orléans et d'autres villes sont là. L'un des artistes les plus brillants était Joe Oliver, devenu célèbre à la Nouvelle-Orléans. Pendant la période de Chicago, son groupe comprenait des musiciens célèbres: Louis Armstrong (deuxième cornet), Johnny Dodds (clarinette), son frère "Baby" Dodds (batterie), le jeune pianiste instruit de Chicago Lil Hardin. Cet orchestre a interprété du jazz improvisé à part entière de la Nouvelle-Orléans.
En analysant l'histoire du développement du jazz, il convient de noter que le son des orchestres a changé stylistiquement à l'époque de Chicago. Certains outils sont en cours de remplacement. Les représentations qui deviennent stationnaires peuvent permettre l'utilisation des membres du groupe devenus obligatoires. Au lieu d'une basse en laiton, une contrebasse est utilisée, au lieu d'un banjo - une guitare, au lieu d'un cornet - une trompette. Il y a aussi des changements dans le groupe de batterie. Maintenant, le batteur joue sur un kit de batterie, où ses possibilités s'élargissent.
Dans le même temps, le saxophone a commencé à être utilisé dans les orchestres.
L'histoire du jazz à Chicago est reconstituée avec de nouveaux noms de jeunes artistes, éduqués en musique, capables de lire à vue et d'arranger. Ces musiciens (pour la plupart blancs) ne connaissaient pas le vrai son du jazz de la Nouvelle-Orléans, mais ils ont appris à le connaître interprété par des artistes noirs qui ont émigré à Chicago. La jeunesse musicale les a imités, mais comme cela ne fonctionnait pas toujours, un nouveau style est apparu.
Pendant cette période, la maîtrise de Louis Armstrong atteint son apogée, désignant un exemple du jazz de Chicago et consolidant le rôle d'un soliste de la plus haute classe.
Le blues renaît à Chicago, donnant naissance à de nouveaux artistes.
Il y a une fusion de jazz et de pop, donc les chanteurs commencent à se produire au premier plan. Ils créent leurs propres compositions orchestrales pour l'accompagnement jazz.
La période de Chicago a été caractérisée par la création d'un nouveau style dans lequel les instrumentistes de jazz chantent. Louis Armstrong est l'un des représentants de ce style.
Balançoire
Dans l'histoire de la création jazz, le terme «swing» (traduit de l'anglais - «swing») est utilisé dans deux sens. Premièrement, le swing est le médium expressif de cette musique. Il présente une pulsation rythmique instable qui crée l'illusion d'une accélération du rythme. À cet égard, on a l'impression que la musique a une grande énergie intérieure. Les interprètes et les auditeurs sont unis par un état psychophysique commun. Cet effet est obtenu grâce à l'utilisation de techniques rythmiques, de phrasé, d'articulation et de timbre. Chaque musicien de jazz s'efforce de développer sa propre manière originale de musique "suintante". Il en va de même pour les ensembles et les orchestres.
Deuxièmement, c'est l'un des styles de jazz orchestral qui a émergé à la fin des années 1920.
Une caractéristique du style swing est l'improvisation en solo sur fond d'accompagnement, qui est assez complexe. Des musiciens ayant une bonne technique, une connaissance de l'harmonie et maîtrisant les techniques de développement musical pourraient travailler dans ce style. Pour une telle création musicale, de grands ensembles d'orchestres ou de big band ont été envisagés, qui sont devenus populaires dans les années 30. La composition standard de l'orchestre comprenait traditionnellement 10 à 20 musiciens. Parmi ceux-ci - de 3 à 5 trompettes, le même nombre de trombones, un groupe de saxophones, qui comprenait une clarinette, ainsi qu'une section rythmique, qui se composait d'un piano, d'une basse à cordes, d'une guitare et d'instruments de percussion.
Bop
Au milieu des années 40 du XXe siècle, un nouveau style de jazz s'est formé, dont l'émergence a marqué le début de l'histoire du jazz moderne. Ce style est né d'une opposition au swing. Il avait un rythme très rapide, qui a été introduit par Dizzy Gillespie et Charlie Parker. Cela a été fait dans un but précis: limiter le cercle des artistes interprètes aux seuls professionnels.
Les musiciens ont utilisé des motifs rythmiques et des tours mélodiques complètement nouveaux. Le langage harmonique est devenu plus complexe. La base rythmique de la grosse caisse (en swing) s'est déplacée vers les cymbales. Toute danse a complètement disparu dans la musique.
Dans l'histoire des styles jazz, le bebop a été le premier à quitter la sphère de la musique populaire dans le sens de la créativité expérimentale, dans la sphère de l'art dans sa forme «pure». Cela s'est produit en raison de l'intérêt des représentants de ce style pour l'académisme.
Les Boppers se distinguaient par leur apparence et leur comportement choquants, soulignant ainsi leur individualité.
La musique Bebop était interprétée par de petits ensembles. Au premier plan se trouve le soliste avec son style individuel, sa technique virtuose, sa pensée créative, maîtrisant l'habileté de l'improvisation libre.
En comparaison avec le swing, cette direction était plus hautement artistique, intellectuelle, mais moins répandue. Il avait un objectif anti-commercial. Néanmoins, le bebop a commencé à se répandre rapidement, il avait son propre large public d'auditeurs.
Territoire du jazz
Dans l'histoire du jazz, il faut noter l'intérêt constant des musiciens et des auditeurs du monde entier, quel que soit le pays dans lequel ils vivent. Cela est dû au fait que des artistes de jazz tels que Dizzy Gillespie, Dave Brubeck, Duke Ellington et bien d'autres ont construit leurs compositions sur la synthèse de diverses cultures musicales. Ce fait suggère que le jazz est une musique comprise dans le monde entier.
Aujourd'hui, l'histoire du jazz a sa suite, puisque le potentiel de développement de cette musique est assez grand.
Musique jazz en URSS et en Russie
En raison du fait que le jazz en URSS était considéré comme une manifestation de la culture bourgeoise, il a été critiqué et interdit par les autorités.
Mais le 1er octobre 1922 est marqué par le concert du premier orchestre de jazz professionnel en URSS. Cet orchestre a interprété les danses branchées de Charleston et de Foxtrot.
L'histoire du jazz russe comprend les noms de musiciens talentueux: pianiste et compositeur, ainsi que le chef du premier orchestre de jazz Alexander Tsfasman, le chanteur Leonid Utesov et le trompettiste Y. Skomorovsky.
Après les années 50, de nombreux grands et petits ensembles de jazz ont commencé leur travail créatif actif, y compris l'orchestre de jazz d'Oleg Lundstrem, qui a survécu jusqu'à ce jour.
Actuellement, Moscou accueille un festival de jazz chaque année, avec des groupes de jazz de renommée mondiale et des artistes solistes.
Jazz (Jazz anglais) - une forme d'art musical née à la fin du XIXe - début du XXe siècle aux États-Unis, à la Nouvelle-Orléans, à la suite de la synthèse des cultures africaine et européenne et qui s'est ensuite généralisée. Les origines du jazz étaient le blues et d'autres musiques folkloriques afro-américaines. Les traits caractéristiques du langage musical du jazz étaient à l'origine l'improvisation, la polyrythmie basée sur des rythmes syncopés et un ensemble unique de techniques pour exécuter une texture rythmique - le swing. La poursuite du développement du jazz s'est produite en raison du développement de nouveaux modèles rythmiques et harmoniques par des musiciens et compositeurs de jazz. Les saveurs de jazz sont: le jazz d'avant-garde, le bebop, le jazz classique, le cool, le fret jazz, le swing, le smooth jazz, le soul jazz, le free jazz, la fusion, le hard bop et bien d'autres.
L'histoire du développement du jazz
Vilex College Jazz Band, Texas
Le jazz est né d'une combinaison de plusieurs cultures musicales et de traditions nationales. Il est originaire d'Afrique. Toute musique africaine est caractérisée par un rythme très complexe, la musique est toujours accompagnée de danses, qui sont des tapotements et des gifles rapides. Sur cette base, à la fin du XIXe siècle, un autre genre musical a émergé: le ragtime. Par la suite, les rythmes du ragtime, combinés à des éléments de blues, ont donné naissance à une nouvelle direction musicale - le jazz.
Le blues est apparu à la fin du XIXe siècle comme une fusion de rythmes africains et d'harmonie européenne, mais ses origines doivent être recherchées dès le moment où les esclaves ont été amenés d'Afrique sur le territoire du Nouveau Monde. Les esclaves amenés n'étaient pas du même clan et ne se comprenaient généralement pas. Le besoin de consolidation a conduit à l'unification de nombreuses cultures et, par conséquent, à la création d'une seule culture (y compris musicale) des Afro-Américains. Les processus de métissage de la culture musicale africaine et européenne (qui ont également subi des changements majeurs dans le Nouveau Monde) ont eu lieu à partir du XVIIIe siècle et au XIXe siècle ont conduit à l'émergence du «protojazz», puis du jazz au sens conventionnel. Le berceau du jazz était le sud américain, et surtout la Nouvelle-Orléans.
L'improvisation est la clé de la jeunesse éternelle du jazz
La particularité du style est la performance individuelle unique du virtuose du jazz. L'improvisation est la clé de la jeunesse éternelle du jazz. Après l'émergence d'un interprète de génie qui a vécu toute sa vie au rythme du jazz et qui reste encore une légende - Louis Armstrong, l'art du jazz a vu de nouveaux horizons insolites pour lui-même: la performance solo vocale ou instrumentale devient le centre de toute la performance , changeant complètement l'idée du jazz. Le jazz n'est pas seulement un certain type de performance musicale, mais aussi une époque unique et joyeuse.
Jazz de la Nouvelle-Orléans
Le terme Nouvelle-Orléans fait généralement référence au style des musiciens qui ont joué du jazz à la Nouvelle-Orléans entre 1900 et 1917, ainsi que des musiciens de la Nouvelle-Orléans qui ont joué et enregistré des disques à Chicago d'environ 1917 aux années 1920. Cette période de l'histoire du jazz est également connue sous le nom de «l'âge du jazz». Et ce terme est également utilisé pour décrire la musique interprétée à différentes périodes historiques par la Renaissance de la Nouvelle-Orléans, qui aspirait à jouer du jazz dans le même style que les musiciens de la New Orleans School.
Les chemins du folklore afro-américain et du jazz se sont séparés depuis la découverte de Storyville, le quartier chaud de la Nouvelle-Orléans célèbre pour ses lieux de divertissement. Pour ceux qui voulaient s'amuser et s'amuser, il y avait beaucoup d'opportunités séduisantes qui offraient des pistes de danse, du cabaret, des spectacles de variétés, du cirque, des bars et des restaurants. Et partout dans ces institutions, la musique résonnait et les musiciens qui maîtrisaient la nouvelle musique syncopée pouvaient trouver du travail. Peu à peu, avec l'augmentation du nombre de musiciens travaillant professionnellement dans les établissements de divertissement de Storyville, le nombre de fanfares de rue et de fanfares a diminué, et à leur place, les ensembles dits Storyville ont vu le jour, dont la manifestation musicale devient plus individuelle. , en comparaison avec le jeu des fanfares. Ces groupes, souvent appelés «orchestres combo», sont devenus les fondateurs du style de jazz classique de la Nouvelle-Orléans. En 1910-1917, les boîtes de nuit de Storyville sont devenues l'environnement idéal pour le jazz.
En 1910-1917, les boîtes de nuit de Storyville sont devenues des environnements idéaux pour le jazz.
Le développement du jazz aux États-Unis dans le premier quart du XXe siècle
Après la fermeture de Storyville, le jazz a commencé à passer d'un genre folklorique régional à une tendance musicale nationale, se répandant dans les provinces du nord et du nord-est des États-Unis. Mais sa large diffusion, bien entendu, ne pouvait être facilitée que par la fermeture d'un quartier de divertissement. Avec la Nouvelle-Orléans, Saint-Louis, Kansas City et Memphis ont joué un rôle important dans le développement du jazz dès le début. Ragtime est né à Memphis au XIXe siècle, d'où il s'est ensuite répandu sur tout le continent nord-américain dans la période 1890-1903.
D'autre part, les performances de ménestrel, avec leur mosaïque colorée de toutes sortes de folklore afro-américain, du jig au ragtime, se sont rapidement répandues partout et ont ouvert la voie à l'arrivée du jazz. De nombreuses futures célébrités du jazz ont commencé leur voyage dans le show menstrell. Bien avant la fermeture de Storyville, les musiciens de la Nouvelle-Orléans partent en tournée avec les troupes dites de "vaudeville". Jelly Roll Morton tourne régulièrement depuis 1904 en Alabama, en Floride, au Texas. À partir de 1914, il avait un contrat pour se produire à Chicago. En 1915, le White Dixieland Orchestra de Tom Brown s'installe à Chicago. Le célèbre Creole Band, dirigé par le cornetiste de la Nouvelle-Orléans Freddie Keppard, a également fait d'importantes tournées de vaudeville à Chicago. Après s'être séparés de l'Olympia Band, les artistes de Freddie Keppard déjà en 1914 se sont produits avec succès dans le meilleur théâtre de Chicago et ont reçu une offre de faire un enregistrement sonore de leurs performances avant même le Original Dixieland Jazz Band, ce que Freddie Keppard a rejeté à courte vue. Élargit considérablement le territoire couvert par l'influence du jazz, des orchestres jouant sur des bateaux à vapeur de plaisir qui remontaient le Mississippi.
Depuis la fin du 19e siècle, les excursions fluviales de la Nouvelle-Orléans à Saint-Paul sont devenues populaires, d'abord pour un week-end, puis pour une semaine entière. Depuis 1900, les orchestres de la Nouvelle-Orléans se produisent sur ces bateaux fluviaux, faisant de leur musique le divertissement le plus attrayant pour les passagers des excursions fluviales. La future épouse de Louis Armstrong, le premier pianiste de jazz Lil Hardin, a débuté dans l'un de ces orchestres, Sugar Johnny. L'orchestre fluvial du pianiste Fates Marable a joué de nombreuses futures stars du jazz de la Nouvelle-Orléans.
Les vapeurs naviguant le long de la rivière s'arrêtaient souvent aux stations de passage, où les orchestres donnaient des concerts pour le public local. Ce sont ces concerts qui sont devenus les débuts créatifs de Bix Beiderback, Jess Stacy et bien d'autres. Une autre route célèbre traversait le Missouri jusqu'à Kansas City. Dans cette ville où, grâce aux racines fortes du folklore afro-américain, le blues s'est développé et a finalement pris forme, le jeu virtuose des jazzmen de la Nouvelle-Orléans a trouvé un environnement exceptionnellement fertile. Au début des années 1920, Chicago est devenue le principal centre de développement de la musique jazz, dans laquelle, grâce aux efforts de nombreux musiciens venus de différentes régions des États-Unis, un style a été créé qui a reçu le surnom de Chicago jazz.
Grands groupes
La forme classique et établie des big band est connue dans le jazz depuis le début des années 1920. Cette forme est restée pertinente jusqu'à la fin des années 40. Les musiciens qui sont entrés dans la majorité des big band, en règle générale, presque à l'adolescence, ont joué un certain nombre de rôles, soit appris par répétition, soit à partir de partitions. Des orchestrations méticuleuses combinées à de grandes sections de cuivres et de bois ont produit de riches harmonies de jazz et ont créé un son incroyablement fort qui est devenu connu comme "le son du big band".
Le Big Band est devenu la musique populaire de son temps, culminant au milieu des années 1930. Cette musique est devenue la source de l'engouement pour la danse swing. Les chefs des célèbres orchestres de jazz Duke Ellington, Benny Goodman, Count Basie, Artie Shaw, Chick Webb, Glenn Miller, Tommy Dorsey, Jimmy Lunsford, Charlie Barnett ont composé ou arrangé et enregistré sur disques un véritable hit parade de mélodies qui ne sonnaient pas seulement à la radio mais aussi partout dans les salles de danse. De nombreux big band ont présenté leurs improvisateurs solos, qui ont amené le public dans un état proche de l'hystérie lors de «batailles d'orchestres» bien promues.
De nombreux grands groupes ont montré leurs improvisateurs solo, qui ont amené le public dans un état proche de l'hystérie
Bien que la popularité des grands groupes ait diminué de manière significative après la Seconde Guerre mondiale, les orchestres dirigés par Basie, Ellington, Woody Herman, Stan Kenton, Harry James et bien d'autres ont tourné et enregistré des disques fréquemment au cours des prochaines décennies. Leur musique s'est progressivement transformée sous l'influence des nouvelles tendances. Des groupes tels que des ensembles dirigés par Boyd Ryburn, Sun Ra, Oliver Nelson, Charles Mingus, Ted Jones-Mel Lewis ont exploré de nouveaux concepts en matière d'harmonie, d'instrumentation et de liberté d'improvisation. Aujourd'hui, les big band sont la norme dans l'enseignement du jazz. Des orchestres de répertoire tels que le Lincoln Center Jazz Orchestra, le Carnegie Hall Jazz Orchestra, le Smithsonian Jazz Masterpieces Orchestra et le Chicago Jazz Ensemble jouent régulièrement des arrangements originaux pour big band.
Jazz du nord-est
Bien que l'histoire du jazz ait commencé à la Nouvelle-Orléans au début du XXe siècle, la musique a décollé au début des années 1920 lorsque le trompettiste Louis Armstrong a quitté la Nouvelle-Orléans pour créer une nouvelle musique révolutionnaire à Chicago. La migration des maîtres du jazz de la Nouvelle-Orléans à New York, qui a commencé peu de temps après, a marqué la tendance d'un mouvement constant de musiciens de jazz du Sud vers le Nord.
Louis Armstrong
Chicago a embrassé la musique de la Nouvelle-Orléans et l'a rendue chaude, augmentant l'intensité non seulement des célèbres ensembles Hot Five et Hot Seven d'Armstrong, mais également d'autres, y compris Eddie Condon et Jimmy McPartland, dont l'équipe de Austin High School a contribué à la relance. Nouvelle-Orléans. Écoles. Le pianiste Art Hodes, le batteur Barrett Deems et le clarinettiste Benny Goodman figurent parmi les autres habitants de Chicago célèbres qui ont repoussé les horizons du style jazz classique de la Nouvelle-Orléans. Armstrong et Goodman, qui ont finalement déménagé à New York, y ont créé une sorte de masse critique, qui a aidé cette ville à se transformer en une véritable capitale mondiale du jazz. Et si Chicago est restée au premier quart du 20e siècle principalement le centre de l'enregistrement sonore, New York s'est également transformée en une salle de concert majeure pour le jazz, avec des clubs légendaires tels que Minton Playhouse, Cotton Club, Savoy et Village Vanguard, et aussi par des arènes telles que Carnegie Hall.
Style de Kansas City
Pendant la Grande Dépression et la Prohibition, la scène jazz de Kansas City est devenue la Mecque des sons newfangled de la fin des années 1920 et 1930. Le style qui a fleuri à Kansas City était caractérisé par des pièces teintées de blues, interprétées à la fois par de grands groupes et de petits ensembles de swing, avec des solos très énergiques joués aux convives avec de l'alcool clandestin. C'est dans ces pubs que s'est cristallisé le style du grand Count Basie, à commencer par Kansas City avec le Walter Page Orchestra puis avec Benny Mouten. Ces deux orchestres étaient des représentants typiques du style de Kansas City, dont la base était une forme particulière de blues, appelé «blues urbain» et formé dans le jeu des orchestres susmentionnés. La scène jazz de Kansas City s'est également distinguée par toute une galaxie de maîtres exceptionnels du blues vocal, reconnus comme le «roi» parmi lesquels le chanteur de longue date du Count Basie Orchestra, le célèbre chanteur de blues Jimmy Rushing. Le célèbre altsaxophoniste de Kansas City, Charlie Parker, à son arrivée à New York, a largement utilisé les "trucs" caractéristiques du blues qu'il avait appris dans les orchestres de Kansas City et qui ont par la suite constitué l'un des points de départ des expériences Bopper dans les années 1940. .
Jazz de la côte ouest
Les interprètes pris dans le mouvement cool du jazz dans les années 50 ont beaucoup travaillé dans les studios d'enregistrement de Los Angeles. Largement influencés par le nonet Miles Davis, ces artistes basés à Los Angeles ont développé ce qui est maintenant connu sous le nom de "West Coast Jazz", ou West Coast Jazz. Le jazz de la côte ouest était beaucoup plus doux que le bebop furieux qui l'a précédé. La plupart des morceaux de jazz de la côte ouest ont été écrits avec beaucoup de détails. Les lignes de contrepoint souvent utilisées dans ces compositions semblaient faire partie de l'influence européenne qui avait imprégné le jazz. Cependant, cette musique a également laissé beaucoup d'espace pour de longues improvisations linéaires en solo. Bien que le West Coast Jazz ait été joué principalement dans des studios d'enregistrement, des clubs tels que The Lighthouse on Ermoza Beach et le Haig à Los Angeles ont fréquemment présenté ses meilleurs maîtres, dont le trompettiste Shorty Rogers, les saxophonistes Art Pepper et Bud Schenk. Le batteur Shelley Mann et le clarinettiste Jimmy Juffrey.
Diffuser le jazz
Le jazz a toujours suscité l'intérêt des musiciens et des auditeurs du monde entier, quelle que soit leur nationalité. Il suffit de retracer les premières œuvres du trompettiste Dizzy Gillespie et sa synthèse des traditions jazz avec la musique des Cubains noirs des années 1940 ou plus tard, la combinaison du jazz avec la musique japonaise, eurasienne et moyen-orientale, connue dans l'œuvre du pianiste Dave Brubeck , ainsi que dans le brillant compositeur et leader de jazz - Orchestre de Duke Ellington, combinant l'héritage musical de l'Afrique, de l'Amérique latine et de l'Extrême-Orient.
Dave Brubeck
Le jazz a constamment absorbé non seulement les traditions musicales occidentales. Par exemple, lorsque différents artistes ont commencé à essayer de travailler avec les éléments musicaux de l'Inde. Un exemple de cet effort peut être entendu dans les enregistrements du flûtiste Paul Horn au Taj Mahal, ou dans le flux de "musique du monde" présenté, par exemple, par le groupe de l'Oregon ou le projet John McLaughlin Shakti. La musique de McLaughlin, autrefois principalement basée sur le jazz, tout en travaillant avec Shakti a commencé à utiliser de nouveaux instruments d'origine indienne, tels que le hatama ou le tabla, des rythmes complexes sonnaient et la forme du raga indien était largement utilisée.
Alors que la mondialisation du monde se poursuit, l'impact des autres traditions musicales se fait constamment sentir dans le jazz.
L'Art Ensemble of Chicago a été l'un des premiers pionniers de la fusion des formes africaines et jazz. Plus tard, le monde a fait la connaissance du saxophoniste / compositeur John Zorn et de son exploration de la culture musicale juive, tant à l'intérieur qu'à l'extérieur de l'orchestre de Masada. Ces œuvres ont inspiré des groupes d'autres musiciens de jazz, comme le claviériste John Medeski, qui a enregistré avec le musicien africain Salif Keita, le guitariste Marc Ribot et le bassiste Anthony Coleman. Le trompettiste Dave Douglas a inspiré des influences balkaniques dans sa musique, tandis que l'Orchestre de jazz asiatique-américain s'est imposé comme l'un des principaux partisans de la convergence du jazz et des formes musicales asiatiques. Alors que la mondialisation du monde se poursuit, l'impact d'autres traditions musicales se fait constamment sentir dans le jazz, fournissant une nourriture mûre pour les recherches futures et prouvant que le jazz est vraiment une musique du monde.
Jazz en URSS et en Russie
Premier groupe de jazz de Valentin Parnakh au RSFSR
La scène jazz a émergé en URSS dans les années 1920 en même temps que son essor aux USA. Le premier orchestre de jazz en Russie soviétique a été créé à Moscou en 1922 par le poète, traducteur, danseur et figure théâtrale Valentin Parnakh et s'appelait «Premier orchestre excentrique de jazz band de Valentin Parnakh dans le RSFSR». L'anniversaire du jazz national est traditionnellement considéré comme le 1er octobre 1922, date du premier concert de ce groupe. L'orchestre du pianiste et compositeur Alexander Tsfasman (Moscou) est considéré comme le premier groupe de jazz professionnel à se produire à la radio et à enregistrer un disque.
Les premiers groupes de jazz soviétiques se sont spécialisés dans l'exécution de danses à la mode (foxtrot, charleston). Dans la conscience de masse, le jazz a commencé à gagner en popularité dans les années 30, en grande partie grâce à l'ensemble de Leningrad dirigé par l'acteur et chanteur Leonid Utesov et le trompettiste Y.B. Skomorovsky. Le film de comédie populaire avec sa participation "Funny Guys" (1934) était consacré à l'histoire du musicien de jazz et avait une bande sonore correspondante (écrite par Isaac Dunaevsky). Utesov et Skomorovsky ont formé le style original du "thé-jazz" (jazz théâtral), basé sur un mélange de musique avec le théâtre, l'opérette, les numéros vocaux et l'élément de performance y a joué un grand rôle. Une contribution notable au développement du jazz soviétique a été apportée par Eddie Rosner, compositeur, musicien et chef d'orchestre. Ayant commencé sa carrière en Allemagne, en Pologne et dans d'autres pays européens, Rosner a déménagé en URSS et est devenu l'un des pionniers du swing en URSS et le pionnier du jazz biélorusse.
Dans la conscience de masse, le jazz a commencé à gagner en popularité en URSS dans les années 30
L'attitude des autorités soviétiques à l'égard du jazz était ambiguë: les artistes de jazz nationaux n'étaient généralement pas interdits, mais la critique sévère du jazz en tant que tel était répandue, dans le contexte de la critique de la culture occidentale en général. A la fin des années 40, lors de la lutte contre le cosmopolitisme, le jazz en URSS traversait une période particulièrement difficile, où les groupes de musique «occidentale» étaient persécutés. Avec le début du "dégel", les répressions contre les musiciens ont été arrêtées, mais les critiques ont continué. Selon les recherches du professeur d'histoire et de culture américaine Penny Van Eschen, le département d'État américain a tenté d'utiliser le jazz comme une arme idéologique contre l'URSS et contre l'expansion de l'influence soviétique dans le tiers monde. Dans les années 50 et 60. à Moscou, les orchestres d'Eddie Rosner et d'Oleg Lundstrem ont repris leurs activités, de nouvelles compositions sont apparues, parmi lesquelles les orchestres de Joseph Weinstein (Leningrad) et Vadim Ludvikovsky (Moscou), ainsi que le Riga Variety Orchestra (REO).
Les grands groupes ont élevé toute une galaxie d'arrangeurs et de solistes-improvisateurs talentueux, dont le travail a amené le jazz soviétique à un niveau qualitativement nouveau et l'a rapproché des normes mondiales. Parmi eux se trouvent Georgy Garanyan, Boris Frumkin, Alexey Zubov, Vitaly Dolgov, Igor Kantyukov, Nikolai Kapustin, Boris Matveev, Konstantin Nosov, Boris Rychkov, Konstantin Bakholdin. Le développement du jazz de chambre et de club commence dans toute la diversité de sa stylistique (Vyacheslav Ganelin, David Goloshchekin, Gennady Golstein, Nikolai Gromin, Vladimir Danilin, Alexey Kozlov, Roman Kunsman, Nikolai Levinovsky, German Lukyanov, Alexander Pishchikov, Alexey Kuznetsov, Victor Fridman`` Igor Bril, Leonid Chizhik, etc.)
Jazz Club "Blue Bird"
Beaucoup des maîtres du jazz soviétique mentionnés ci-dessus ont commencé leur carrière sur la scène du légendaire club de jazz de Moscou "Blue Bird", qui a existé de 1964 à 2009, ouvrant de nouveaux noms de représentants de la génération moderne de stars du jazz russes (frères Alexander et Dmitry Bril, Anna Buturlina, Yakov Okun, Roman Miroshnichenko et autres). Dans les années 70, le trio de jazz "Ganelin-Tarasov-Chekasin" (GTCH), composé du pianiste Vyacheslav Ganelin, du batteur Vladimir Tarasov et du saxophoniste Vladimir Chekasin, qui existait jusqu'en 1986, est devenu largement connu. Dans les années 70 et 80, le quatuor de jazz azerbaïdjanais «Gaia», les ensembles vocaux et instrumentaux géorgiens «Orera» et «Jazz-Choral» étaient également connus.
Après le déclin de l'intérêt pour le jazz dans les années 90, il a recommencé à gagner en popularité dans la culture des jeunes. Moscou accueille chaque année des festivals de musique jazz tels que Manor Jazz et Jazz in the Hermitage Garden. Le club de jazz le plus populaire de Moscou est le club de jazz de l'Union of Composers, qui invite des artistes de jazz et de blues de renommée mondiale.
Jazz dans le monde moderne
Le monde moderne de la musique est aussi diversifié que le climat et la géographie que nous vivons à travers les voyages. Et pourtant, nous assistons aujourd'hui au brassage d'un nombre croissant de cultures du monde, nous rapprochant sans cesse de ce qui, par essence, est déjà en train de devenir une «musique du monde». Le jazz d'aujourd'hui ne peut plus être influencé par des sons qui y pénètrent de presque tous les coins du globe. L'expérimentation européenne aux accents classiques continue d'influencer la musique de jeunes pionniers tels que Ken Vandermark, un saxophoniste fréjaz d'avant-garde, surtout connu pour son travail avec des contemporains tels que les saxophonistes Mats Gustafsson, Evan Parker et Peter Brotzmann. Les pianistes Jackie Terrasson, Benny Green et Braid Meldoa, les saxophonistes Joshua Redman et David Sanchez et les batteurs Jeff Watts et Billy Stewart sont d'autres jeunes musiciens plus traditionnels qui continuent de trouver leur propre identité.
La vieille tradition du son est rapidement poursuivie par des artistes comme le trompettiste Winton Marsalis, qui travaille avec toute une équipe d'assistants, tant dans ses propres petits groupes que dans le Lincoln Center Jazz Orchestra, qu'il dirige. Sous ses auspices, les pianistes Marcus Roberts et Eric Reed, le saxophoniste Wes "Warmdaddy" Anderson, le trompettiste Marcus Printup et le vibraphoniste Stephen Harris ont grandi pour devenir de grands musiciens. Le bassiste Dave Holland est également un grand découvreur de jeunes talents. Parmi ses nombreuses découvertes figurent des artistes tels que le saxophoniste / M-bassiste Steve Coleman, le saxophoniste Steve Wilson, le vibraphoniste Steve Nelson et le batteur Billy Kilson. Parmi les autres grands mentors pour les jeunes talents, citons le pianiste Chick Corea, le batteur maintenant décédé Alvin Jones et la chanteuse Betty Carter. Les opportunités potentielles pour le développement futur du jazz sont actuellement assez grandes, car les manières de développer les talents et les moyens de les exprimer sont imprévisibles, se multipliant par l'unification des efforts des différents genres de jazz encouragés aujourd'hui.
Le jazz est apparu au début du XXe siècle, lorsque des musiciens noirs de la Nouvelle-Orléans (USA) ont commencé à essayer de jouer des instruments de musique européens. Tout d'abord, il s'agissait d'instruments à vent, puis de piano et de guitare. De nouveaux rythmes, des harmonies fraîches et des sons inattendus d'instruments traditionnels ont suscité beaucoup d'intérêt du public et ont rendu le jazz très populaire en Amérique et en Europe des années.
La principale caractéristique du jazz est l'improvisation. Pendant les performances, tous les musiciens de l'ensemble de jazz (cet ensemble s'appelle le jazz band) se relaient en solo, interprétant de nouvelles mélodies inventées par eux. Pendant le solo, la tâche du reste des membres de l'ensemble est de jouer et d'écouter attentivement le soliste. C'est précisément à cause des improvisations que les mêmes chansons interprétées par différents jazzmen sont perçues si différemment
Louis Armstrong Avant lui, le jazz n'était que de la musique folklorique noire exécutée sous forme orchestrale. Le virtuose jouant de la trompette, la manière légère et un peu clownesque de communiquer avec le public, la voix rauque mais étonnamment agréable a tourné toutes les idées de jazz qui existaient avant lui. Louis Armstrong
Ella Fitzgerald est une grande chanteuse de jazz. Pendant ses années d'école, Ella a volontiers chanté, mais a néanmoins préféré danser. Cependant, lorsqu'elle est venue à un concours de talents locaux en tant que ballerine, elle a choisi de chanter à la dernière minute. Un succès inattendu l'a incitée à participer à d'autres compétitions, où elle a souvent gagné. Ella Fitzgerald
Le musicien et compositeur de jazz américain Glenn Miller () Pendant ses études universitaires, le jeune musicien a joué plus de trombone qu'il n'en a étudié; il décida bientôt de se consacrer entièrement à la musique. Plus il jouait, plus sa popularité devenait. Il a commencé à être invité dans de célèbres ensembles de jazz. Et en 1938, Miller créa son propre orchestre, qui devint plus tard célèbre dans le monde entier. Glenn Miller
