Mensaje de estilo arquitectónico barroco. Estilo arquitectónico: barroco
Barroco en pintura
Articulo principal: Barroco en pintura
Caravaggio. La vocación del apóstol Mateo.
El estilo barroco en la pintura se caracteriza por el dinamismo de las composiciones, el "plano" y las formas de pompa, aristocráticas y la inquietuficitud de las parcelas. Las características más características del flemedal y dinamismo barroco - pegadizo; Un ejemplo vívido es el trabajo de Rubens y Caravaggio.
Michelangelo Merisi (1571-1610), que, en el lugar de nacimiento cerca de Milán, llamado Caravaggio, considera al maestro más importante entre los artistas italianos que se crearon a finales del siglo XVI. Nuevo estilo en la pintura. Sus pinturas escritas en historias religiosas se asemejan a escenas realistas con un autor de vida moderno, creando contraste de los tiempos de la antigüedad tardía y el tiempo nuevo. Los héroes se representan en un crepúsculo, de donde los rayos de la luz arrebatan los gestos expresivos de los personajes, que contrastan su caracteridad. Los seguidores y los retratos de Caravaggio, que inicialmente se llamaron Karavagisti, y la caravagismo en sí, como Annibal Carrachci (1560-1609) o Guido Reni (1575-1642), adoptó la oxidación de los sentimientos y la característica de la manera de Karavaggio, como así como su naturalismo en la imagen y los eventos de las personas.
Peter Paul Rubens (1577-1640) a principios del siglo XVII. Estudió en Italia, donde aprendió a Manneru Caravaggio y Carrageach, aunque llegó allí solo al final del curso de estudio en Amberes. Felizmente combinó las mejores características de las escuelas de la pintura del norte y el sur, fusionando la realidad natural y sobrenatural, de la realidad y la fantasía, la beca y la espiritualidad en sus lienzos. Además de los rubens de reconocimiento internacional, otro maestro del barroco flamenco, Van Deken (1599-1641) logró. Con el trabajo de Rubens, un nuevo estilo vino a Holanda, donde Francia Hals (1580 / 85-1666), Rembrandt (1606-1669) y Vermeer (1632-1675). En España, en la forma de Caravaggio, se creó Diego Velásquez (1599-1660), y en Francia - Nikola Poussin (1593-1665), quien, no satisfecha con la escuela barroca, puesta en su trabajo los fundamentos del nuevo flujo. - Clasicismo.
Articulo principal: Arquitectura barroca
Iglesia de Carlo Mayern de Santa Susanna, Roma
Iglesia de las almas en Purgatorio en la ciudad de Ragusa, Muestra de Siciliano Barroco
Castillo de Milotice, República Checa
Para la arquitectura barroca (L. Bernini, F. Borrombini en Italia, B. F. Rastrelli en Rusia, Jan Christoph Glaubitz en el discurso de la Commonwealth) se caracterizan por alcance espacial, mucificio, fluidez de formas complejas, generalmente curvilíneas. A menudo, se despliegan columnatas a gran escala, abundancia de esculturas en las fachadas y en los interiores, voliciones, una gran cantidad de fachadas de bajo resbalón, amplias fachadas con un pelotón en las columnas intermedias y de las pilastras. La cúpula adquiere formas complejas, a menudo son múltiples, como la catedral de San Pedro en Roma. Detalles característicos de BAROQUE - TEWAMON (ATLANT), Caryatida, Maskaron.
En la arquitectura italiana, el representante más destacado del arte barroco fue Carlo Mayern (1556-1629), que se rompió con el manierismo y creó su propio estilo. Su principal creación es la fachada de la Iglesia Romana de Santa Susanna (1603). La figura principal en el desarrollo de una escultura barroca fue Lorenzo Bernini, cuyas primeras obras maestras realizadas en el nuevo estilo pertenecen a aproximadamente 1620 Bernini, también un arquitecto. Pertenece al diseño de la Plaza de la Catedral de San Pedro en Roma y los interiores, así como otros edificios. D. Fontana, R. R. Rodan, R. R. R. Rodal, Gvarini, B. Longen, L. Vavitelley, P. Sí Corton. En Sicilia después de un gran terremoto de 1693, apareció un nuevo estilo de barroco tardío. barroco siciliano.
La quincología, una impresionante fusión de pintura, esculturas y arquitectura, se considera que Korranao Capella en la Iglesia de Santa Maria della-Vittoria (1645-1652).
El estilo barroco se extiende en España, Alemania, Bélgica (luego Flandes), Países Bajos, Rusia, Francia, Commonwealth. El barroco español, o la churrobra local (en honor del arquitecto Churgeriera), también se extendió en América Latina. El monumento más popular a su catedral en Santiago de Compostela también es uno de los más venerados por los creyentes de los templos de España. En América Latina, el barroco se mezcló con tradiciones arquitectónicas locales, es la versión más sofisticada, y la llamó Ultrabarakko.
En Francia, el estilo barroco es más modesto que en otros países. Anteriormente se creía que aquí no recibí el estilo en absoluto, y los monumentos barrocos fueron considerados monumentos de clasicismo. A veces usan el término "clasicismo barroco" en relación con las variantes francesas e ingleses de barroco. Ahora, el Palacio de Versalles junto con un parque regular, el Palacio de Luxemburgo, el edificio de la Academia Francesa en París, y otros, se cuentan para el barroco francés. Realmente tienen algunas características de clasicismo. La característica característica del estilo barroco es un estilo regular en el arte del parque de jardín, el ejemplo de el cual es el parque Versalles.
Más tarde, a principios del siglo XVIII. Los franceses han desarrollado su propio estilo, la variedad de barroco - rococo. Se manifestó no en el diseño externo de edificios, sino solo en los interiores, así como en el diseño de libros, en ropa, muebles, pintura. El estilo se distribuyó en todas partes en Europa y en Rusia.
En Bélgica, un destacado monumento barroco es el grupo Grand Place en Bruselas. Las características barrocas tienen una casa de Rubens en Amberes, construida sobre el propio proyecto del artista.
En Rusia, el barroco aparece en el siglo XVII ("Naryshkin Baroque", "Golitsyn Baroque"). En el siglo XVIII, Peter I recibe el desarrollo en San Petersburgo y los suburbios en las obras de D. Trezini, el llamado "Barroco Petrovskoy" (más restringido), y llega a un relleno en la junta de Elizabeth Petrovna Creativity SI Chevakinsky y B. Rastrelli.
En Alemania, un nuevo palacio en San Sousi es un monumento excepcional en Alemania (autores - I. G. Quema, H. L. Mantador) y el palacio de verano allí (G. von Knobelsdorf).
Los conjuntos barrocos más grandes y famosos del mundo: Versalles (Francia), Peterhof (Rusia), Aranjuez (España), Zwinger (Alemania), Schönbrunn (Austria).
En el Gran Ducher de Lituano, los estilos de Sarmatian Baroque y Vilen Baroque, el mayor representante, se obtuvieron Jan Christoph Glaubitz. Entre sus famosos proyectos, la Iglesia reconstituida de la Ascensión del Señor (Vilnius), Catedral de sophia (Polotsk) y otros.
Barroco como una de las direcciones de estilo principal en el arte de Europa en medio del siglo XVII a mediados del XVIII. Con su ideología, principios, métodos y sistema de signos formales, fue originalmente en Italia, en los círculos artísticos de Roma y Bolonia al final del siglo XVI XVI a principios del XVII. Formación estilo barroco (de ital. Barocco - extraño, pintoresco) se asocia con la crisis de los ideales del arte del renacimiento italiano a mediados del siglo XVI. Este es el momento de los grandes descubrimientos en disciplinas de ciencias naturales, la geografía, la filosofía y otros. Representaciones de la antigüedad humana sobre la estabilidad, la claridad y la armonía del mundo, sobre un espacio y tiempo limitado, a él acorde, lo que en muchos sentidos más tarde se convirtió en El ideal de avivamiento, fueron sacudidos por nuevos conocimientos. Al mismo tiempo, el Renacimiento con su gran arte no pudo haber terminado claramente en una cierta etapa, sin afectar el arte y las estilísticas del mundo objetivo del nuevo tiempo.
Es aquí donde debes buscar la esencia de todas las contradicciones del arte barroco. Reflejando el mundo moderno y diverso, aparece de una armonía clara y clara del arte de la era anterior, dando paso a una nueva comprensión de la belleza. Este arte es a finales del siglo XVI. Busca abandonar los estrictos fronteras de un espacio organizado, pero limitado de la característica del arte del avivamiento. Parece demostrar emociones humanas, complejidad, multi-elemento y exuberante decoratividad del entorno espacial circundante.
Para barroco, contraste, tensión, dinamismo de formas complejas, generalmente curvilíneas, conjunto, deseo de grandeza y pompa, para combinar la realidad y la ilusión, a la fusión de las artes: arquitectura, pintura, esculturas, artes decorativas y aplicadas.
Fachadas de edificios barrocos
Fachada occidental de la basílica (construida en 1569-1679) Santa María Deli Angeli. 1562 Roma, Italia - Santa Maria degli Angeli e Dei Martiri ( italiano.)
Fachada barroca de la iglesia (construida en 1600) Santa Maria del Popolo. 1472-1477 Roma, Italia - Basílica di Santa Maria del Popolo
Catedral de Berlín. 1894-1905 Berlín, Alemania - Catedral de Berlín (Berliner Dom - nEM..)
Palazzo Carignano (colocó el Museo Nacional del Renacimiento Italiano). 1679 Turín, Italia - Palazzo Carignano (Museo Nazionale del Risorgimento Italiano)
Palacio Real en Madrid. 1738-1764 España - Palacio Real de Madrid ( arriba.)
Palacio de Mafra. 1717-1730 Lisboa, Portugal - Palácio Nacional de Mafra ( puerto.)
Iglesia de los santos Peter y Pablo. 1597-1619. Krakow, Polonia - Iglesia de los Santos Peter y Paul (Kościół śś Piotra I Pawła W Cracowie)
Iglesia del signo de la Santísima Virgen. 1690-1699. Podolsk (Dubrovitsy), Rusia
Iglesia de Santa Susanna (St. Susanne). 1585-1603 Roma, Italia - Chiesa di Santa Susanna Alle Terme di Diocleziano ( italiano.)
Catedral de Petropavlovsky (Catedral en nombre de los apóstoles de barrera Peter y Pablo). 1712-1733 San Petersburgo, Rusia (Barroco ruso: Petrovskoe BAROQUE)
Fuente de la Iglesia de San Carlo Alla Quatro (Iglesia de San Carla en cuatro fuentes). 1638-1677 Roma, Italia - San Carlo Alle Quattro Fontane
Catedral de Petropavlovsky. 1723-1726 Kazan, Rusia (Barroco ruso: Moscú Baroque o NaryshSky Style)
Catedral de los santos Peter y Pablo. 1894-1904 Peterhof, Rusia
Fachada barroca (1750), catedral de San Jacob. 1075-1211. Santiago de Compos, España - Catedral de Santiago de Compostela
Interiores barrocos
Santa Maria Della Salute Cathedral. 1630-1681 Venecia, Italia - Basílica di Santa Maria Della Salute
Interior de la Iglesia de San Carlo Alla Quatro Fontan. Roma, Italia - San Carlo Alle Quattro Fontane
Altar iglesia de nuestra señora misericordia. 1765-1775 Barcelona, \u200b\u200bEspaña - Basílica de Nuestra Señora de la Misericordia (Basílica de Nuestra Señora de la Mercedra arriba.)
Altar de la catedral de Evore. 1718-1746 EVORA, PORTUGAL - CATEDRAL DE EVORA (SÉ DE ÉVORA - puerto.)
Catedral de San Pedro, Central Neg. Vaticano - Basílica di San Pietro
Escalera en el Palacio del Vaticano (también llamado. DV apostólico o PAPAL DV.). Roma, Italia - Palazzo Apostolicó
Galería Farnese, Palazzo Farneza. 1597-1604 Roma, Italia - Palazzo Farnese
Interior barroco de la catedral de Berlín. Berlín, Alemania - Berliner Dom
Un medio compuesto muy expresivo de barroco es una escala de hombre dispropionante excesivamente agrandada, desproporcionada y la imagen en sí, y sus elementos principales. Los tamaños gigantescos de los portales de las iglesias romanas, las puertas y las ventanas son claramente a gran escala, no proporcional a una persona. Tal vez, por lo tanto, en este estilo hubo tanta irracionalidad e incluso fantástica en la imagen de la instalación.
Conflicto interno, voltaje de este estilo, que se manifestó incl. Y en arquitectura, consistió en la colisión de las propiedades físicas reales del material inerte, su gravedad, por ejemplo, y el deseo de llevarlo a un estado inquieto, el movimiento visual.
En este sentido, Barroco es un gótico genuino con su inconsistencia de la forma material y una imagen visual con un tipo de desmaterialización de la forma.
Además, la contradicción interna de este estilo a menudo se manifestó en la naturaleza increíble y repulsiva de los detalles, por un lado, y la atmósfera mística general del trabajo artístico, por el otro.
Aquí es donde hay algo de controsión, imagen artística antinatural, teatralidad e incluso el estilo barroco ornamental.
Estilo barroco Desarrollé mi ornamental especial, que fue muy ampliamente utilizado en la arquitectura para la decoración, en primer lugar, las fachadas y la decoración de los interiores, y en las artes decorativas y aplicadas, y en la decoración de muebles. El deseo de pompa, la grandeza crea composiciones dinámicas nuevas y muy inesperadas, cuyos elementos se toman originalmente prestados en los arsenales del Renacimiento. Frontones desgarrados, Cornices Lanzadas, Platbands, Decoradas con voliciones, racimos de columnas, incl. Columnas en forma de espiral, soportes, abundancia de renacimiento prestados y cáscaras recicladas plásticas.
Cartouche cartouche (de FR. cartouche - desplazamiento): en forma de escudos o hojas de pergamino con bordes envueltos, se convierten gradualmente en un rodillo (de él. Rolle - integridad y WERK - trabajo, negocio) en forma de un semi-alimentado Rollo de papel con bordes afaluados, Mascar, motivos Doble rizo, guirnaldas, hojas acacánicas (más activamente, comenzando con el siglo XVII), Jonian Kimatiy y otros elementos decorativos. Famoso en el período romántico y ampliamente utilizado por el motivo de la cinta que teje los conversos barrocos en Bandelverka (de él. Banda - cinta, tránsito y werk - trabajo, negocio). Los motivos de la historieta barroca y el fregadero se transforman en fantásticos moldes del hocico, o knorpel (de él. Knorpel - cartílago y werk - trabajo, negocios), y ormushl (de él. Ohrmuschel es un fregadero de oreja). Estos dos elementos decorativos fueron especialmente característicos del barroco flamenco.
Los interiores barrocos son especialmente decorados de lujo. La pintura, la decoración de mármol y madera dorada, escultura, pinturas escénicas, etc. se utilizan activamente, la escultura, pinturas pintorescas, etc. Especialmente buenas placas pintorescas, aumentando visualmente el espacio interno de las instalaciones. EN epoch Barochko La función de crear un interior como un entero compuesto y estilísticamente organizado es verdaderamente nacido. El interior y sus elementos, como síntesis real del arte, comenzaron a desempeñar un papel muy importante, lo que indica el estatus social y la situación financiera de su propietario. Crea conjuntos de decoración interior. Además, la riqueza de la decoración es igualmente secular, y a los edificios de la iglesia.
Todos los artículos aquí están equipados y consistentes entre sí: paredes y techos pintados, decorados a la misma estuco, formas y tamaños de marcos de madera o parches de espejos, paneles de pared de madera, pintados, pintados o dorados de pared de madera, consolas talladas con consolas. Encimeras de mármol de mosaico, Kandelabra de bronce y candelabros de cristal, sillas de lujo, mesas de esquina, pedestales para esculturas, gabinetes, decoradas con incrustaciones, cargadoras superiores, etc.
Cabe destacar que los palacios en Italia de este período fueron considerados no solo como locales residenciales privados, sino que, en primer lugar, como plataformas escénicas peculiares para actos sociales solemnes: recepciones oficiales, peras, bolas, etc.
La pintura de color y efectos ligeros en el interior fue proporcionada por la complejidad e incluso la fantasía de su estructura espacial, una abundancia de mármol tallado en color, estuco, un árbol de abrigo de galón tallado, bronce, cristal, escultura y pintura. Los interiores abrumaron la escultura, pero no iba a ser cifras de pie, sino de grandes grupos, donde el espectador a veces era difícil resaltar un carácter separado, porque cada cifra no era interesante en sí misma, sino como un elemento integral de la totalidad. . Tales esculturas, hechas en ángulos inusualmente complejos e instalados en exceso en los interiores y el exterior de los edificios, son una de las características características del estilo barroco. Como resultado, la impresión general de tensiones emocionales, pompa, dinamismo y movimientos masivos, la ilusión de la expansión del espacio, su infinito.
Muebles barrocos italianos (siglo XVII)
Primero deberías dar breve descripción Los estados y tendencias del desarrollo de la arquitectura italiana y el arte de crear interiores de esa época.
Los edificios de estilo barroco italiano más característicos fueron creados por los arquitectos más grandes del siglo XVII: L. Bernini, F. Borrombini, G. Guvarini, K. Rainaldi, B. a largo plazo, y otros. El primer arquitecto que se movió para resolver el gran Las tareas arquitectónicas de la nueva era de estilo, fue K. Maderna. En su iglesia romana de Santa Susanna, se finaliza el tipo de la Iglesia Católica del siglo XVII, cuya fachada es el sistema de decoración decorativa de la Iglesia IL Jesu Architect D. Della Port. Pero el trabajo principal de Maderna fue la finalización de la Catedral de San Pedro en Roma. El fundador del estilo de Barochko es el arquitecto, el escultor y el pintor Michelangelo Buonarot.
El estilo del barroco italiano desarrollado, en primer lugar, en Roma, de donde penetró en otras ciudades de Italia, donde tomó varias formas en los patios de un Physici o Farline. Esta era de la construcción se mantuvo e incluso aumentó los elementos del desfile, el entretenimiento, la exuberante decoratividad. El barroco en la arquitectura es construcciones espaciales complejas y contornos curvilíneos de los planes, volúmenes sobresalientes y profundamente agudos, contrastes de planos y alivio, pesados \u200b\u200by ligeros, gimpos de iluminación, aplicación frecuente de la forma de frontones óvulos, rasgadas, decorada con cartuchos, Enormes e aleros doblados o bombardeados, columnas retorcidas, así como columnas emparejadas y pilastras. Esto logró la dinámica de las formas de los elementos, su como si el crecimiento es gratuito con el cálculo de los efectos obtenidos de la iluminación, reforzando visualmente las esculturas de las fachadas.
En este sentido, un ejemplo es una amplia distribución de voliciones verdaderamente basadas en barroco, igualmente dinámicas en todas las direcciones, inventó en bruvenles para la decoración de la cúpula de la catedral florentina.
En este momento, los principios y técnicas de construcciones de conjunto realmente se desarrollan. Por ejemplo, el conjunto de la colina del Capitolio en Roma (1546) unió a varios edificios del palacio alrededor del área trapezoidal en términos de la plaza con una escalera de desfile que lo lleva. El principio del conjunto se colocó en la planificación de la Plaza Oval del Popolo (1662) en la entrada de Roma, con tres calles divergentes de ella, la plaza frente a la catedral de San Pedro en Roma, la plaza del consentimiento. y Versalles en París, que, a pesar de todas sus diferencias son generaciones. era barroca.
Fachada de la Iglesia Ile Jesu. 1573-1584 D. Della Puerto. Roma, Italia
El flujo más radical del barroco romano es el estilo del jesuitismo, que se manifiestó más brillantemente en la Iglesia de la Orden del Jesuit IL Jesu (su construcción 1573-1584. Se refiere al momento de la época del barroco). Ile Jesu tiene todos los signos de edificios barrocos. Su fachada se ve muy dinámica, tiene un fuerte contraste de formas sobresalientes y de retiro, está decorada con voliciones que conectan el nivel superior con la parte inferior, tiene un frontón liberado. La impresión de tal flujo de formas, su ondulado solo se mejora, si percibe visualmente una fachada de este tipo en una ayuda. En la era de un barroco maduro, tales dinámicas de curvas, que fluyen de una a otra, la intersección de formas de piedra obtienen la distribución más y generalizada en las iglesias y los edificios seculares.
Michelangelo en su proyecto de la Catedral de San Pedro (1546) subyugó a todo el volumen del edificio por la cúpula central y ya solicitó la dinámica a toda la construcción. Y el Artista D. Della Puerto (en 1588-1590) en comparación con esta idea del proyecto, Miguel Ángel fortaleció la dinámica, haciendo que la cúpula no sea hemisférica, pero parabólica alargada. La nueva silueta de la cúpula destacó el movimiento general de la forma del edificio.
La teatralidad anterior, algo de antinatural e incluso la irracionalidad de la arquitectura barroca se manifestó, por ejemplo, en el vestíbulo de la biblioteca de San Lorenzo. Con vistas a los cánones clásicos de la arquitectura, Michelangelo diseñó las columnas duales que, por alguna razón, no tienen capitales, y se paran en las paredes de profundización y no admiten nada. Las consolas instaladas debajo de ellas tienen funciones obviamente decorativas. Las paredes se diseccionan con las ventanas imaginarias. Las escaleras del vestíbulo en los lados no tienen un riel. Las barandillas, que se hacen en el medio, debido a su altura baja, son claramente llevadas solo por una carga decorativa. Los pasos extremos se redondean con voliciones en rizos en las esquinas. Por sí mismo, la escalera llena casi todo el espacio libre del lobby, que es claramente irracional.
Para barroco, el deseo de lograr los efectos de la ilusión óptica. Por ejemplo, L. Bernini diseñó la escalera en el Palacio del Vaticano que parece mucho más tiempo de lo que realmente es, porque se estrecha, el arco se vuelve inferior, las columnas son más pequeñas en tamaño y las brechas entre ellas se reducen. Por lo tanto, gracias a la falsa perspectiva, la figura del Papa, cuando apareció en la plataforma superior de las escaleras, fue percibida de un gran, significativo y majestuoso.
La iglesia de San Carlo Architect Boryini es un excelente modelo del original en la forma y decoración de un edificio de estilo barroco. Su fachada parece un shirma peculiar en frente del edificio, que en el plan tiene una forma de diamante con lados cóncavos. Los arquitectos barrocos intentaron no hacer rincones rectos, en todas las formas torcidas y cortadas en los ángulos de los edificios, por lo que la iglesia de San Carlo también cortó las esquinas, y cuatro grupos escultóricos con fuentes se encuentran cerca de ellos.
Ya en el siglo XVI. Hay técnicas para crear un interior barroco italiano. Las paredes y los techos de las instalaciones están decoradas con frescos, y los patrones insertados en las paredes están enmarcados por marcos de madera de oro tallados o un adorno de estuco de alto relieve.
Creación de uno de los primeros interiores barrocos (Galería Farnese, 1597-1604) A. Karracchi, quien comenzó sus actividades con un decorador de algunos palacios en Bolonia, puede considerarse el nacimiento del verdadero estilo barroco.
En Bolonia, por primera vez comenzó a usar los motivos de la llamada arquitectura ilusionista-cuadratura (de Lat. Quadratura) en la pintura. Tales pinturas se convirtieron en una de las formas más populares de decorar aviones de pared y techo.
En 1693, el artista A. Pozzo, el autor de muchos frescos magníficos en la plaza de la plaza, preparó todo un tratado en la técnica de tal pintura: Perspectiva Pictorum et arquitectorio (Perspectiva pintoresca y arquitectónica). En él, por ejemplo, explicó cómo vincular un punto de vista de perspectiva con los límites de los frescos o técnicas descritas, facilitando la creación de enormes frescos. Esta guía tuvo una gran influencia en los arquitectos y artistas de su tiempo, que en los interiores barrocos creados estaban tratando de proporcionar partidos gráficos y de color entre las placas de mármol o los tejidos, que estaban separados por las paredes de las instalaciones, los frescos, la escultura y otros Elementos de la decoración.
Con el nombre L. Bernini, el uso activo de mármol de color para el revestimiento de pared en combinación con metal, Pokko o frescos está conectado. Aplicó tal acabado, por regla general, para decorar interiores de la iglesia. Por ejemplo, en la famosa capilla de CORNARO en la iglesia de Santa Maria della Vittoria en Roma, donde su composición es establecida por Ecstasy SV. Teresa (1644-1652), o en la Iglesia de Sant Andrea al Qvirinale (1658-1670).
El uso de mármol de color debido a sus precios relativamente altos lo hizo en Italia asequible solo para personas muy ricas. Por lo tanto, la decoración de placas de mármol de interiores residenciales, con la excepción de los pisos, es extremadamente raro en Italia. En la mayoría de los casos, se acostumbró a la perfección en los siglos XVII-XVIII, la técnica Finto Marmo, es decir, Pintado bajo el árbol de mármol. Típicamente, los paneles de pared de madera estaban decorados bajo mármol. Esta recepción se extendió entonces, literalmente, en todos los países europeos.
Las chimeneas y su decoración decorativa en el barroco italiano comenzaron a desempeñar un papel notablemente más pequeño en el interior de la habitación en comparación con las chimeneas del Renacimiento. Por ejemplo, en el lujoso interior de un gran salón en Palazzo Barberini, las chimeneas no son elementos activos y tienen una decoración muy modesta, y muchos otros interiores del palacio no tienen chimeneas en absoluto.
A lo largo del siglo XVII. Los italianos siguen liderando el arte de Stukko. Sobre la base de las tradiciones y la habilidad de la era anterior, especialmente el período de manierismo, los artistas en Stukko continuaron y desarrollaron los principios de una decoración de estuco ricamente desarrollada. La pintura o los frescos en la mayoría de los casos se enmarcaron con una decoración de pared blanca o chapada en oro. Un ejemplo es un alivio de pared en la cabina de Koravzieri en el Palacio Romano Quiri-Nalis (1605-1621) y en el Salón Palazzo Riccardi en Florencia.
Excelentes muestras de estuco de la segunda mitad del siglo XVII. A. Haffner se realizó para la inversión de Sala dei en el Palazzo Genoese Albricksi en Venecia.
Otro tipo de arte de decoración. interior de la era barroca., borrando la cara entre la arquitectura, la escultura y la pintura, fue una pintura flotante ilusoria decorativa. Era famoso por los artistas P. Sí Cortona y A. Pozzo. Por ejemplo, la pintura de la cúpula en Palazzo Barberini (1625-1663), que se completó por P. sí Corton aproximadamente en 1639.
La tarea principal de tal pintura es crear un espacio irrereal en el que se pierden las representaciones habituales de tamaños reales, volumen, forma, color, luz y otras características y propiedades de la sala creada. El techo, como el elemento final del interior barroco, se está convirtiendo en una ilusoria, dejando el espacio interminable del cielo con nubes voladoras y figuras de personas. Es característico que muchas pinturas flotantes en los interiores de barroco imitan no solo el cielo del cielo, sino también la cúpula con su aspiración. Estas pinturas prometedoras no se expresan mejor el ideal estético del arte del barroco, el infinito del espacio, el movimiento de masas, la luz y los colores.
Una muestra de la decoración interior decorativa del primer barroco en Italia, como se señaló anteriormente, esta es una galería Farnes en Roma, y \u200b\u200bmás tarde los interiores de los palacios Pitti en Florencia y Barini en Roma. Aquí, todo está subordinado a una idea común del movimiento de masas y espacio. De acuerdo con la decoración de las paredes, los techos y otros elementos del interior, los muebles se crean y se decoran muebles: mesas de consola, sillas, sillas, taburetes, gabinetes, gabinetes, escritorios de oficina, etc. Los muebles barrocos se distinguen por la consolidación de la Proporciones, el somnoliento de sus formas, una decoración dorada de pompas. Los muebles para asientos se hacen más cómodos y combinan ropa portátil. Las heces suaves, sillas y sillones son ampliamente utilizados, y luego sofás. Las espaldas se realizan con un volcado, aparecen más cómodos codos. Cofres (Lari) y suministros salen. Son reemplazados por armarios, gabinetes y oficinas.
Tabla de nuez, inlay Eben y marfil. Francia
Para los gabinetes se caracterizan por siluetas sólidas, curvilineridad de los contornos en el plan, la presencia de aleros curvos con una decoración escultural compleja, exuberantes ornamentales en línea o frontones discontinuos, marcos tallados de puertas y piernas. Filönics of the Gabinetes y las puertas de oficina a menudo se decoran con inserciones de mosaico de piedra coloreado (ágata, ónix, lapis-lazuries, etc.), vitrales pulidos o mosaico de madera coloreado, marquetería, en la técnica de los cuales se establecen las escenas enteras.
En Florencia y Bolonia estilo barroco En la fabricación de muebles, penetró relativamente tarde, a partir de la segunda mitad del siglo XVII, y al principio ella difería en forma y decorada a partir de los muebles de renacimiento tardío. Sin embargo, un nuevo tiempo ya está adivinado en las caras muestras de muebles.
Un objeto de muebles característicos: un elemento indispensable de la situación frontal de los palacios: los gabinetes se convirtieron en los gabinetes que estaban bien decorados. Dichas cabañas fueron altamente valoradas, a menudo se envían entre sí como un regalo valioso. La pasión por los gabinetes era tan grande que comenzaron a ser fabricados en muchos países europeos, por lo que su forma y decoración comenzaron a usar una impresión nacional pronunciada.
En el siglo XVII. Se hacen cabañas grandes con prostituras, que se han convertido en la parte necesaria de la decoración de los palacios. Amueblado por varios objetos de estos objetos, la habitación se llamaba el gabinete. Con esta palabra, los franceses a veces indican una pequeña habitación. Los gabinetes tenían un gran número de Cajas que sirvieron también para almacenar artículos pequeños, dinero, documentos, otros valores.
No solo los gabinetes de piso recibieron amplias cajas, sino también en miniatura, en miniatura, iguales. Fueron separados por la piel en relieve y dorada, la masilla de estuco.
Las oficinas de la oficina florentina con sus formas complejas y exquisitas ocupan un lugar especial. A menudo se hicieron de ébano, sus fililens fueron decorados con un mosaico florentino de mármol de color y vidrio, heridos por marfil, suegra, aquiete. Los adornos superiores, medallones, bustos, estatuillas hechas de bronce doradas y de lectura también se utilizaron como decoraciones. Tales oficinas se hicieron en las patas altas unidas en la parte inferior de los suministros tallados. Las superficies delanteras de las cajas de los gabinetes tenían un conjunto de piedras de colores dibujando aves, frutas, flores. Cuando se representaban varias frutas, el mosaico a veces estaba en relieve. Los gabinetes de Milán hechos de madera negra en los Podstols de pie sobre las piernas precisas también fueron famosas. La primera línea de tales cabinas fue procesada por tracción arquitectónica, cornisas, terrenos, semi-coroneles torcidos, etc. Las superficies estaban decoradas con mosaico de marfil. Los gabinetes se completaron en forma de parapeto, cubierto con una balaustrada. A su vez, esta balaustrada estaba decorada con estatuillas hechas de hueso.
La solución de plástico para las formas de muebles para asientos fue complicada. Los muebles tapizados (taburetes, sillas y sillones) son masivos, decorados con tallas, a menudo con doradas, y un terciopelo oscuro con un gran patrones o relleno, un paño con hilos de oro o plata tejidos. Las sillas tienen patas o patas verticales o curvas de una forma en forma de piramido con una expansión similar a una jarra en la parte superior, tirada en la parte inferior de la cruz suministrada o curvada con un jarrón tallado en el medio. Las espaldas tienen una parte superior semicircular, a menudo se hacen sordo, alto o con un pequeño puente entre los bastidores. De manera similar, se realizan heces y taburetes, que también son groseros por terciopelo dividido. Tienen cuatro patas furiosas diagonales que terminan en rizos de fondo y sujetados con propiedades galopadas talladas.
En este momento, aparecen pequeñas tablas de forma rectangular, que están fijadas por la pared o en la pared debajo del espejo-temblor. Estos eran objetos de muebles decorativos, que generalmente se instalaron, los artículos hermosos: jarrones, horas, figurillas, etc. En tales tablas, los subestúsculos y las piernas están decorados con especialmente abundantemente. Las joyas talladas masivas, que son de oro y, a menudo, se muestrean en forma de Nayad, Putti (Cupido), negros, águilas, leones, grifos, conchas, cintas, rizos de la acanta, etc. Las tablas funcionales se hacen con ronda, Forma de seis o octagonales. Los bordes de la mesa son procesados \u200b\u200bpor un adorno tallado. Las piernas utilizadas en la era del estilo anterior en forma de soportes masivos se reemplazan con un tuerto en forma de un jarrón, al que se adjuntan los soportes que terminó en la parte inferior de las patas de animales. Todo este subterráneo se encuentra en una base masiva, también completamente cubierta con tallas.
Los cambios principales ocurren en el diseño de la cama. Restos de Baldahin, pero que soporta sus altas columnas desaparecen, es decir, Ahora es voladizo para la pared. El papel de la cama como uno de los elementos activos del interior aumenta considerablemente.
EN epoch Barochko Los muebles están hechos de nuez, más adecuados para hilo y pulido. La tuerca se vuelve tan popular que en Inglaterra esta vez recibe el nombre del período de nogal. Los muebles adquieren gradualmente los contornos curvilíneos cada vez más complejos, y los forros de bronce comienzan a usar en lugar de hilo. Si el mueble está hecho de roble, es ventilador por una chapa de tuerca. Al procesar superficies curvilíneas, es necesario aplicar la técnica de un conjunto manual de pequeñas piezas de chapa. Así que aparece, además de Italia, en Flandes y Holanda, y luego en Alemania y Francia, un nuevo tipo de decoración, un mosaico de madera: comercializador (Franz. Marqueterie - forjado por signos).
En Roma, Florencia y varias de otras ciudades de Italia, se fundaron fábricas de calor, para las cuales los tapices flamencos servidos con muestras de productos. Ya en la primera mitad del siglo XVIII. La moda en sus productos llegó a Nápoles y Turín. Venecia y Génova fueron famosos por la producción de telas de lana de alta calidad, y el terciopelo genovés estaba en demanda en muchos países europeos. Todas estas telas también se utilizaron para tapicería de muebles tapizados.
Muebles de renacimiento holandés y flamenco y barroco (siglos XVI-XVII)
En el siglo XVI. En los Países Bajos hay un cambio de orientación al estilo en la fabricación de muebles. Desde la ornamentación prestada desde el renacimiento temprano italiano, los fabricantes de muebles comienzan a usar (al final de la primera mitad del siglo XVI) adorno grotesco del alto renacimiento. En la ornamentación y la decoración general de muchas instalaciones de muebles, se proporcionaron grabados de W. Floris, Cook Van Els y otros artistas. Influyó significativamente las estilísticas de los proyectos de decoración de muebles del artista de Harm-Mana de Brica, quien lanzó una colección de sus desarrollos en ese momento (Diferentes PourTraics de Menucerie). Es sobre estos proyectos que los especialistas holandeses se mudaron del diseño gótico de muebles a sus muestras con plantillas arquitectónicas: bases, columnas, consolas, pilastras, aleros, etc. El estilo de Vre-Deman de Brize se manifestó más claramente en los muebles. Amberes. Aquí, los gabinetes y el suministro están hechos con dos o cuatro puertas, con filetes en forma de diamante, que son miembros con pilasters, columnas retorcidas, consolas, e incluso, en algunas muestras, Herma, tienen una base alta, aleros perfiles y de gran base y un Muchos revestimientos decorativos en forma de piramido en piezas que sobresalen. Estos gabinetes se encuentran en las piernas esféricas. En este momento, las sillas y los sillones fueron los más comunes, también emitidos originalmente en Amberes. Los marcos de tales asientos se recolectan de una redonda torcida precisa en la sección transversal de varillas cuya conectividad es una barra rectangular con bevered. La parte superior de la parte posterior se está ejecutando directamente o tiene un borde ligeramente redondeado. Sillones de la Bending Elbades, confiando en bastidores retorcidos, que parecen una continuación de las patas delanteras, terminan con las voliciones en la parte delantera. El asiento y la parte posterior de las sillas y sillas suelen ser groseros por la piel y un paño del tapiz usando clavos con sombreros grandes. En este momento, hay un cambio en la naturaleza de las decoraciones de los muebles y sus formas, se aplica otro material. Ahora, los muebles están hechos de nuez, así como de otras especies de árboles importadas. En el período tardío, incrustados e inserciones del palisandro, el negro, el amaranto (púrpura) y la madera rosa aparecen, lo que enriqueció significativamente la solución decorativa a una variedad de objetos de muebles. Las camas están hechas con un dosel y de manera similar.
Los cofres continúan existiendo con una variedad de formas de decoración de fachadas faciales. Estas fachadas, por regla general, tienen estrictas membresías arquitectónicas, aleros y consolas. La superficie delantera está formada por pilastras en paneles separados, decorados con un adorno geométrico tallado. Además, las pilastras están decoradas adicionalmente con inserciones de madera de colores. Las mesas de comedor tienen una forma bastante simple y a menudo se hacen deslizantes. Las piernas precisibles masivas tienen una forma de conejito pronunciada y la planta baja se aprietan con barras. Tal forma de conejito de las piernas tenía una fuerte influencia en los muebles rusos.
Al final del siglo XVII. En formas y decoración de los muebles holandeses, China tiene una fuerte influencia.
El guardarropa en las piernas esféricas habitadas de pie sobre apoyos rectangulares, suministros, tocadores y gabinetes con una masa de cajas retráctiles y avellanadas que están cerradas por las puertas se realizan claramente bajo esta influencia. Las patas de tales gabinetes se hicieron con afilados, esféricos y, a veces, curvados en forma de una letra latina con una forma que se expande. Estas piernas se orejas en la parte inferior de la pájaro pata se aferran. Tal tipo de piernas comenzaron a aplicarse en muebles creados en otros países. Por ejemplo, en Inglaterra, este tipo de patas se ve bien en los estilos de la reina Anna y Georgov, e incluso más tarde, al estilo de Chippendale.
A principios del siglo XVII. Como resultado de una lucha a largo plazo de los Países Bajos por la independencia del dominio de España, el país se divide en dos partes: las provincias del norte, que se llamaban Holanda, y sus provincias del sur, que, permanecían bajo la corona española, Se conoció como Flandes. El arte plegable de Flandes, principalmente en Amberes, que se convirtió en el centro de la vida rusa del país, uno de los primeros, después de Italia, está experimentando un estilo barroco, que tocó, sobre todo, pintura, arte decorativo y aplicado y decoración ornamental. Tales características como practicidad, materialismo, levantamiento emocional, formas de pompa, decoratividad y, al mismo tiempo, la conveniencia y la comodidad se caracterizan por el interior del edificio residencial flamenco y sus elementos, en particular, muebles. El ejemplo característico de la antigua casa barroca flamenca: casa residencial de un destacado pintor y un estadista P. Rubens, construido en 1613 en Amberes. Los estilística barroca en la lada flamenca le da una idea de no solo la arquitectura y la decoración de los interiores de esta casa, sino también las obras pintorescas de P. Rubens, Wang Depee, Jordania, Sneides, Tenier y muchos otros artistas maravillosos. de ese tiempo. Los muebles fabricados por maestros flamencos, en su diseño y decoración corresponden a los muebles del renacimiento italiano tardío. Hasta la mitad del siglo XVII. Tales muebles tienen suficientes formas rectangulares rígidas con miembros comerciantes.
Sin embargo, desde la segunda mitad del siglo, las formas más dinámicas de piezas de apoyo, la llenada de trabajos de carpintería, las decoraciones talladas de frisos de gabinetes, etc. en Flandes, los tipos revividos de armarios pesados \u200b\u200bde roble, con dos o cuatro puertas, cajones. , sobresaliendo núcleos, pilastras, consolas y piernas en forma de pájaros de aves que sostienen bolas. Más tarde aparecen gabinetes de literas, cuyos paneles ya tienen una decoración más compleja. Tales gabinetes también tienen un alero fuertemente sobresaliente, que es compatible con consolas en forma de cabezas de niños, y bien decoradas con hilos ornamentales de un friso de bajo relieve. Las juntas de la vertical (en forma de pilastra) y las protuberancias perfiles altamente activas horizontales en las caras faciales y laterales de la caja del gabinete están decoradas (disfrazadas) con leiones con anillos metálicos en la boca.
Se siguen aplicando en Flandes y Oficina, pero gradualmente, en contraste con las muestras italianas, ahora no tienen formas y decoraciones complejas, y las proporciones se vuelven simples y más definidas.
El hilo complejo ahora es reemplazado por la decoración, realizado principalmente en una carpintería. El gabinete se instala en un podstole alto, basado en las piernas de pie sobre las bolas con grandes intercepciones. Las piernas de abajo se tiran de la forma de simple rectangular en la sección transversal de las barras. Las cajas de gabinetes están cerradas con dos puertas hinchadas con filetes del trabajo en forma de carpintería. El gabinete en su parte inferior debajo de las puertas tiene una caja retráctil exterior, y en la parte superior, frieze y un alero de habla lejana apoyada por consolas. Ceres flamencos (suministros) del siglo XVII. Son como un gabinete de dos partes con un dosel y un nicho como un buffet. Un dosel que realiza el papel de frieze y la cornisa de todo el gabinete, confía en la consola frente a dos columnas precisas y talladas bien perfiladas. Las caras faciales y laterales del gabinete están abundantemente decoradas con tallas de alivio y plantillas arquitectónicas. El caso de un gabinete que tiene varias membresías horizontales explícitamente pronunciadas, cuyo fondo es un tipo de base, elevado por encima del piso y se encuentra en seis soportes de esferoides.
En los muebles para asientos, el diseño de lugares de conexión de elementos individuales es claramente visible. Las piernas y las tetas de las sillas y asientos, así como las tablas que se hicieron anteriormente, generalmente precisas o talladas, se reemplazan por retorcidas con intercepciones de cuatro ralladas en los lugares de secreción. Los bastidores de soporte de las espaldas en la parte superior terminan con hilos de rizos de acanta o cabezas de león. Los codos en las sillas se hacen muy convenientes, tienen en medio de la deflexión y terminan con voliciones decoradas con hojas de acús talladas. Los asientos y las espaldas de las sillas y los asientos se hacen suaves con caballo con cabello de caballo y a menudo se duelen con telas de cuero o decorativas con una larga franja. En este momento hubo un nuevo dibujo de la disposición de las uñas de tapicería con grandes sombreros semicirculares en los marcos de asiento y las espaldas. Si antes, los sombreros de clavos se colocaron de manera justa entre sí, ahora su paso es rápidamente, gracias a lo que resulta un bordillo decorativo estricto en forma de cuentas alrededor del perímetro del asiento y las espaldas.
Obviamente, un aumento de los tamaños en el ancho y las profundidades de los sitios para los asientos de ese tiempo se debieron a la cobertura modificada de la ropa, que ahora es más exuberante con una gran cantidad de pliegues.
Las mesas se producen con la mesa de diversas formas. Las cajas de podstole se basan en patas hechas en forma de balaustres precisos con bulbos esféricos o de conejo y patentados. Además, también se obtienen patas precisas torcidas y tiernos con espesos rectangulares o cuadrados (intercepciones) en lugares de conexión de partes individuales de la estructura. A veces, se instala un elemento decorativo en el centro de ProBESK, por ejemplo, un balance preciso en un jarrón o columna. Los bordes de la caja de la podstole tienen cortes rizados y junto con el taller, como regla, decorados con hilos planos.
Todos los muebles se hacen exclusivamente fuera de la tuerca, no de roble. También madera de madera de madera importada (ébano), Rosewandra, Cedro de La Habana.
Estilo barroco flamenco siglo XVII. Tuve una gran influencia en la formación de los muebles holandeses y de Severgherman.
Muebles alemanes barroco (segunda mitad de XVII-inicio. XVIII Siglo)
La influencia de los estilos de la barrota en forma de los muebles alemanes comienza a sentirse antes de la segunda mitad del siglo XVII. Esto es especialmente notable después del final de la guerra de 30 años. Pero al principio hay formularios prestatarios y proporciones de muebles holandeses. Sin embargo, esta influencia holandesa se mantiene en parte hasta el giro de los siglos XVII-XVIII. En primer lugar, esto se refiere al estilo de tales elementos estructurales y la decoración como columnas retorcidas en forma de pilaster, piernas retorcidas de sillas, sillas y mesas, soportes esféricos, desarrollo de carpintería de paneles, etc. La abundancia de columnas retorcidas que sirven la decoración de gabinetes, buffets y suministros, sobrecarga claramente la forma de los muebles alemanes. Por ejemplo, el refugio (proveedor) de la obra alemana del último tercio del siglo XVII. Tiene una decoración inusualmente exuberante y girando decoraciones en forma de figurines de cariátides en la parte media del gabinete, bots. Dicho gabinete con una altura de más de 2,5 m, una profundidad de más de 1 m, y el ancho de casi 3 m descansaba sobre seis soportes esféricos.
En el siglo XVII. En la ciudad de Augsburgo, se hicieron habitaciones altamente lujosas, las piernas y cuyos indicaciones eran encajes sólidos tallados. El mosaico florentino, el acabado con las cáscaras de plata y tortuga se usaron ampliamente en la decoración del borde facial de los gabinetes. Dichos gabinetes, instalados en el subestolar, se parecían a las estructuras arquitectónicas completas. En lugar de la madera nupcial negra (ébano) para la fabricación de gabinetes, los fabricantes de muebles alemanes a menudo usaban una pera de moraine. Como elemento decorativo, se usó un patrón tallado en forma de ormushl (de ella. Ohrmuschel - Fregadero de la oreja): el elemento característico del adorno barroco flamenco en forma de pliegues de las orejas. A veces, la superficie frontal del gabinete muestreada e interpretada como una fachada de un edificio, que tiene ventanas, seguido de hermosos paisajes.
En Baviera, en Regensburgo, más estricta en forma de gabinetes, de pie en las piernas de seis patas, se detuvo en la parte inferior de la letra X. Toda la superficie lisa facial de este gabinete está decorada con pinturas ilusorias de perspectivas arquitectónicas en la técnica de la intarsia o la marquetería de una madera de color. Los gabinetes, cuyos paneles, caras laterales y los planos frontales de cajas externas se decoraron con composiciones muy complejas de bajorrelieve que representan escenas completas de contenido religioso y secular. Estas composiciones estaban hechas de madera de colores y se fueron en un marco ondulado peculiar de negro. Un marco tan ondulado estaba muy extendido, no solo en Alemania, sino también en Holanda, Flandes y Inglaterra. Según algunos investigadores, fueron inventados a principios del siglo XVII. Fabricante de muebles alemán G. Shvanhard. Al final del siglo XVII. Tal tipo de marcos ondulados penetraron en Rusia y recibió el nombre de carreteras frecuentes.
Los usuarios flamencos de la carretera usaban fabricantes de muebles flamencos, un miembro del plano de los objetos de muebles de muebles decorados de un árbol negro a historias y escenas ornamentales separadas sobre temas mitológicos.
Muebles barrocos rusos (la segunda mitad del siglo XVII XVII XVIII)
Muebles barrocos alemanes la segunda mitad del siglo XVII a principios del siglo XVIII. Caracteriza el alto dominio de carpintería de los maestros alemanes y el arte de la decoración decorativa de los objetos de muebles creados por ellos y, al mismo tiempo, material sobrepeso, la pesada de decoraciones talladas y precisas.
Se deben buscar los primeros signos del estilo barroco en Rusia durante el reinado de Tsar Alexei Mikhailovich (1645-1676). En este momento, Rusia ya tiene suficientes conexiones de comercio sostenible con Inglaterra, Holanda y otros países. En el resto de los palacios zaristas y la casa de Boyar comienza a penetrar en los brillantes objetos de muebles del estilo barroco: cofres, camas, gabinetes masivos, sillas, mesas, etc. Se invita a los maestros extranjeros, que realizan órdenes para la fabricación de muebles. y enseñar a los maestros rusos. Los objetos típicos de los muebles eran sillas y sillas con una espalda alta, decorada con hilos en forma de rizos, corona, escudo de armas, águilas y leones, una sillón baja, precisa directamente con intercepciones o patas torcidas, propiedades y bastidores de la tierra. Las sillas y las espaldas se estimaron mediante paño, terciopelo o piel en relieve. Masivas mesas traídas de Alemania de pie sobre las piernas de ojos gruesos o torcidos, gabinetes masivos cuyos edificios fueron resonados en soportes esféricos, y camas con un dosel. Es cierto que las camas con un dosel eran un objeto de muebles bastante raro y se reunieron solo en las cámaras reales. Todos los muebles eran de madera, y su superficie estaba generalmente cubierta con masilla de cera, pulida o pintada. Sin embargo, muchas muestras de muebles no solo importaban, sino que también se fabrican, por ejemplo, en la armería del Kremlin de Moscú. Hubo unión conocidos, cutters y puertas: S. Darev-Sky, K. Mikhailov, Okulov, P. KUZOVLEV, etc., que realizaron órdenes del patio real y la nobleza de Moscú. Muchas muestras de muebles europeos occidentales de ese tiempo fueron copiados por maestros locales (principalmente personas de fortaleza), estas copias fueron un nivel muy bajo y en términos de construcción, y en términos de procesamiento decorativo, porque Los carineros y cortadores rusos aún no conocían todos los secretos de la arte de los muebles acumulados en el oeste. Puede explicarse por el hecho de por qué tantos objetos de la situación de las viviendas rusas de ese tiempo alcanzaron nuestro tiempo.
Al comienzo del reinado de Peter I (1672-1725), el barroco en Europa alcanza su florecimiento más alto. Hamburgo (para otra información, Augsburg o Nuremberg) Se crean maestros (en 1682-1684) Doble trono de plata para los jóvenes reyes de Ivan Alekseevich y Peter Alekseevich. Por encima del doble asiento, terciopelo rojo tapizado, en columnas retorcidas, se fortaleció una especie de dosel con imágenes gildeadas de animales y aves, corredores y una decoración barroca vegetal diferente. Se fortalecen tres pasos a cielo abierto antes del asiento, y a cierta distancia del trono hay columnas masivas en forma y decoración, una de las cuales se instala exactamente en el centro del trono, decorada con águilas de cabeza superior, grabados y adornos de hendidura, así como dos columnas bajas. Estas columnas están destinadas a dos espermatozoides de tsaristía y una potencia común. La parte posterior del asiento derecho destinado a que el joven Peter tenía una ventana de hendidura que estaba cerrada por la cortina. Se supone que en los días de las técnicas solemnes que se encuentran detrás del trono, el hombre le dio consejos y sugirió al rey las respuestas necesarias. En Rusia, en la era de Pedro, las mejores muestras son los muebles de Inglaterra y Holanda, los poderes marinos más poderosos de ese tiempo.
A principios del siglo XVIII. Hay una grada marea de muebles extraños y maestros extranjeros en Rusia. Los maestros extranjeros fueron acusados \u200b\u200bdel deber de capacitar a los estudiantes unidos a ellos. Los muebles extranjeros existían en palacios junto a los productos hechos en San Petersburgo. Junto con la invitación de Masters Occidentales y la compra de muestras de muebles en el extranjero, la producción nacional desarrollada en el extranjero. El arte ruso de muebles, distinguido por su identidad, sin embargo, comenzó a desarrollarse en línea con la cultura paneuropea. A partir de ese momento, los muebles de proporciones ligeras, más elegantes, vienen a reemplazar los muebles engorrosos. La superficie de los objetos de muebles es ahora más compleja a expensas de los elementos convexos y cóncavos. Es utilizado por la madera de la nuez de la compiladora, así como las rocas nupciales raras, el mosaico de piedra y la marquetería, con incrustaciones por varios materiales, bronce dorado en forma de elementos generales de decoración, coloración, etc.
A principios del siglo XVIII. Desde casas urbanas, en primer lugar en las capitales, se limpian los cofres, y su lugar, al igual que acostumbrarse a Europa, ocupar armarios y cómodas. En este momento, en movimiento, los tipos simples de sillas y sillas holandesas e ingleses con patas rectas y espaldas que tienen tres bastidores, el promedio de los cuales está hecho de tallado.
Junto con ellos, los tipos de sillas son ampliamente distribuidos, se parecen a las muestras de severgberman. Las sillas tienen patas precisas directas y una parte de los prideos, bastidores laterales precisos de respaldos directos, cuya parte central está decorada con hilos calados en forma de rizos grandes. La espalda tiene una finalización semicircular, también decorada con tallas. Dicha decoración tallada tiene orgullo anterior, ubicado lo suficientemente alto por encima del piso, aproximadamente en el centro de las piernas. Las sillas se realizan suaves o semidimensionales y se precipitan con tela o piel con clavos con tapas grandes. La tapicería suave tiene un plan del respaldo central. De manera similar, las sillas se resuelven con patas y propiedades precisas, un extremo tallado de la espalda y se despliega en los territorios. La silla tiene una suave tapicería del asiento y la parte central de la espalda y está decorada adicionalmente en la parte inferior del asiento.
Se utilizan otros tipos de muebles blandos para asientos, aguas cutáneas, tela con bordado o tela de seda. Tales sillas y sofás tienen patas talladas curvas que terminan la pata de aves que sostiene una bola. La muestra de los muebles del barroco Petrovsky puede servir al trono de Peter I, decorada con plata. Este trono fue realizado por una cláusula de trabajador de muebles en 1713. Otra muestra puede servir como sillón, un terciopelo de frambuesa, que fue colocado por la cera figura I, realizada en 1725 P. Fedorov, un patio afilado. Característica para esta era son las tablas de roble pesadas, que se hicieron en el tipo de mesas holandesas del siglo XVI, que se encontraban en las piernas de ojos gruesos en forma de un conejito balaas, tirado con un marco plano de forma rectangular con bordes perfilados. El subestolar se realizó muy masivo y tenía, por regla general, cajones. Toda la superficie frontal del Podstolye fue decorada con perfiles, medios coroneles y un complejo motivo decorativo, recordatorio de portales o platbands de ventanas de palacios o iglesias de Moscú. La mesa con un borde perfilado podría tener tableros laterales extendidos desde debajo de ella, que se parecían a algunas muestras holandesas. Si tal mesa se realizó desde un árbol simple, entonces fue a menudo coloreado pintura verde. Para el suministro de las instalaciones, se utilizaron varios gabinetes, cuya decoración de las fachadas faciales se realizó, siguiendo los principios de la joyería arquitectónica utilizando plantillas arquitectónicas. La influencia de los gabinetes holandeses se siente en proporciones y resolvió la forma de la comida estampada de puertas, aleros, semi-coronel precisos y plantillas arquitectónicas en un closet-buffet de literas, hecho a principios del siglo XVIII. La superficie de tales objetos de muebles luchó y tenía una textura mate. Cabe señalar que los muebles de muebles en la técnica de marquetería en Rusia a principios del siglo XVIII. Por lo tanto, no se introdujo, en lugar de un conjunto de mosaicos de madera, la pintura de toda la superficie del sujeto de madera, precubida con levkas, patrones ornamentales brillantes, imágenes temáticas, los colores se usó a menudo. Luego la pintura estaba cubierta de barniz. Para suministrar los locales de los palacios utilizados, además de gabinetes, mesas y muebles para asientos, también relojes de piso, espejos en los marcos de Oak Sea, Shirma, Lacquer Work Larz, etc.
Sokolova T.m. En su trabajo, menciona el inventario conservado del acabado y los muebles de los palacios de Peterhof de 1728, según los cuales las paredes en las instalaciones de los palacios se apretaron con los tejidos, la mayoría de las veces la seda, con menos frecuencia de lana y acolchada. Los muebles estaban habitados en el mismo paño que las paredes, así como la safia roja. Las almohadas de seda fueron apiladas en sillas de mimbre. En stock, por ejemplo, se marcaron: Fondo de pantalla Muarovy Holandés Seda, gabinete de nuez inglés ancho y chino inglés, mesa negra alemana simple en tres patas, mesa carecía pintada en una pierna, mesa redonda de roble con pisos, gabinete rojo y t .p.
Muebles franceses barroco (mediados de XVII-principios del siglo XVIII). Estilo de estilo Luis XIV
Francia XVII Siglo. - El estado más poderoso de Europa con el poder real absoluto. En este momento, hay la construcción de grandes conjuntos arquitectónicos, la creación de obras de lujo de artes, muebles y esculturas aplicadas, magníficas obras pintorescas.
Establecido a mediados del siglo XVII. En Francia, el estilo se puede describir como un barroco en una síntesis con motivos de rebote. Era un barroco a la manera francesa, muy magnífica, brillante, secular, en su forma de arte representativa, más ordenada y académica que italiana. Este estilo es habitual para llamar a un gran estilo, o el estilo de Louis XIV. Todo el período del barroco francés se divide de manera muy convencional en varias etapas: el Renacimiento tardío con elementos de modal de los primeros barroco, estilo transitorio (Louis XIII, 1610-1643); Barroco maduro (Louis XIV, 1643-1715); Precio estilo (estilo de transición entre los reinados de Louis XIV y LOUIS XV) y Rococo (Louis XV, 1720-1765). La última etapa, estilo rococó, actualmente, los investigadores no se refieren a la etapa final, tardía barroca, y al estilo artístico independiente, la verdad que creció del barroco del subsuelo.
Los muebles de época barroca franceses no se pueden evaluar sin tener en cuenta el desarrollo de la arquitectura de la época, la decoración de los interiores y todas las artes decorativas y aplicadas en general.
Con Louis XIII, la aristocracia y la rica burguesía de Francia ordenan activamente para ellos la construcción de lujosos palacios, que están diseñando para ellos S. DE-ZUB, F. Mansar, L. LEVO y otros arquitectos famosos de la época.
Todos en el interior sirven como representante, los deseos golpearán instantáneamente al espectador con el lujo de la decoración de las instalaciones.
Ahora las instalaciones del desfile se convierten en el vestíbulo con las escaleras delanteras, bien decoradas y la galería conectada a ellos. La impresión de la solemnidad surge del visitante cada vez que cae en el vestíbulo desde la escalera frontal, sobre la cual el techo pintado pintó el techo.
Los requisitos del nuevo estilo emergente conducen al desarrollo de artes decorativas y aplicadas, especialmente la fabricación de tejidos, alfombras, platos, joyas y, por supuesto, muebles. Las sillas y las sillas de este tiempo todavía tienen formas sencillas, sus elementos estructurales principales se realizan girando, el respaldo y los asientos se prueban con un paño. Gradualmente, debido a los requisitos de conveniencia, las sillas son más anchas, las espaldas se hacen arriba, todas las piezas de madera están cubiertas con abundantes tallas y oro. Sin embargo, el arte decorativo francés y la producción de muebles de este estilo obtuvieron su mayor desarrollo Solo en la segunda mitad del siglo XVII. Con Louis XIV, que construye un magnífico conjunto de versiones, con sus palacios, jardines, parques, piscinas y fuentes decoradas con esculturas. Todo esto fue concebido y realizado para las ceremonias de justicia, subordinada a la estricta etiqueta solemne. Versalles, que fue creado por los arquitectos L. LEVO, J.A. Mansa-Rum y A. Lenotrom bajo el liderazgo del primer pintor King Sh. Lebedna y decorado con esculturas de F. Giradon y A. Kuazewox, la mayoría expresa orgánicamente la idea del poder absoluto. Comenzó en 1661, la construcción y acabado de Versalles continuaron durante los próximos treinta años. Ensemble versal es el símbolo más alto y la muestra del estilo del barroco francés y el mayor logro del arte de esa época. La monarquía de Francia se convierte en un ejemplo clásico y un modelo para imitar la mayoría del Yard Real Europeo. El estilo barroco francés durante mucho tiempo se convierte en el más alto criterio de belleza y lujo.
Vista general del Palacio Versalles. 1668 París, Francia
Galería de espejo. Versalles. F. Mansar y sh. Lebrene. 1679-1686 Francia
Resultados similares son posibles no solo por los esfuerzos de arquitectos, pintores, escultores, fabricantes de muebles, etc., sino también gracias a Kohlbera, el primer ministro de Louis, quien fue responsable de organizar toda la vida artística del país, organizando varias instituciones. Diseñado para desarrollar arte y cultura, o proporcionarlos son ayudas estatales.
En 1661, la Academia de Pintura y Esculturas, establecida oficialmente en 1648, establecida oficialmente a la otra Academia, la Academia de Arquitectura, que recibió estatus oficial en 1671, se convirtió en un nuevo papel en 1648, convirtiéndose en una escuela real para arquitectos y constructores. La Academia Francesa creada especialmente en 1666 en Roma comienza a enseñar a los estudiantes pintar, escultura y arquitectura en los mejores ejemplos de arte antiguo italiano.
La actividad de la Kolbera estaba dirigida al aumento de la industria del arte y el arte de Francia para proporcionar un país de independencia de otros estados y en esta área. Como resultado, la industria del arte y el arte de Francia recibió un poderoso impulso, y el país comenzó a producir todo lo que había importado previamente. Colbert apoyó ambas fábricas textiles que comenzaron a trabajar en varias ciudades de Francia.
Lyodafature de Lyon está comenzando a producir telas de lujo de los paquetes, Silka, llena de los patrones barrocos en estilo italiano, que encontró su uso digno al diseñar los interiores de Versalles, la residencia permanente de Luis XIV desde 1682. Además, Kolber invita a Los maestros de Venecia a los artesanos franceses pueden aprender tienen la técnica de producción de espejos. En 1662, sobre la base del taller de tapiz, Kolber une los talleres de alfombra dispersos de París y les brinda el estatus de Royal Manuff, a la cabeza de la cual, como su director artístico, se convirtió en S. lebrene. Las tareas de esta manufactura fueron identificadas muy extensas. Además de la alfombra, tuvo que contribuir al desarrollo de diversos artesanías artísticas y servir como una escuela para aprender los maestros de trabajo de oro y plata, fundadores, grabadores, tejedores, cadenas de piedra, fabricantes de muebles y tintores. El tema de las decoraciones de una parte significativa de las alfombras-tapices fue elegida para resonar la imagen del rey. Por ejemplo, se realizaron una serie de tapices sobre los temas de la vida y los grandes actos de Luis XIV o Alexander Macedonsky, donde se identificó el Gran Comandante con el Rey de Francia (una serie de tapices: Luis Louis Life, historia de Alexander, Royal Residences ). En 1664, por orden de Louis XIV, se abrió otra manufactura de tejido en Bove, que, junto con los fabricantes en Obusson y Pellelos, adquiridos en el siglo XVII. gran importancia. Los tapices franceses disfrutaron de una popularidad extraordinaria. Los pedidos provenían de todos los países europeos. La mayoría de los productos se realizaron en los dibujos de Ledbed.
En el siglo XVII. Los productos de porcelana y faience fueron ampliamente distribuidos. Los centros de su producción se convierten en nunca, Rouen y Misti. En estos productos, los motivos chinos y los adornos del renacimiento italiano, que se mantuvieron solo en los fabricantes de Neverte, se desaparece gradualmente. Los productos de cerámica de ROURAN están cubiertos con elegantes patrones con lambrequin ornamental barroco y contando. Los productos de porcelana hechos de Mandy están decorados con adornos con motivos de Grotesk. En los interiores del palacio de Versalles, los espejos de gran tamaño fueron ampliamente utilizados, lo que indica el nivel de tecnología y arte de Francia de esa época, que era una competencia digna con vidrio y espejos a los maestros de Venecia. Se sabe que al principio los espejos de gran tamaño Francia comprados en Venecia.
La galería de espejos del palacio de Versalles, creado por el MANZAR, es una verdadera obra maestra del interior barroco. Fue utilizado aquí nueva recepción La decoración de las paredes con espejos, que estaban opuestas a las ventanas y coincidió con ellos en tamaño y forma. Como resultado, resultó que la galería tenía dos paredes con ventanas con vista al jardín, solo solo eran reales, y otras, imaginarias. El arco de la Galería de Lebrene fue decorado con medallones con la imagen de las victorias del Sun King, como se llamó Luis XIV.
La galería espejo estaba ubicada en la terraza que conecta los apartamentos King y Reina. Entre las ventanas y las arcadas, se instalaron pilastras de mármol, con las capitales de la orden francesa, hechas de bronce dorado, la antaño estaba decorada con coronas reales. Los reservorios también utilizaron los motivos de armadura militar, varios emblemas y armas de mármol artificial.
Hasta 1689-1690. La galería espejo estaba amueblada con muebles de plata diseñados por los bocetos de Lebedin. Sin embargo, todas estas mesas de plata, taburetes, candelabros, lámparas, plantas, después del Edéctico Real contra el Luxury, 1689 fueron monedas interpretables para cubrir los costos de la guerra. La grandeza del Palacio de Versalles exigió nuevas técnicas para el río Deco-River y las nuevas soluciones en el arte de los muebles.
En algunas habitaciones, las paredes, quebrantadas en paneles separados, se alinearon con un mármol multicolor y se decoraron con columnas y pilasteras, entre las que se colocaron las composiciones doradas de estuco. Magníficos fueron fríes, aleros y plafones pintados por los mejores artistas del país.
En otras salas, las paredes estaban apretadas por telas caras, que cambiaron dependiendo de la época del año. En invierno, un terciopelo verde o rojo oscuro se usaba con Golden Galoon; En el verano, un brocado con un patrón de oro o plata y una plata multicolora. En el contexto de estas telas, las pinturas de Titian, Rubens, Karachchi, Veronese y otros grandes artistas fueron saludados en marcos dorados.
En este momento, hay un pico de la popularidad de la tapicería de las paredes de los ricos palacios de cuero de la pantorrilla en relieve, decorada con papel de plata y oro o pintado con colores brillantes en varios temas. La decoración de tal tapicería de cuero a menudo imitaba el dibujo de telas caras. Conservó su popularidad. El levantamiento simple de las paredes con paneles de madera hechos de roble, pino o abeto, a menudo teñidos en razas más caras.
A finales del siglo XVII. Tales paneles de pared de madera se pintaron incluso en tonos blancos, azules o verdes pálidos. A veces, una carcasa de madera se llevó a cabo en la parte inferior del cinturón central, hecha de mármol multicolor. Cabe señalar que el acabado de mármol no es solo pisos, sino también las paredes de las versiones en la influencia italiana explícita, mientras que en muchos otros interiores franceses barroco, un árbol fue ampliamente utilizado.
La mayoría de las premisas del primer piso de Versalles tienen pisos de mármol, y en los pisos superiores, los pisos se hicieron principalmente de madera. Ya en 1620, María Medici ordenó el piso de un parquet, con incrustaciones de plata en su oficina. En una de las habitaciones del heredero al trono a.--. Boule, se usó muebles de la corte del rey, se usó el piso, decorado con patrones de la cáscara de la tortuga y la plata, que correspondían a sus estilísticas de los muebles de decoración.
En Francia, el parquet se realizó, principalmente de roble y tenía una forma de diamante de sus elementos. Sin embargo, la técnica de una alfombra establecida, abundantemente incrustada, no recibió un gran reconocimiento en Francia, sino que en Alemania, Rusia y otros países más del norte fueron llevados a la perfección. En la parte superior del parquet y otros pisos podrían colocar tapetes de paja (incluso en descanso real) o alfombras persas, lo cual fue una gran rareza. La alfombra sólida se distribuyó anteriormente que el siglo XVIII, cuando las alfombras separadas comenzaron a coser en un solo entero. Las alfombras persas fueron abandonadas por pisos solo en casos particularmente solemnes. A veces incluso cubrían las mesas.
En el siglo XVII. En Francia, la tradición de decorar chimeneas ha cambiado. Las chimeneas con un toldo de la tienda durante todo el siglo casi desaparecieron, y el tipo principal fue la chimenea con una protuberancia plana, que se hizo desde el piso hasta el techo. En la parte inferior, la chimenea estaba decorado con un sótano, y en la parte superior - el alero, la estilística de las cuales era para corresponder a los perfiles de la decoración de la habitación entera. Se instaló un espejo sobre el estante de la chimenea. Aunque tales chimeneas con espejos ya eran conocidos en el comienzo del siglo, por ejemplo, en el Fontainebell en 1601, hasta el final del siglo XVII, no eran muy extendida.
Los muebles paradutos en el estilo del barroco francés para los palacios de Louis XIV y la nobleza parisina se realizan principalmente sobre la base de muestras italianas. Lebrene le invita a Italia por la Real Fábrica de Muebles de Mesmer Exteriores D. Kuchchi, mosaicos D. Branca y cortador F. Kafartier, que se formó un gran número de maestros franceses famosos. La influencia significativa en el desarrollo de este estilo eran artistas sh. Lebrene y J. Lepotr. Los dibujos de muestras de muebles publicados por ellos tenían decoración por el tipo de barroco de Ornamenta romano de la mitad del siglo XVII. En el estilista de muebles del barroco francés, dos direcciones se pueden distinguir, de los cuales uno se caracteriza por la influencia de la creatividad lepotra, y la segunda es la influencia del artista J. Beren, gracias a la cual los muebles sobrecargados con la decoración se convierte mas elegante.
Todo el siglo XVII. Y hasta la segunda mitad del siglo XVIII. Los muebles están hechos del árbol de las rocas locales, decoradas con tallas y doradas o del árbol del puente, principalmente ébano (negro), cubierto con incrustaciones de plata, cobre, perla, cáscara de tortugas, madera de otras razas y bronce dorado. Los objetos de muebles también están decorados con bajorrelieves de bajos, medallones, cinturón perfilado, adornos hechos de bronce de oro fundido.
El ornamento de estilo Louis XIV es estrictamente simétrica y está construido en oposición a líneas directas y redondeadas, lo que da una cierta movilidad de la composición decorativa. El ornamento se desarrolla utilizando los motivos de una hoja de aceros, guirnaldas, trofeos antiguos, palmetas, lobos, balaustradas, frontones desgarrados, cabezas líionales y cabezas femeninas, una caja de cartón con una parte central convexa, que a menudo está decorada con la imagen del sol. , la cara de Apolo, dos cruzó letras L o tres lirios franceses, etc. A finales de siglo, se distribuyen los adornos decorativos: un troll, que es una malla sólida con células de diamante, en cada una de las cuales se coloca un zócalo y un lambreno, imita el corte con los dientes o se pone a la cortina, a menudo con pinceles.
En este momento, las fabricantes de muebles conocen las tecnologías más complejas del apareamiento del árbol, sus sartenes, incrustaciones y mosaicos. El diseño de los muebles es adyacente a la perfección. Sin embargo, todo el siglo XVII. No había cabezas de muebles en la comprensión moderna de este término. Solo las series o grupos separados se crean sillas de constructiva y estilísticamente interconectadas, taburetes y sillas. Los gabinetes, gabinetes, aparadores fueron creados, por regla general, en forma de objetos independientes, aunque a veces en pares o grupos pequeños. La principal innovación, que apareció en los muebles de este tiempo, está contando en su diseño y la forma de requisitos de conveniencia, la comodidad. Aparecen una amplia variedad de tipos de objetos de muebles dependiendo de ciertas necesidades funcionales vitales de una persona. En este momento, los relojes altos del piso están comenzando a ser ampliamente utilizados, los primeros escritorios escritos y las mesas de la Oficina, las tablas de la consola, las cómodas y formas tempranas Canape y chaise lounge.
La decoración de las instalaciones del palacio barroco es impensable sin gabinetes lujosamente decorados, que a menudo tenían tamaños muy impresionantes. En su mayoría, estaba fanbado por productos de madera negros decorados con mosaico, incrustación, pintura. La oficina se suele resolver con el tipo de edificio barroco, cuya fachada estaba decorada con columnas talladas, cornisas, frontones, tomas de corriente, medallones, voliciones, perfiles arquitectónicos. A menudo, el gabinete en sí se instaló en los soportes realizados en forma de columnas o carinarios, a su vez, en un sótano bien perfilado. El gabinete generalmente tenía dos puertas batientes, seguidas de cajas retráctiles y bien decoradas. En el último período del estilo de Louis XIV, hay una aparición de un nuevo objeto de muebles - un cofre amueblado para las piernas y para la conveniencia de los cajones equipado con cajones, que fue llamado el pecho. En el momento de Luis XIV, aparece una tabla escrita con cajones, que originalmente se llamaba la Oficina, porque Su encimera fue bloqueada por un paño grueso (de fr. Buránico - tela gruesa). Dicha mesa se realizó desde un árbol negro, sus patas y las vainas estaban cubiertas con tallas, y sus costillas, asas y pilas de cajas estaban decoradas con un bronce dorado con vigas de superposición. Gradualmente, la superficie de trabajo de las tablas de escritura comenzó a tener un complemento con cajas y estantes y cerrado con una tapa plegable. Tales mesas tenían un acabado lujoso y se llamaban las mesas de la Oficina.
Otros tipos de tablas tienen una encimera redonda o rectangular. En las mesas rectangulares, las patas facetadas en forma de piramido están hechas con un eje vertical. Tienen un hilo magnífico o incrustación. A menudo están decorados con cabezas de cordero o cabezas femeninas hechas de bronce dorado.
Más tarde, las mesas comienzan a pararse en cuatro, sino en ocho patas, tiradas en las propiedades curvas cruciformes de TEUME. Las mesas tienen dos o tres cajones, decorados con forro con incrustaciones y bronce. Las tops de mesa de las mesas están hechos de un plato masivo de mármol de color y decorado con un mosaico. De madera, decorada a lo largo del borde del hilo y la incrustación, encimeras. Además de las recabrastas, aparecieron tablas de consola rectangular estrecha, que fueron criadas por la pared. Su ancho generalmente se determina por el ancho del espejo-tremo, que se encuña en la pared sobre la consola. La decoración principal de las tablas de la consola se centra generalmente en el subestolar, que tenía un hilo exuberante y un dorado sólido. Las piernas de la consola a continuación se apretaron con una forma muy compleja, y su medio generalmente decorado con un cardush tallado, decorado con cifrado real y escudo de armas, o un jarrón. Estas tablas realizaron un papel decorativo, generalmente se instalaron cualquier artículo hermoso: jarrones, relojes, plástico pequeño, etc.
En el estilo de Louis XIV en la frontera de los siglos XVII - XVIII. Y especialmente en el estilo de Regency posterior, es notable cambiar la forma sencilla de líneas a curvas. Por ejemplo, las tablas escritas están exentas del progreso y tienen patas ligeramente curvas que están estrechadas por el libro y terminan con patas de bronce.
En la parte media de la mesa de madera, una pegatina hecha de safia roja o verde, decorada con oro en relieve. Bajo la parte superior de la mesa, generalmente hay tres cajones, donde el promedio tiene la profundidad más pequeña en comparación con dos lados.
Un lugar especial en los muebles barrocos franceses es el mueble para asientos. Las sillas, las sillas, los sofás están hechos con una espalda alta, ligeramente plegada por encima de la cabeza de una persona sentada. Los codos tienen una hermosa flexión y un final con voliciones. Las patas y los productos se realizan con un método de giro con grandes intercepciones y se conectan entre sí a través del engrosamiento característico de la forma rectangular. Hay otros tipos de patas: una forma piramidal, decorado con adornos y perfiles tallados y curvada en la forma de las letras S, los extremos de los cuales por lo general están decoradas con hojas acacan. Este último tipo de patas se refiere a la segunda mitad del reinado de Louis XIV. Asientos, respaldos y los codos se hacen suave y revolver con bordados de piel hecha a mano con una pequeña cruz o semi-corteza, tapicería, pieza tapicería, piel española incrustada de espinal, los ojos, apretando, terciopelo estampado. Las sillas y las sillas también están decoradas con una franja a lo largo del borde inferior del asiento y de los muertos. La tela de tapicería se une generalmente a las uñas con grandes sombreros dorados. Poniendo - pelo de caballo. En este momento, aparecen los primeros sofás, que recuerdan a las tres sillas interconectadas con una sola espalda y asiento en general. La parte superior de la parte posterior de tales sofás tiene una línea barroca ondulada, como si una línea repetida de las sillas conectadas. Los sofás se basan, como regla, seis u ocho patas. Se hacen piezas de tipo tapiz (por separado para el respaldo y para el asiento) en fabricantes de tapices, Bove o Ourusson. Tales tonos brillantes y saturados del tejido están hechos con divorcios ornamentales, los colores de tamaños grandes o decorados con imágenes de aves, animales pequeños, etc. Las piezas blandas de muebles comienzan a cubrir con cubiertas removibles.
En la segunda mitad de la Junta de Luis XIV, hay sillas cómodas con respaldos característicos, sobre los cuales se hacen dos protuberancias para fijar la cabeza de la persona sentada, y los primeros salones de chaise (desde el fr. Chaise Longue es una silla larga ) En forma de una forma alargada o sillas con un sillón unido a ellos.
Para el barroco francés, una decoración muy magnífica de camas de palacio también es característica. Las camas tienen cavidades, cortinas de lujo y drapetes con lambrequines, así como satén, colchas de seda y capas, que son elementos de madera casi completamente escondidos de los recintos de la cama. Telas muy populares con el patrón oriental sobre temas japoneses y chinos (ramas de Sakura floreciente, aves, flores, etc.), llamadas. Japón. Tales tejidos se utilizaron no solo para decorar habitaciones, sino también en forma de manteles, cortinas, cortinas y cortinas en las ventanas y puertas. En los dormitorios reales, Alcove golpeó el resto de la habitación también con una balaustrada decorativa. En las habitaciones delante de las habitaciones, las llamadas. Belleva, las cómodas fueron instaladas. Cabe señalar aquí que las habitaciones del siglo XVII. Se consideraron locales paradicales en los que los invitados a menudo tuvieron lugar. Desde la segunda mitad del siglo, se extiende un tipo de muebles de ocio que se encuentran en un sofá (desde el p. F. Coucher, para dormir), similar al tipo temprano de tumbona, en seis u ocho patas, tiradas, en forma de un banco suave extendido o una banqueta con una cabeza hacia atrás en la siguiente o tres espaldas (longitudinal y dos en los extremos). Este tipo de mueble comenzó a llamar al canape. La pantalla incluye las pantallas que bloquean la chimenea ZEV. Las pantallas se aprietan con telas de tapicería.
Hablando de muebles franceses barrocos, debe destacarse especialmente en los muebles del palacio hechos al estilo de BUL. Tal estilo es el nombre del famoso fabricante de muebles de la era de Louis XIV Andre-Charles Bul, flamenco por origen, quien trabajó con sus cuatro hijos. El mueble en este estilista fue exitoso y se extendió en el siglo XVII, y en casi solo el siglo XVIII. No solo en Francia, sino también en otros países. Muebles en el estilo de BUL, causando muchas obras imitativas de arte de muebles, incluso en Francia, fue muy popular y en Rusia, sin embargo, a la auténtica A.S. Bulo no tenía una relación.
Mueble Boulev es monumental, tiene formas simples y está extremadamente decorada, se puede decir, se puede decir, con la ornamentación. Estos son gabinetes, gabinetes y gabinetes para monedas, horas de pie, cómodas, mesas, etc. Por lo general, tales muebles. Madera contrachapada de Boule en árbol negro y decorado con incrustaciones e inserciones del bronce dorado. Los planos limpios de los objetos de los muebles fueron interpretados por ambos paneles, que mostraron imágenes peculiares con una composición cerrada, completamente cubiertas con patrones barrocos en forma de rizos entrelazados, lobos, guirnaldas, grotescas, masculinas, hojas, colores, tomas, etc. A veces, en el centro de tal "el ornamento fue colocado jarrones con flores y flutses alrededor de mariposas anotados desde un árbol de color, o una composición independiente con una figura humana hecha por un terreno débil de bronce dorado, de pie sobre un pedestal especial, rodeado de extraños rizos. Bul ornamentación es estrictamente simétrica y tiene una conexión directa con los motivos renacentistas y con la decoración de la antigua Roma, por lo que hay muchas composiciones figurativas sobre el tema de la antigüedad, trofeos, es decir, composiciones de espadas, ligamentos dictorous, escudos, cascos, laureles y hojas de roble, etc., en los primeros tiempos. un Boule hace armarios y armarios para monedas y medallas que son imitados por los gabinetes de Florencia con incrustaciones de piedra sólida (Pietra Dura). booleanas armarios están decoradas con motivos de flores y pájaros Realizado en una técnica incrustada con madera de color - Intarsia.
El segundo, el período más tarde en el estilo de estilo de Bul se caracteriza por el predominio de incrustaciones del caparazón de tortuga, latón, estaño, plata, perla, masa de vidrio, etc. Bajo la abundancia de la decoración de la superficie de madera de la El árbol casi no es visible. Elementos del ornamento, hechas, por ejemplo, de la tortuga impuesta a un fondo de metal brillante, se furified por el marco en relieve hecha de bronce fundido de oro. En otros casos, los patrones barrocos, tallados de latón (cobre), estaño o plata, parecían muy exquisitamente contra el fondo de un plato pulido de la cáscara de tortuga, enfatizando las decoraciones más grandes hechas de bronce dorado pintado.
Por sus trabajos incrustados, A. BUL aplicó un tipo de técnica, que él, verdad, no inventó, sino que se llevó a la perfección más alta. Por ejemplo, para obtener elementos individuales del adorno planificado, dos placas, una tortuga y latón (cobre), ligeramente pegadas entre sí, y el dibujo del elemento patrón articulado se aplica a uno de ellos. Luego, simultáneamente a través de ambas placas a lo largo del contorno, este elemento del adorno está impulsado por un rompecabezas hasta que cae de las placas en forma de dos iguales en el Abis, pero diferentes partes de los detalles.
Esta técnica proporcionó el mejor ajuste de los elementos del adorno y los antecedentes entre sí, la capacidad de crear simultáneamente dos imágenes idénticas, pero diferente en color, textura y textura del adorno y la falta completa de residuos, lo cual fue muy importante. cuando se usa materiales valiosos. En el idioma profesional de los hornos, se llamó una placa de tortuga con un patrón de latón (cobre) de latón, latón con inserción de tortugas, la segunda. Si se concibió un patrón con el uso de la lata, entonces la húmeda y la recepción de elementos individuales y unidades con los orificios a través de los orificios, coincidiendo con precisión con el ABI de estos elementos, se realizó a través de tres placas.
Se utilizó una cáscara de tortuga en la era barroca no solo para objetos de muebles de incrustación. La técnica del pico se usó (desde el fr. Piquer - Rolling) cuando se encuentra en la placa de la tortuga, de acuerdo con la figura, se remacharon los segmentos precalentados del cable dorado. Cuando el cable se enfrió, los segmentos cubiertos en la superficie de la placa, que luego se pulieron a fondo. En la superficie de la placa, se obtuvo un patrón de encaje ligero y muy elegante, que consiste en pequeños puntos dorados brillantes. Tal patrón se complementó a menudo por forros de perlas y oro.
El Museo Hermitage tiene una mesa pico, que fue hecha por orden de Louis XIV en la fábrica de tapices. Fue pensado como un regalo para la reina de Portugal.
A principios del siglo XVIII. Las formas de estilo rectangular de BULL se ablandan, aparecen líneas curvas redondeadas. Se reduce la cantidad de dorado, dando paso a la belleza del árbol natural.
Una de las caras de la era barroca barroco en Francia - el arte de un estilo grande, o el estilo de Luis XIV - es la creación de objetos de mobiliario, en el que la libertad de construcciones compuestas de los elementos principales de la forma, excesiva, la abundancia y la riqueza de la decoración están limitados y equilibrado por un edificio tectónica clara y lógica, razonable de su estructura de volumen-espacial. Todo esto indica el impacto obvio y la penetración de los principios renacentistas en el barroco francés.
PERÍODO DE MUEBLES FRANCESOS REGENCIENDO (primer cuarto del siglo XVIII). Estilo de regencia
La transición de la majestuosa era barroca de Luis XIV a Rococo ocurrió a través de una etapa intermedia, que es habitual para llamar al estilo de la Regencia. Este estilo de arte francés, incl. Y los muebles, fueron característicos del primer cuarto del siglo XVIII. En este momento, el tío nativo del futuro Rey de Francia, Luis XV, Philip Orleans, se convierte en 1715, con él regent y gobierna el país. Surge un nuevo estilo de transición, que facilita gradualmente las formas de objetos de muebles y su decoración, al tiempo que mantiene la estructura y la línea principal de sus formas, y de muchas maneras el adorno del estilo de Louis XIV. Es cierto, ahora en motivos ornamentales, la lista de Acanta se cumple cada vez menos y el patrón ornamental de inclinación está ocupado. En el siglo XVIII. El Royal Yard y todo el francés saben pasar una gran cantidad de dinero en los muebles de sus apartamentos, los muebles comienzan a ocupar un lugar importante en sus vidas. El lujo de la decoración se hace más sofisticados y menos solemnes y pomposos. Incluso hay una cierta oposición al mobiliario de las principales instalaciones y cuartos residenciales, que se llenan con los muebles de un más acogedor, la comodidad adecuada, los gustos y el estado de ánimo de una persona que vive aquí. Las sillas y los sofás ahora están divididos por los llamados. La situación, que se instala a lo largo de las paredes y tiene un lugar estrictamente definido, y más movible, coloque en grupos en cualquier ubicación conveniente, por ejemplo, alrededor de la mesa.
La forma de las sillas, las sillas, los sofás cambian gradualmente: las prendas casi desaparecen aquí, y las piernas están cada vez más dobladas, la espalda en las sillas se hace más alta, pero gradualmente se vuelve más baja, aprense. El asiento es aún más suave y más amplio teniendo en cuenta la ropa portátil. Cuando las damas comenzaron a usar Panny Fizhma muy amplia, los Elbades se fueron a los lados, afuera, con el propósito de sentarse y levantarse. La decoración de estos asientos para asientos se conserva en forma de hilos en relieve y obstinada de piezas de madera y tapices de tejido de tapicería de lujo o terciopelo. En la tapicería, no solo hay tapices suaves, sino también las alfombras tejidas dilatadas suaves con un patrón de flores que fabrica la fabricación de Savannerty.
En la composición del mueble del gabinete, hay una negativa de los principios arquitectónicos de su construcción. Los gabinetes dejan de recordar a los edificios con su decoración arquitectónica, en primer lugar, sus partes de fachada. En lugar de gabinetes y gabinetes, se da preferencia al cofre. La cara de la fachada delantera de la estuche del pecho se dobla suavemente, como si estuviera hinchándose, y su borde inferior se realiza con una protuberancia similar a una onda en el medio. La carcasa del tórax está en alta curva, desplegada en los lados en relación con el plano de la fachada con las piernas cubiertas con hilos y se decoran con revestimientos adicionales de bronce en forma de adornos de plantas con figuras y cabezas humanas. Las esquinas de las tops de la mesa están girando y sus bordes están perfilados. El núcleo del tórax está decorado con un árbol típico en la técnica de marquetería, así como decoraciones de bronce. Para un conjunto, generalmente se usa, como regla general, no solo un árbol negro, sino también el árbol de otras rocas valiosas traídas del extranjero.
La composición de las decoraciones decorativas sigue siendo simetría, pero en la forma y colocación de elementos individuales de adornos, rizos, ramos, figuras y cabezas, hay una gran facilidad y libertad de soluciones que en la decoración de los muebles del período anterior.
Estudios de materiales usados. Beneficios: Grishin a.a. Un breve curso de la evolución del estilo de los muebles - Moscú: Arquitectura-C, 2007
estilo barroco floreció en Europa en el siglo XVII, surge un siglo antes en Italia, donde los maestros locales trataron de exaltado su significado cultural para traer ciertos excesos en todas las ramas del arte y de la personalidad, incluyendo en la arquitectura.
Antes de Rusia, el estilo arquitectónico de Barochko alcanzó la ventana "Ventana usada" por la ventana de Peter I "a Europa" con una ingesta justa, encarnada completamente en el siglo XVIII, cuando el clasicismo ya se ha fortalecido en Europa. Pero el retraso en la vista del tiempo fue más que compensado por la grandeza de los edificios barrocos de los conjuntos urbanos y de señoras de la capital y otros lugares enamorados de ruso. Además, el barroco ruso, al igual que otras tendencias culturales extranjeras que ingresan al país, encontró nuevas, no características para las características barrocas europeas, criando estilos puramente domésticos, como Stroganovskoye, Golitsyn y Naryshkinskoye Baroque.
El estilo barroco estaba encarnado principalmente en proyectos de iglesias y templo. Los famosos monumentos arquitectónicos se pueden atribuir a la iglesia de la intercesión en Filya, la Catedral de la Asunción en Ryazan, el monasterio de Novodevichy, la iglesia de Bryansk Sretennaya Nekra en el monasterio de Sven, la Iglesia de la Virgen Madre de Dios en Dubrovitsy, no lejos de Podolsk, y muchos otros templos. Naryshkinskaya Barroco en la arquitectura se caracteriza por una larga longitud, una centricidad, equilibrio y simetría, elementos blancos sobre un fondo rojo.
Templo de los signos de la Virgen en Dubrovitsy, Golitsyn Baroque
La iglesia del signo de la Santísima Virgen María en Dubrovitsy absorbió los elementos de la arquitectura italiana, alemana, sueca, francesa y rusa. La abundancia de detalles y hilos arquitectónicos son columnas adecuadas, rizos, pinceles de uva, flores, hojas, así como las esculturas de los ángeles y los santos, hacen del templo con un espécimen único de la arquitectura de la iglesia. En lugar de la cúpula tradicional, la iglesia corona la corona dorada. 
La autoprocusión de las direcciones arquitectónicas de barroco en Rusia proviene de los nombres del nacimiento, patrocinó la construcción de las estructuras más significativas de esta era, que, por supuesto, poseía sus propias características características. En general, la diferencia entre el barroco nacional de los europeos se puede rastrear en la simplicidad y las estructuras compuestas. La diferencia también se puede encontrar en detalle, por ejemplo, en los materiales de acabado utilizados. En Europa, se usó una piedra para el revestimiento, los maestros rusos se usaron yeso y yeso, que, a diferencia de la piedra, podrían ser pintados. Es por eso que las estructuras arquitectónicas del barroco ruso, por favor, los ojos con un rodillo de contraste brillante. Básicamente, se usaban pinturas rojas, azules, amarillas y blancas, así como sus combinaciones, y una lata blanca y varios dorados se utilizaron para el techo.
En la decoración de las fachadas, se usó un modelado ornamental, en el que apareció claramente los elementos del sabor ruso tradicional. Los arquitectos occidentales, que buscan superar a los competidores, utilizan activamente los signos místicos y los símbolos, que tampoco son típicos para el barroco ruso, aunque, la justicia por el bien de los arquitectos extranjeros, que construyeron las fincas señoriales para las primeras personas del imperio en la capital y su Los alrededores, todavía recurridos a los receptores tradicionalmente europeos. Pero en el interior, donde se filtró originalmente el barroco por los esfuerzos de Boyarin Lion Naryshkin, las tradiciones locales estaban casi completamente prevalecidas en la decoración.
Iglesia de la Intercesión en Fil 
La Iglesia de la Intercesión de los Santísima Teotobos de los filients, construida en los príncipes primarios de Naryshkin, es uno de los mejores representantes del Barroco de Moscú. La iglesia en este pueblo suburbano fue conocido desde 1619. - Esta pequeña iglesia de madera de la intercesión y le dio el nombre de una nueva belleza barroca de lujo de dos pisos. 
Monasterio de Novodevichy en Moscú
La gran morada de la principal virgen "Odigitria", el nuevo monasterio de Devich de la mujer ortodoxa en Moscú (monasterio de Novodevichi Virgin-Smolensky) - Puso el Gran Duque Vladimir y Moscú Vasily III en 1524 en honor del Santuario Principal de Antiguo Smolensk - Los Iconos de la Madre de Dios Smolensk. 
La construcción activa comenzó en el monasterio durante el reinado de Sophia Alekseevna. Casi todo el conjunto arquitectónico del monasterio (excluyendo la antigua catedral de Smolensky) fue construida precisamente entonces, en el nuevo estilo de "Moscú barroco". En un corto período de tiempo, el campanario, las iglesias notables de las puertas del norte y sur, el templo de la asunción con la cámara de alimentos, dos edificios residenciales para las hermanas de la reina Sofía - Tsareven Mary y Catherine. 
El conjunto arquitectónico del monasterio, que se ha desarrollado en los siglos XVI-XVII, no ha cambiado cambios significativos desde entonces. Como una preservación excepcional de una muestra de Barroco de Moscú, se elevó bajo la protección de la UNESCO y declaró la propiedad de toda la humanidad.
El estilo barroco en la arquitectura de los lugares de los eventos ceremoniales y seculares de propiedades superiores enfatizó el poder y el bienestar. Imperio ruso Esos años. No solo externo, sino también la decoración interna de edificios no tenía igual en toda Europa. El arquitecto más destacado de ese período se considera que es Bartholomew Varfolomeyevich Rastrelli, un representante de la T.n. Elizabethan barroco. Entre sus obras se recuerda por los magníficos palacios de invierno, Stroganovsky y Vorontsov, la iglesia de Andreevsk en Kiev, el Palacio de Tsarsko Seli Ekaterininsky, un monasterio Smolny. Estas instalaciones se ven afectadas por sus escamas y acabados de maquillaje.
Palacio de Catherine
Sucedió que mi nacimiento es Catherine (grande), el palacio le debe las brillantes anfitrionas, tres mujeres-Emperatriz, Catherine I, Elizabeth Petrovna y Catalina II, a las que el palacio pertenecía al siglo XVIII y que prestaba gran atención a su construcción. Sus fantasías, proyectos y gustos personales encarnaron a cientos de arquitectos talentosos, artistas, jardineros. 
El palacio erigido en el estilo barroco admira su tamaño, poderosa dinámica espacial y la "pintura" de la decoración. Una vista amplia de la cinta de fachada con columnas de nieve blanca y un adorno dorado se ve festivo. Palacio Fachadas Rastrelli decoró las figuras de Atlanta, la carinajería, las máscaras de leones y otras decoraciones de estuco, hechas en los modelos de escultor i.-f. Bunker 
Entre otros arquitectos, la era barroca puede ser asignada por Mikhail Zemtsov, Dmitry Ukhtomsky, Domenico Trezini, Savva Chevakinsky. Estos hombres sobresalientes dejaron detrás de tales monumentos de la arquitectura barroca rusa como la iglesia de Fedorov en San Petersburgo, erigido entre otros cinco capítulos de Templos de San Petersburgo sobre el proyecto de Trezini, el Palacio Sheremetyevsky, que fue desarrollado por Chevakinsky. Entre otros monumentos del período barroco, la catedral de Petrogavlovsky se puede recordar en Kazan, la Torre Menshikovskaya en Moscú, la iglesia de Stroganov en Nizhny Novgorod, la iglesia Forerotchean en la Trinity-Sergiyev Lavra, Pyatnitsky Well Capilla en Sergiev Posad y muchos otros.
Iglesia Andreevsky en Kiev
La Iglesia Andreevsk es un monumento de historia, arquitectura, pintura y arte decorativo del siglo XVIII de importancia mundial.
Fue construido sobre el orden de la emperatriz rusa Elizabeth como parte de la residencia tsarist de Kiev, que consta del Palacio Real (Mariinsky) y la Iglesia del Palacio. 
La iglesia fue construida en 1747-1762 en el estilo barroco en el proyecto Rastrelli, retenido no solo las formas arquitectónicas auténticas y el mayor porcentaje del acabado exterior, sino también en total constante a nuestros días, su decoración interior, que es un modelo perfecto. De la iglesia ortodoxa interior del estilo barroco. 
Creación conjunta de un arquitecto brillante F.-B. Rastrelli, las manos humanas y la naturaleza dieron lugar a monumento únicoQue, debido a la facilidad, el refinamiento de la composición, la fusión armoniosa de todas sus partes en una sola entera y la conexión con la naturaleza circundante, se convirtió en la obra maestra de la arquitectura de la era barroca y sirvió como una muestra insuperable para imitar En la construcción de estructuras religiosas. La comunidad mundial de la construcción de la Iglesia Andreevsky figura en el catálogo "1000 maravillas de la luz. Obras maestras de la humanidad de los cinco continentes "Publicado en Alemania en 2002. Dado el extraordinario valor del monumento, se propuso hacer la Iglesia de Andreev en la Lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO.
Palacio de Invierno
Permado con luz, espumosos y espejos, el interior ocupa toda la altura del edificio del palacio de invierno. 
El pintoresco estatal con la imagen de Olympa (Diciano Gasparo, siglo 18) aumenta visualmente la altura de la habitación. La decoración decorativa de las escaleras incluye obras escultóricas que llevan a Peter I de Italia: "Poder", "Antinea", "Diana", "Justicia", "Poder". .
Palacio de invierno, escalera jordana
La escalera gramista blanca, a partir de la galería principal, diverge dos marchas amplias, que nuevamente están conectadas desde la plataforma superior. 
El efecto del efecto de la teatralización barroco es sorprendente la imaginación: la primera marcha sombreada de las escaleras contrasta con su volumen principal, donde parece que el espacio se levanta, reflexionando en los espejos y rompiendo el infinito de la pintura ilusoria del arco. Diez columnas monolíticas de las escaleras de soporte de granito serdobol. 
En 18 v. La escalera llamada Embassy: los embajadores de los poderes extranjeros la subieron, dirigiéndose al palacio en la recepción. La escalera abre la entrada a las dos abrasiones delanteras del Palacio: Neva y el principal que conduce al St. George Hall y una iglesia grande. El pasaje en el entorno principal repite el camino de las solemnes ceremonias de la mitad del XIX - el comienzo del siglo XX 
Más tarde, la escalera fue llamada el Jordania, sobre él durante las vacaciones del bautismo de la gran catedral del palacio de invierno, la procesión bajó a la Neva.
Catedral de Petropavlovsky, Kazan
La catedral de Petropavlovsky es una muestra excepcional de Naryshkinsky Barroco. Forrado en 1722. El complejo del templo incluye la catedral real, el campanario y construido más tarde la casa de la fiesta.
Altura \u003d "659" alt \u003d "(! Lang: Petropavlovskij (900x659, 206kb)">!}
Construido en un lugar exaltado, hermoso y majestuoso, la catedral se distingue por una decoración única. . La apariencia única de la catedral se adhiere, en primer lugar, la decoración, la abundancia de detalles de fachada preservada a nuestros días y su colorante brillante. 
Monasterio Smolny
Construido en el estilo de exuberante barroco elizabetano con elementos tan arquitectónicos, como el lug-cabello, los inhibidores, el color azul pintado, suave, la cúpula, en gris. El Cinco Capítulo de la Catedral se cumple plenamente. Según el proyecto original, Rastrelli planeaba construir una catedral unifunciable sobre la muestra de los templos europeos, pero la emperatriz Elizabeth apenas insistió en el ortodoxo de cinco gravantes. Como resultado, la catedral fue construida de cinco chapted, pero solo una, la cúpula central se refiere directamente al templo, los cuatro restantes, el campanario. 
La cúpula central se encuentra en el tambor y en tamaño es mucho más que el resto, tiene una forma de casco, se desmorona en un hierro a granel ubicado en una linterna, teniendo un gran tamaño. Cuatro campanarios idénticos tienen una forma cóncava y consisten en dos niveles, en el segundo nivel, hay una campana, cada una de las campanas se coronan con una pequeña cúpula bulbosa. Verter en el coro de coro del Instituto Smolny, la fachada de la parte inferior de la catedral de estilo arquitectónico es mucho más recordable del palacio, en lugar del templo. La segunda parte de la catedral con una sección, en comparación con ella se ve fácil y aspirante 
Iglesia de Juan el guerrero en Yakimanka (Moscú)
La arquitectura del edificio combina elementos de los estilos del barroco de Moscú con el barroco ucraniano, y la influencia europea, común en la arquitectura rusa durante Peter. 
El reinado de Barochko en Rusia fue de corta duración. En un esfuerzo por mantenerse al día con las tendencias europeas, a mediados del siglo XVIII, el Metropolitano, y después, y los edificios provinciales comenzaron a adquirir las características de Rococo, y en el último trimestre del siglo XVIII, el clasicismo vino a reemplazarlos. , reemplazando el lujo y la grandeza, sobre el racionalismo, la simplicidad y la monumentalidad de las formas antiguas.
Pero los conjuntos arquitectónicos barrocos aún nos por favor, por favor, con sus estilos, formas y belleza única.
estilo de la obra maestra de la arquitectura barroca.
Introducción
1 El surgimiento de Barochko.
2 características de arquitectura barroca
2 arquitectos barrocos
Conclusión
Bibliografía
Introducción
El estilo barroco nace en Italia y se distribuye en la mayoría de los países europeos, adquiriendo en cada uno de sus rasgos nacionales especiales. La ocurrencia de barroco fue determinada por la nueva globilidad, la crisis del Renacimiento Mirosoznia, la negativa de su gran idea de una personalidad armoniosa y magnífica universal. Ya, en virtud de esto, la aparición de barroco no se pudo conectar solo con las formas de religión o la naturaleza del poder. En el corazón de las mismas ideas determinó la esencia del barroco, hubo una comprensión de la multiformidad del mundo, sus profundas contradicciones, el drama de la vida y el propósito de una persona, hasta cierto punto a estas ideas una influencia y fortalecimiento de Búsquedas religiosas de la era. Cuenta con diferencias de detalles barrocas en el mundo y la actividad artística de varios representantes, y dentro del sistema de arte actual coexistió muy poco similar a los flujos artísticos.
El estilo barroco en la arquitectura es la fluidez y la suavidad, donde las formas irregulares complejas se desplazan, se fusionan, formando un entero único con el espacio circundante.
La arquitectura de este estilo se caracteriza por una gran cantidad de esculturas, columnas y pilastras.
La arquitectura de barroco se basa en la grandeza del Papa y la Iglesia Católica, así como en la variedad y complejidad del mundo. Es por eso que es tan monumental, majestuoso y baundente.
El florecimiento de este estilo se asocia con la formación intensiva de estados nacionales, el fortalecimiento del absolutismo. A diferencia del Renacimiento precedente, el barroco se caracteriza por no equilibrio y armonía, pero en negrita, a veces dramáticos efectos de la composición, los colores, las melodías, el ritmo, el virtuoso y las magníficas formas e imágenes. Los elementos expresivos brillantes barroco, incluidas las voliciones curvilíneas, las torres con las cúpulas, enmarcando la fachada principal, a veces las paredes cóncavas o convexas están presentes en la arquitectura de muchos monumentos de este estilo. El barroco con el catolicismo con el catolicismo está más claramente rastreado, este estilo se ha convertido en el mayor desarrollo precisamente en el campo de la dominación de la Iglesia Católica.
propósito papel a plazo - Estudiar la historia de la arquitectura barroca; La historia de la aparición de barroco; Características de la arquitectura en el estilo de barroco, sus características, proporción con otros estilos, diferencias; La historia de la arquitectura en diferentes estados.
Explora la historia de la arquitectura barroca.
examine las obras maestras arquitectónicas en el estilo barroco, a saber, considere la arquitectura barroca en diferentes estados.
Asunto de la investigación - Obras maestras de estilo barroco
Capítulo 1. Historia de la arquitectura barroca.
1 El surgimiento de Barochko.
En el siglo XVI. En algunos países, bajo la influencia del movimiento reformista, el poder de la Iglesia Católica ocurrió, por lo que en el período posterior, la Iglesia hace esfuerzos significativos para devolver las posiciones perdidas. Al mismo tiempo, se fortalece la dominación de las autoridades seculares. Nuevo estilo de Arte - Barroco: cumple con el deseo del poder y la riqueza por expresión externa.
El estilo barroco apareció en Italia como resultado de la evolución adicional del estilo renacimiento. Sus formas "visibles", comenzó a comprender desde el final del siglo XVI. Desde Italia, Barochko se aplica en toda Europa, donde prevaleció desde el final del XVI hasta mediados del siglo XVIII, en algunos países se manifiesta antes de la segunda mitad del siglo XVIII, y al mismo tiempo en ambas direcciones. En Alemania y Austria, la construcción de estructuras monumentales en el siglo XVII casi se ha llevado a cabo en relación con la guerra de treinta años y sus consecuencias, así como en Inglaterra, donde se observan algunos signos de este estilo solo de la Medio del siglo XVII.
En el siglo XVII. La economía y el arte de los países europeos se han desarrollado activamente. Los poderes coloniales del Atlántico fueron especialmente fortalecidos, de España a Gran Bretaña; Francia fue considerada un país ejemplar de formas absolutistas de políticas económicas y económicas prácticas.
En la Italia fragmentada territorial, gracias al movimiento de contra-procesamiento, Roma adquirió un nuevo significado, y la construcción de edificios de culto recibió un fuerte impulso. La gran influencia fue proporcionada por el absolutismo francés de Louis XIV. Cada feudal, no importa cuán pequeño le pertenezca el territorio, copió su residencia de Versalles. Y cada obispo católico o abad esperaba, se quitó para imitar a Roma, la iglesia en forma de cúpula para fortalecer la influencia de las tendencias de contra-flujo.
La base de la economía de este período fue agriculturaPero estaba claro que no era suficiente para implementar programas de construcción. En este sentido, los grandes feudales comenzaron a ayudar a la creación de la fabricación, lo que contribuyó al desarrollo de las relaciones laborales capitalistas. A pesar de que la arquitectura europea de los siglos XVII-XVIII. No parece uniforme, siendo dinámico en Italia, serio en Francia, se combina con el concepto general de "barroco".
El estilo barroco vino a reemplazar el alto avivamiento (renacimiento) en Italia, en la patria renacentista. En aquellos días, Italia está agotada, los extranjeros se encargan, sin embargo, sigue siendo el centro cultural de Europa. Para demostrar a todo el mundo el derecho a una posición privilegiada, necesita un estilo que enfatice el poder, la riqueza y el lujo al mismo tiempo que carece de dinero en la construcción de palacios. Luego apareció el nuevo estilo barroco, lo que permitió la ilusión de poder y la riqueza crear técnicas de pintura, y no materiales costosos naturales.
1.2 Característica de la arquitectura barroca.
Para la arquitectura, el barroco se caracteriza por alcance espacial, mucínea, fluidez, formas complejas, generalmente curvilíneas, gradación, pompa y dinámica, elevación patética, la intensidad de los sentimientos, adicción a espectaculares espectaculares, combinando ilusorios y verdaderos contrastes de escala. y ritmos, materiales y texturas, luz y sombra.
Collisión de dulzura, tensión interna, movimiento dinámico de formas se están convirtiendo. rasgos característicos Contenido figurativo de las obras. Las composiciones arquitectónicas pierden las características del equilibrio armónico: el céntrico se sustituye por un rectángulo extendido, elelipse, el rectángulo cuadrado, la estabilidad de la estructura compositiva, la claridad y la claridad de las proporciones equilibradas: construcciones rítmicas complejas, movimiento masivo, variedad de proporciones. Al mismo tiempo, la irracionalidad de las formas se combina con algunas características racionales que fueron consecuencia de la reflexión en la técnica de los logros más nuevos del pensamiento científico. La búsqueda de artículos en algo consonante con la búsqueda de la ciencia. En el arte, en particular, encontraron un reflejo indirecto de la aplastamiento de las ideas habituales sobre el mundo de Jordan Bruno en el infinito del universo: una sola estadística holística, completada, comenzó a dar paso a la continuidad del desarrollo, el movimiento en " Infinito". La singularidad racional se expresó en la arquitectura barroca en la dominación del eje, la simetría, el principio volitivo.
Las características más brillantes del barroco en la arquitectura caracterizan a los templos, la construcción de la cual el catolicismo presta especial atención. Su plan, por regla general, es devuelto por la basilicidad medieval. Las composiciones están unidas a un carácter frontal axial con un fuerte énfasis en la fachada principal y el desarrollo profundo del espacio interno.
En lugar de un equilibrio tranquilo, el monolito plástico y la dinámica de la masa comienzan a prevalecer la masa y los espacios monolíticos. El pedido, que sigue siendo los principales medios de desmembramiento, pierde casi completamente las estructuras: su interpretación se enfatiza decorativa y plástica. Como si estuviera creciendo desde el interior de la pared, el orden se convierte en una parte integral de la matriz en sí, los medios de sus plásticos "escultóricos". En lugar de acordes con un hombre de escala, a menudo aparece la exageración deliberada de los tamaños de pedidos. En la composición de las fachadas, los elementos liberados de la orden generalmente se condensan al eje, enfatizando la entrada principal. La tensión interna tratada por la matriz de masa se enfatiza con elementos de plástico: voliciones, frontones masivos, frecuentemente desgarrados, nichos, marcos de ventanas y nichos, escultura, etc.
En la arquitectura de los palacios urbanos y residencias suburbanas, se distribuyen fachadas convexas y cóncavas. Una orden se vuelve menos funcional que en la era del Renacimiento, la decoratividad viene a primer plano. Columnas recolectadas, las pilastras que aparecieron columnas retorcidas, más las frontas de diversas formas compuestas entre sí (por ejemplo, en triangular), o rotas en medio de las frontinas con una cartón da edificios una combinación de plástico y la expresividad extrema, distinguían espectacularmente. portales. En general, el plástico siempre prevalece en las fachadas sobre las tectónicas. El palacio italiano es sorprendente por un orden colosal sobre el sótano inferior, los áticos pesados, una abundancia de decoración escultórica. Tienen un desfile, mirada festiva. En España, un sabor decorativo especial informa a los palacios para cubrir completamente la pared, como si la decoración escultural de la natación, ocultando completamente la membresía de la fachada (el llamado estilo de Churgeriec, en nombre del arquitecto X. Chubgerger).
En Francia, el tipo de palacio en forma de P, que consiste en una construcción central y rizalidades laterales predominantes. El edificio está inextricablemente vinculado con el parque, quebró detrás de él, y el Honorable Patio (Corte D "Honneur) frente a la fachada. El patio se lanza de la calle con un dorador con dorado. A menudo, tales enrejados eran maravillosas obras de Arte del arte barroco. Patios honorarios y mansiones de un personaje más íntimo que recibió distribución en el siglo XVII.
Con el tiempo, las cerraduras de los países adquieren una apariencia cada vez más del palacio. Los puentes de hierro a través de los RIP son reemplazados por edificios de vinculación de piedra con parques. Gracias a la innovación del arquitecto J.A. MANZAR, quien levantó el techo y adjuntó la sala del ático, en los palacios del país, como en la ciudad, aparecerá ático. Si agrega techos brillantes, establecidos por las baldosas de color "en un corrector" o la pizarra y se retorció en uvas de otoño o hiedra, resulta una imagen muy pintoresca.
En la construcción de mansiones urbanas y nacionales de Flandes, prevaleció la imitación del palacio italiano. Los portales fueron decorados con frones curvas, balcones - escultura y apoyados por los Caryiats o Atlants. Desde Alemania, las formas de una dibujos animados barroca transformados, que se asemejan a los contornos de la onda, la máscara, el cartílago (Cunpelverk, de él son prestados (Knorpelverk - "cartílago" y fueron - "trabajo") o cáscara para el oído (Ormushl). Se combinaron con un jugoso adorno escultórico a base de hierbas y dieron portales de exuberantes contornos expresivos.
En Austria, las mansiones también estaban soportantes en el estilo de los palacios barrocos italianos, pero los pisos inferiores se construyeron a menudo de bloques de piedra facetados (el llamado óxido de diamantes), y la parte superior decorada con distribuidores expresivos de pilasters, columnas, arcos con escultura. .
Algunas lavadas fuera de la fila total de la construcción del barroco holandés. Una rica casa burguosa aquí se veía mucho más modesta que los palacios de Francia, Austria y toda la más Italia. Debido al alto costo de la tierra en Holanda, solo pequeños kindergartes detrás del edificio eran comunes. Tradicionalmente, la alta frontona fortaleció el tramo vertical de tres, una casa de cuatro pisos. El ladrillo rojo, de donde se erigieron los edificios, complementó las piezas calmadas de la piedra blanca utilizada en el acabado.
Los interiores privados barrocos se distinguieron por extraordinaria solemnidad y pompa. Esta impresión nació en el primer momento, apenas entrante en el lobby del edificio con una escalera central de desfile, sobre la cual, en el bordado, el punto brillante, brilló el techo de techo pintado. En las Mansismas de Inglaterra, frente a las escaleras, se organizó un balcón especial con una balaustrada, seguida de la orquesta. Los pasillos delanteros estaban en el segundo piso, y a ambos lados del centro, el resto de las habitaciones. Las instalaciones de desfile a menudo estaban conectadas por una galería estrecha, decoradas con columnas, pilasters, estatuas o bustos, pintura, espejos. La colección de obras del arte de los anfitriones de la casa se concentró aquí. Las ventanas de la galería como regla fue al parque, y en la pared opuesta, los espejos fueron derramados. Por lo tanto, se creó el efecto del espacio de profundización, la unidad de arquitectura y la naturaleza.
El tema de la divulgación del espacio interior interior era uno de los centrales para barroco. Por lo tanto, el uso de espejos, la pintura de los techos por interminable dala celestial y figuras elevadas en las nubes características de los componentes de los interiores. Los techos fueron barajados y cubiertos con composiciones de frescos detalladas rodeadas por un dorado tallado o una decoración de pared, además de pintar, imitando las formas esculturas volumétricas. Había una sensación de que la pintura no encaja en el campo de la Plaza, va más allá de sus fronteras.
A veces, en los techos, pero más a menudo en el diseño de las paredes había paneles de madera tallados. Montaron retratos y otras obras pintorescas. Los planos de las paredes también estaban decorados con elementos de pedidos: pilastras, columnas retorcidas, voliciones y se utilizaron en pintura en el marco de guirnaldas escultóricas, peor. Desde España a otros países europeos, la moda muestra las paredes de la piel cordica en relieve con un patrón de oro, imitando los tejidos caros. En Flandes, las paredes se apretaron con seda y terciopelo. Los enrejados seguían siendo comunes, fueron sorbidos sobre paneles tallados. Los pisos se colocaron platos de mármol o mayólica. Las puertas estaban enmarcadas por panel-desesitems pintorescos horizontales (desde el fr. "Ubicado sobre la puerta"). La decoración interna de los palacios de Barochko fue inherente a un alcance decorativo especial, no comparable a ninguna otra era. En Ornamenik, el dibujo de guirnaldas pesadas de hojas y frutas, lobos, cartucho (del p. Cartouche - "Scroll"), Mascarons. También hubo motivos de arabesk retorcido, una variedad de fibras de la lámina acanitaria, tejido de cinta, transformado en un rodillo alemán caprichoso (cortada a lo largo de los bordes del kartush) o bandelvert (de él. Bandelle - "cinta"). Las líneas rectas apogen gradualmente los circuitos curvilíneos que dan la decoración a la dinámica y la pintura.
Colores en colores pastel que prevalecen y de moda color-enlucidos; Rojo, rosa, blanco, azul con acento amarillo-triculo convexo - un patrón asimétrico cóncavo; En formas, un semicírculo, un rectángulo, óvalo; Líneas de columna vertical; membresía horizontal pronunciada formal, en forma de cúpula y rectangular; Torres, balcones, elementos erkircrated interfaces a la grandeza y la pompa; escaleras frontales masivas; Columnas, pilastras, esculturas, estuco y pintura, adornos tallados; La relación de los elementos está decorada el sistema de construcción, tenso, dinámico; sujetado por la fachada y, al mismo tiempo, polivocircular masivo y resistente y rectangular; con decoración de vegetación en aberturas perimetudvúricas con columnas; Decoración de vegetales
Características distintivas del estilo arquitectónico barroco:
· En los nefores de la iglesia, a veces forma ovalada; techos abovedados. · Elementos arquitectónicos fragmentados o obviamente incompletos. · Uso dramático de la luz o los contrastes de la luz y la sombra, o la iluminación uniforme con algunas ventanas. · Uso lujoso de color y decoraciones (Putti (ángeles), figuras de madera (a menudo doradas), yeso, mármol artificial). · Frescos de techo a gran escala. · La fachada externa a menudo se caracteriza por una parte central claramente liberada. · Efectos ilusorios. Los techos a menudo están decorados con frescos grandes creando una ilusión óptica que estas imágenes son tridimensionales. · Cúpula en forma de pera (en particular, en el barroco bávaro, polaco, checo y ucraniano). · Mezclando géneros (arquitectura, esculturas y pintura). Capítulo 2. Obras maestras arquitectónicas barrocas. 1 arquitectura barroca en diferentes estados. Barroco en rusia Curiosamente, pero el término "barroco" en Rusia no se ha utilizado en Rusia. Entre los artistas, hubo conversaciones sobre las ventajas y las desventajas de neo-bises y neenesa, pero la palabra "barroco" fue diligentemente. La situación ha cambiado solo en a finales de XIX. El siglo, cuando Sultanov (investigador de la arquitectura rusa) introdujo en circulación el término "Barroco ruso". Bajo este término se entendió como la arquitectura de Rusia del siglo XVII (el período de Dopererov). Desde entonces, se considera que, en los años 40 del siglo XVII, nació el estilo del barroco ruso, después de lo cual desarrolló y terminó continuamente al final del siglo XVIII con las últimas obras de arquitecto V. I. Bazhenov. También se cree que el barroco ruso adoptó mucho del Renacimiento, se explica por el hecho de que el Renacimiento no pudo revelar plenamente a Rusia. El desarrollo del arte en Rusia se distinguió de los países de Europa occidental. Esto llevó al hecho de que el barroco en Rusia no vino contra el Renacimiento, sino como un símbolo de la finalización de la Edad Media. En particular, esto se reflejó en alguna elevación, pero al mismo tiempo sin ninguna popa adicional, el barroco ruso, que no se observa en las direcciones occidentales. Vale la pena señalar el hecho de que no todos los historiadores de arte toman el término "Barroco ruso", pero nadie argumenta con el hecho de que este término está en cierta medida condicional. Por signos, este estilo es el más cercano al manierismo. Barroco ruso: el nombre general de las variedades de estilo barroco, que se formaron en el estado de Moscú y en el Imperio Ruso al final de los siglos XVII-XVIII: · Moscú Barroco (desde las 1680 a la década de 1700, anteriormente, se llamó incorrectamente "Naryshkin Baroque"), el período de transición de la Patronía del Barroco Completo con la celebración de muchos elementos estructurales de la antigua arquitectura rusa, procesada bajo la influencia del barroco ucraniano. . · STROGANOV BAROCHKO: la congelación conservadora-provincial del barroco de Moscú, en el que se hacen cuatro templos en Nizhny Novgorod y en el norte. · Golitsyn Baroque es la dirección más radical en las profundidades del barroco de Moscú, que consistió en la denegación completa de la comunicación con la antigua tradición rusa. · Petrovskoe Baroque (de 1700 a 1720S) es un conjunto de modales individuales de los arquitectos de Europa occidental invitados por Peter I para construir una nueva capital, San Petersburgo. · BAROQUE ELIZABETAN (C 1730S a la década de 1760) - Híbrido de Petrovsky y Moscú Barroco con la introducción del norte. Los más totalmente incorporados en los grandes arreglos de F. B. Rastrelli. El último período fue más prolífico y brillante, también se llama el período de barroco ruso maduro. En este momento, el arquitecto Rastrelli está trabajando activamente en San Petersburgo. Rusia está tratando de ponerse al día con Europa y alespace con él en términos de desarrollo cultural. Estaba en Rastrelli que se le confió al deber darle a la capital con una apariencia adecuada. El italiano se enfrentó perfectamente a esta tarea, uniendo de manera concisa la técnica del clasicismo, el barroco y el rococó francés. Muchos investigadores creen que debido a esto en Rusia, la transición al clasicismo era ligera y natural. Para el barroco provincial en el norte y al este de Rusia, se caracterizan las formas simplificadas y las tendencias hacia el pintoresco chorro de volúmenes disminuidos consistentemente. A.yu. Capikov considera posible hablar sobre la existencia de escuelas provinciales barrocas en Totme, Great Usyug, Territorio de Vyatka, en los Urales (Iglesias "Pitubinsky") y Siberia. El barroco siberiano, que combinan el desarrollo de los convenios del barroco de Moscú, con préstamos constructivos del diccionario de la introducción barroca y decorativa ucraniana desde el este, se distingue. En el oeste Federación Rusa Monumentos tanto del barroco polaco (Iglesia en sí misma, 1625, Iglesia de Spasskaya en Trubchevsk 1640 g.). Actualmente, muchos de ellos están en un estado deplorable. Barroco ucraniano Barroco ucraniano o cosaco: una variación del estilo barroco en los siglos XVII-XVII en los siglos XVII-XVIII, para los cuales la combinación de soluciones decorativas-plásticas de Europa occidental barroco y renacimiento con el procesamiento creativo del patrimonio de la arquitectura ortodoxa y La antigua arquitectura rusa es peculiar. El surgimiento del barroco ucraniano está asociado con el aumento de la liberación nacional en el entorno de cossack, que brinda barroco ucraniano la importancia del estilo genuinamente nacional. En la orilla izquierda y Slobozhanchina, en el diseño de las iglesias de la tradición de la arquitectura de madera popular, más que aquellas anteriores a las tradiciones de los departamentos ortodoxos. El nacimiento del barroco ucraniano se toma para contactar con la actualización de los templos de Kiev y Chernihiv de la época Domongolsky con Peter Mogile metropolitano y sus sucesores. Por primera vez después de la caída de Kievan Rus, las iglesias ortodoxas fueron lanzadas en gran medida. Los arcos colapsados \u200b\u200bo dilapidados de los templos a menudo se desplazaban, las cúpulas se unieron a la pera característica o una forma en forma de tina, cuando otra "bombilla" buscaría otra. El tambor podría estar estropeado con una cúpula en forma de un hemisferio, que estaba satisfecho con otro tambor con otra cúpula de un matón o forma cónica. Al mismo tiempo, en contraste con el "estilo ruso", el diámetro de los "bulbos" es menor que el diámetro del tambor. El color de las cúpulas es dorado o verde. Una decoración barroca fraccional (semi-colonges, risals, pórtico) con una imagen de adornos de plantas y ángeles se superponen sobre estructuras monumentales con cruce. Los edificios estaban descendidos o colocados en colores blancos y azules contrastantes. La catedral del monasterio de Yelets en Chernigov, la Catedral de Sofía en Kiev, la Catedral de la Asunción del Monasterio de Kiev-Pechersk, las catedrales del Monasterio de polvo de Votubitsky y Mikhailovsky en Kiev pertenece al número de monumentos antiguos. Entonces apareció un campanario en los antiguos monasterios rusos de Ucrania. Estas estructuras de palangre se construyeron por separado de los templos y fueron coronados con una masiva cúpula de pera. Muchos monases fueron adquiridos por una cerca de piedra decorativa. Los constructores de catedrales en monasterios relativamente nuevos se centran en muestras antiguas. De acuerdo con el canon ortodoxo, estos fueron templos de cruz, triccide, cinco chapted, cuatro o seis estrellas. Al mismo tiempo, estaban decorados en la manera "polaca" (barroca), las fachadas a veces estaban escamas con torres. A los monumentos de este grupo pertenecen a catedrales "Mazepinsky" - Troitsky en Chernigov (1679-95), Catedral militar de Nikolaev (1690-96), Catedral de Epifanía en el monasterio de Bratsky (1690-93) Los templos parroquiales, que fueron construidos por el "todo el mundo", y no en el orden estatal monástico, estaban más orientados en muestras de la arquitectura de madera de cosaco. Fue a partir de ahí que el plan de la Iglesia en forma de una cruz con células en las esquinas fue prestada desde allí, ya que se prestó una composición dinámica del volumen central. Se tomaron constructores de templos de piedra para una muestra de iglesias de madera rurales de tres y cinco tubos, y la forma de las cabañas de troncos generalmente fue de ocho marchas. En las iglesias de tres pipa, las octagues generalmente se alinean en fila a lo largo del eje longitudinal Este-Oeste (ejemplo, la Iglesia Nikolaev en Glukhov, 1693). En las iglesias occicas de cinco tubos, hay cruciformes, al mismo tiempo que hay cámaras en las esquinas, a veces altamente desarrolladas, alcanzando en una altura de dos tercios del volumen principal del templo (iglesia de Catalina en Chernigov, Catedral de la Asunción en Novgorod -Seversky). Los templos son muy raramente encontrados no sobre los tres y no alrededor de los cinco, pero aproximadamente a las siete (catedral cruzada en Poltava, 1699-1709; Iglesia de Spasskaya en StarDube) e incluso cerca de nueve tops (Catedral de la Trinidad de Ninebanted en Novomaskovsk, 1775-80 Catedral de resurrección militar en Starochierkassk. Cada casa de registro cruza la cúpula en el tambor dado. Para los templos del barroco ucraniano, se caracterizan una forma especial de capítulos completados por los maestros pequeños. La recepción favorita de los arquitectos ucranianos: "posibilidades", es decir, la finalización del templo en forma de varios niveles entregados entre sí, cada uno de los cuales se reduce a través del arco del anterior. La transición de una solución ancha a otra a una solución se resolvió utilizando el diseño original del arco en forma de una tienda piramidal cortada con el techo de contornos lisos. Entre los arquitectos del barroco ucraniano, Ivan Zherryny, Stepan Kovnir y Ivan Grigorovich-Barsk El barroco ucraniano tuvo un impacto significativo en la formación de Barroque Moscú, muchos maestros de los cuales eran inmigrantes de la orilla izquierda. Los préstamos arquitectónicos de Ucrania patrocinan a los jerarquíos de la iglesia que han sido educados en la Academia Kiev-Mogilyan. A finales del siglo XVII, en el estado ruso, después de Ucrania, los templos en forma de octuxhms reciben la propagación de los octuquitos (consulte a ocasión en los cuatro), a veces consistentes en tres volúmenes alineados en una fila (Iglesia de Tsarevich IoasaSafa en Izmailovo). Barroco en Commonwealth Barroco en el discurso de la Commonwealth: la etapa de desarrollo de la cultura, que cubrió el período desde el final del siglo XVI hasta el centro de la XVIII. Polonia tiene una larga y completa conexiones culturales y religiosas con Italia. En el siglo XVI, la propagación de las ideas del humanismo, apoyado en Polonia, primero por el patio real en Cracovia primero. Como resultado, inicialmente el avivamiento en Polonia recibió características aristocráticas. El verdadero compromiso con los maestros italianos, invitado por Sigismund Old, extendido a los magnates, un fiebre y rico en las ciudades. Entre las mejores instalaciones de Renacimiento de la Era - PERESTROIKA 1502-1536 Castillo de Wawel Gótico en el Palacio del Renacimiento Italiano Francesco Fiorentino (Francesco Fiorentino). Como en Italia, la Fundación Cultural Barroca en Polonia fue: · cultura del renacimiento tardío · manierismo depresivo. El manierismo sombrío tenía algo en común con la exaltación de la gótica tardía, cuyas posiciones han conservado durante mucho tiempo el poder en la cultura de Polonia en el siglo XVI. En este momento, la primera generación de arquitectos italianos-estilo jesuita, el primer barroco (Giovanni de Rossi, Giovanni Maria Bernardoni, Joanni Maria Bernardoni, ya está funcionando activamente en las tierras de Polonia. El barroco polaco prevalece una mezcla de influencias italianas, flamencas, más tarde, francesas. Los corazones de los primeros edificios barrocos en el discurso de la complicación: la Iglesia del Cuerpo del Señor, construida en la residencia de Radziwillov - La ciudad de Nesvizh - Arquitecto-Jesuita Giovanni Maria Bernardoni (1584-1593) por orden de Nicholas Radziwill. El segundo edificio temprano Baroco - Iglesia católica de San Pedro y Paul en Cracovia (Brigada de Arquitectos-Jesuit: Giuseppe Brichio, Giovanni Maria Bernardoni, Giovanni Battista Treviano). Para la muestra, tome el templo principal de los jesuitas, la Iglesia de Ile-Jesu en Roma, procesando creativamente su fachada. Se obtienen características barrocas y la primera secular en el nombramiento de la estructura (palacio de los obispos de Krakow, Kielce, 1637-1644, arquitecto Tomash Ponchino) con el patio interior, una logia abierta de la fachada de jardín, dos torres laterales en las esquinas de La estructura, techos barrocos. VILNA BAROQUE (LITUANIO) Y en ́ lensky Baro ́ kKO es el nombre condicional de la última etapa del desarrollo del estilo barroco en la arquitectura del templo del Gran Ducado de Lituania, en el territorio de la propagación de la Iglesia de Brest Enia, incluso en la Diócesis Vilen de la Iglesia Católica Romana. El sistema arquitectónico y artístico de Vilensky Baroque se distribuyó en la segunda mitad del siglo XVIII gracias a las actividades de los graduados del Departamento de Arquitectura de la Universidad de Vilen. Los orígenes del arquitecto barroco de Vilensky, Jan Christoph Glaubitz (mente 1767), que, reconstruyendo los templos existentes de la capital lituana, inspirada en los edificios modernos de Austria y Baviera. Mucho de los monumentos de Vilen Baroque, tienen los edificios polacos de paolofonato (por ejemplo, la catedral de la Sagrada Preobrazhensky (Dominicansky) en Vinnitsa). La popularidad especial ha recibido el estilo entre los católicos griegos; De ahí su segundo nombre, uniate barroco. Los ejemplos de Vilensky Baroque pueden servir: en el territorio de Bielorrusia moderno. · Catedral de Sophia reconstruida en Polotsk (1738-50), · Iglesia Petropavlovsk en Berezvechye bajo la región profunda de Vitebsk. (1756-1763), · Iglesia Uniate en Borunov (1747-1757), · Iglesia de Uniatskaya en altamente (1768), · Iglesia Pokrovskaya en el alimentador (1769-1779), · Epifanía y iglesias cruzadas en Wired (1769), · Asunción Catedral y Iglesia Ryn en Vitebsk (1772) · Iglesia carmelita en profundidad, construida en 1639-1654 y reconstruida en 1735 para el proyecto de Glaubitz en el territorio de Ucrania moderna. · Catedral Sagrada PREOBRAZHENSKY (Dominicansky) en Vinnitsa · La iglesia cruzada de Zodanznaya del monasterio basileño en Buchach. Para estos monumentos, el sofisticado verticalismo de las siluetas construidas en la simetría de dos torres múltiples con lumets de ventanas es característico. La libertad y la ligereza vienen a reemplazar la masiva restringida del barroco. La energía cinética concentrada dentro de los edificios parece ser volada. Los interiores son plásticos en el espíritu de rococó, las fachadas son onduladas, las fronteras están ricamente decoradas con escultura. Sobre la iglesia en Berezvechye, escribió: "El material de construcción aquí parece estar suavizado y nadamos las oleadas de curvas curvas y cóncavas". La catedral de Nikolaev en Polotsk, una iglesia excepcional de plasticidad en Berezves y otros monumentos de Vilen Baroque sufrió que se destruyeron completamente en la década de 1960 durante la última campaña anti-religiosa en la URSS. Después del colapso de la Unión Soviética, los monumentos arquitectónicos separados (por ejemplo, la iglesia de la resurrección en Vitebsk) fueron recreados en su forma original. Arquitectura barroca en Italia Italia es considerada la patria e inspiradora ideológica del barroco, donde las obras de arte de este estilo son las más brillantes e indicativas. El pintoresco trabajo de Caravaggio, la escultura de Bernini demuestra característica de la bocanada barroca y el dinamismo. La primera construcción barroca es la iglesia romana de Ile-Jesu (en nombre de Cristo), la iglesia principal del orden de los jesuitas, diseñada por Vigola (1507-1573). La construcción comenzó en 1568, cuando la Vigola murió, la iglesia aún no estaba terminada. La construcción fue completada por el estudiante de Vinol, un representante del primer Barroco Jacomo Della, que se adhirió al Plan Principal de Vigola. La iglesia era la etapa final en la larga evolución de la composición de los templos de la época del Renacimiento. En su plan y la decisión espacial, los dos principios son combinados: basílicos y céntricos. Borrons se alejó audazmente de los cánones clásicos, soluciones autorizadas, reglas anteriores, diseñó las instalaciones de complejidad sin precedentes. Este Borings es un verdadero heredero de la emocional arquitectura rica de Michelangelo Buonarot, más que Lorenzo Bernini o Pietro y Corton. Una forma interesante como el arquitecto barroco fue sostenido por Yuvara. Comenzó como una escena y asistente en la reestructuración de los edificios teatrales. No todos sus proyectos encontraron su encarnación. Pero anotó la experiencia desde el edificio hasta el edificio. Si la Fuente de Domenico (1543-1607) o Francesco Kartti (? -1675) usó el tipo de un bloque de bloques alargados sin jugar volúmenes, Yuvara fortalece la expresividad de sus palacios con la construcción diagonal, la rizalitis, el juego de varios volúmenes. La decoración se está volviendo cada vez más restringida, no evita la Rusa, Pilaster y Columnas, tan familiar para el clasicismo. Pero los edificios no se convierten en muestras de clasicismo, mientras mantienen la grandeza, la diversidad y la belleza del barroco. Una distinción importante del estilo arquitectónico de Yuvara se convirtió en siluetas extremadamente expresivas de edificios (Castillo de Stopper, Palacio Real de Madrid, especialmente la super basílica). 2.2 arquitectos barrocos Carlo Maderno (Carlo Maderno; 1556-1629) es uno de los fundadores del barroco italiano, un destacado representante de Barroco en Italia. La creación principal es la fachada de la Iglesia Romana de Santa Susanna (1603). Entre otras obras, Maderna puede ser notada por la Iglesia de Santa María Victoria (1605), San Andrea Business Valle (1608-1626). En 1628, construyó un enorme Palazzo Barberini. Giovanni Lorenzo Bernini (Giovanni Lorenzo Bernini; 1598-1680) - El gran arquitecto italiano y escultor, el mayor representante del barroco romano y todo italiano. Hijo del famoso escultor Piero Bernini Lorenzo. Comenzó a hacer esculpir en la infancia. A la edad de 17 años, ya pudo tomar un pedido para el busto de retratos del obispo de Santos, establecido en sus lápidas, y a los 20 años de edad, para realizar un retrato del Papa Pablo V. después de esto, pasó varios años para Creando cuatro grandes esculturas de mármol que le ordenaron el jardín en los amantes del palacio del arte y el coleccionista cardenal Borghese. Se supone que su creatividad es el estándar de la estética barroca. El trabajo más famoso de Bernini es Piazza San Pietro en Roma. Francesco Bartolomeo Rastrelli (Francesco Bartolomeo Rastrelli; 1700-1771) - El famoso arquitecto ruso de origen italiano, arquitectura académica. Dos sus obras más famosas: Smolny Monastery Ensemble y el palacio de invierno con su famosa escalera jordana. Los famosos proyectos de Kiev de Rastrelli son el Palacio Mariinsky y la Iglesia de Andreev en Kiev. Construido por orden de la Emperatriz Elizabeth Petrovna bajo el liderazgo de I.F. Michurina. En Alemania, un nuevo palacio en San Sousi es un destacado monumento en Alemania (autores - I.G. Bering, H.L. Mantter) y el palacio de verano allí (G.V. Knobelsdorf). Francois mansar. Arquitecto francés, el mayor barroco más grande, el fundador de las tradiciones del clasicismo en Francia. Padre del clasicismo francés. De su nombre, la palabra "ático" (hizo constantemente las habitaciones debajo de los techos). Las obras más famosas son: Iglesia de Val de Gross, Castillo en Blois, Palacio de Meson-Luffit. Ivan Petrovich Zarudny - El artista ruso generalizado, uno de los fundadores de la nueva dirección en el arte ruso del siglo XVS, el autor del proyecto del Templo del Arcángel Gabriel en Pure Ponds. La originalidad del estilo arquitectónico decisivo de Moscú de este período fue que las dos de su opción, Staromoskovskoye y el barroco occidental, existían, ya que eran simultáneamente. Menshikova Tower se convirtió en un brillante monumento a la arquitectura de Novomaskovsk. Pietro Berretini, apodado Pietro da Corton (1596, Cortona - 1669, Roma), - Uno de los decoradores y arquitectos más grandes del barroco. Su patrón fue el Papa Urbano VIII. Grandes obras: Iglesia de St. Luke y St. Martina, la fachada de Santa Maria della Patcha, Santa María en Via Lat. Francesco Borings. Su nombre real es Castelli. Rival eterno Bernini. El arte de Borrombini fue una impersonación del grado extremo de individualización creativa. Ya lo anterior, la primera vez es un corredor en el Cuerpo de Jardín de PALAZZO Downturn (1632-1638) con una bóveda basada en dos filas de columnas toscanas ubicadas a lo largo de las paredes, "un ingenio excepcional está marcado. Creaciones excepcionales: San Carlo Alla Kuattro Fontana, Sant-Ivo Alla Sapienza, Sant-Aniese en Agone. LEVO LOUIS es un arquitecto francés, uno de los fundadores de la clasicismo francés. Fue el primer arquitecto real. Los edificios LEVO, el principal maestro del clasicismo francés, se distinguen por una elegancia estricta, la planificación de dificultad, la riqueza decorativa de la decoración interior (Hotel Lambert, de 1640, la universidad de cuatro naciones, desde 1661, tanto en París). Creación famosa: Hotel Lambera, Palacio en Versalles (fue la grabadora principal), Palacio de Louvrasky, V-Le-Viscount. Conclusión La cultura barroca ocupa un enorme espacio histórico: luz xvi-ser. Siglos XVIII. Su apariencia fue históricamente un proceso natural preparado por todo el desarrollo precedente. Nonododynakovo encontró su estilo de implementación en varios países, identificando sus características nacionales. Al mismo tiempo, tuvo características comunes típicas de todo el arte europeo para toda la cultura europea: el dogmatismo de la iglesia, que llevó a una mayor religiosidad; Un aumento en el papel del estado, la secularidad, comenzó la lucha de dos; Mayor emocionalidad, teatralidad, exageración de todo; dinámica, impulsividad; Decoratividad, pintura, excesividad de elementos. Para la arquitectura, el barroco se caracteriza por alcance espacial, mucínea, fluidez, formas complejas, generalmente curvilíneas, gradación, pompa y dinámica, elevación patética, la intensidad de los sentimientos, adicción a espectaculares espectaculares, combinando ilusorios y verdaderos contrastes de escala. y ritmos, materiales y texturas, luz y sombra. Estilo barroco perfectamente acostumbrado no solo en Europa occidental, sino también en suelo ruso. Reproducido en un árbol y piedra, se ha convertido en un símbolo de lujo y pompa, redundancia y excesividad. Bibliografía 1.Barroco. Bse. M., 1970. .Gran enciclopedia Kirill y Metodio. 2002. .Vorontchikhin N.S., Emshanova N.A. Adornos. Estilos. Motivos: Universidad de Udmurt, 2004. .Gallet p.p. Historia de las artes. M.: Ekso, 2002 .Círculo V.V. El problema de la aparición de barroco en Rusia // BAROQUE EN RUSIA. M., 1926. P. 13-42 .La historia del arte de los países extranjeros: a las 3 t. M.: Publicación Casa Academia de Artes de la URSS. 1964. T. 3. .Renacimiento. Barroco. Clasicismo. Estilos en el arte europeo occidental. / Ed. Willer. M.: Ciencia, 1966 .Diccionario moderno sobre ciencias sociales / ed. Og Danillana, n.i. Panova. M.: Ekso, 2005 En Ucrania, Barroco se caracteriza por características peculiares, en particular el uso de tradiciones de arte popular. Su estilo original se manifestó más brillantemente en la arquitectura de la orilla izquierda y Slobozhanchiny, reunida con Rusia en ... Arquitectura en el siglo XVII de Francia. Problema de estilo definitorio En Italia, el Renacimiento se extendió por Europa, habiendo ganado el gótico. Al final del avivamiento, se llamaba el estilo, llamado "barroco".
Ahora no es tan fácil ver las diferencias entre estas instrucciones en la arquitectura.
BAROQUE (ITAL. BAROCCO - "Freaky", "extraño", "propenso a los excesos"): estilo en pintura, arquitectura, literatura y música de los siglos XVII-XVIII.
El apogeo del barroco está determinado por dos siglos, entre el final de la XVI y el final de los siglos XVIII. BAROQUE (que tradujo de italiano significa literalmente, lo extraño) fue un nacimiento en Italia y pronto cubrió la mayoría de los países europeos y América (principalmente central y sur). Las principales características de este estilo se han convertido en tensiones, gigantesismo y saturación emocional. Geometría compleja, efectos de luz inesperados, una variedad de patrones complejos y una decoración exuberante, donde los espacios cóncavos son inesperadamente reemplazados por CONVEX, llegaron al cambio de una era más relajada de la armonía del renacimiento tardío. Fueron vacunados constantemente por la arquitectura del Italiano Michelangelo Buonotti (en su período final) y Vigola. Ambos estaban molestando los edificios del Vaticano, que es casi el símbolo principal de este estilo arquitectónico.
En el diseño de interiores barrocos, esculturas, adornos tallados, pintura, espejos, columnas y escaleras masivas y escaleras. Materiales usan travertino, dolomita, mármol, basalto. Contrastes de escala, juego de luz y sombra, colores intensos profundos (dorado, rosa, azul): todo esto crea un sentimiento de ilusión y variabilidad constante del mundo. Desde la gama general, puede asignar a los arquitectos más vívidos de ese tiempo. En Italia, este es Francesco Borrombini (1599-1677), que comenzó sus actividades como albañil en la catedral de San Pedro, pero más tarde se convirtió en el asistente Giovanni Lorenzo Bernini (1598-1680) Michelangelo Buonotti, y Pietro y Corton. En Francia - Francois Mansar (1598-1666) y Louis Levo (1612-1648), que trabajó para Luis XIV, en Austria - Johann Bernhard Fisher von Erlah y su hijo (autores del jefe Palacio de Viena de Schönbrunn y Karleskirche). En Austria, este es Johann Bernhard Fisher von Erlah y su hijo (son los autores del principal palacio de Viena de Schönbrunn y Karlskirm), en la República Checa - Francesco Karatti (Autor del Palacio de Cherninsky), en Rusia - Ukhtomsky Dmitry Vasilyevich (1719-1774). Muchas muestras barrocas en el territorio de la actual Polonia y Ucrania (habla compulcúcular entonces). Algunos de ellos fueron construidos por arquitectos italianos según la Iglesia Romana Ile Jesu.
La arquitectura barroca generó nuevas tendencias progresivas en la creación de conjuntos de parques urbanos y de jardín. Los edificios se convierten en un solo entero con los territorios circundantes. El paisaje circundante decora grupos de fuentes con majestuosas esculturas, en los jardines, pusieron actuaciones teatrales en el cielo abierto. El estilo en sí obliga a la creación de espectaculares espectaculares, la atmósfera al borde de las ilusiones y la realidad.
Barroco - excesos de cultura. Expresivos de este exceso de pliegue y rizo. Si la superficie lisa de la pared de repente comienza a tomar, como una ola, es un barroco. Barroco (después de una de sus sucursales: manierismo) ha desarrollado muchos nuevos tipos de edificios. Este es un majestuoso Palacio de la ciudad, un monasterio barroco, una villa rural con un palacio y un jardín barroco.
El barroco es una atracción materializada para un inusual, increíble, sorprendente. Desde este estilo, obtuvimos arquitectura de paisaje, jardines y parques con esculturas gigantes y máscaras grotescas, teatros al aire libre, edificios inusuales con detalles exóticos. Barroco recoge inusual y maravilloso. Grabados, minerales, plantas de riqueza. Para las primeras colecciones de museos se crean gabinetes individuales.
Sobre especialmente los jardines, especialmente. Los edificios barrocos buscan involucrar el área frente al palacio o jardín frente al monasterio. El edificio existe con los territorios circundantes, y no en sí mismo.
El hombre barroco (y el arquitecto, incluida), fue típico de las preguntas sobre el dispositivo del mundo, y esta respuesta a menudo no estaba en las esferas divinas. Los arquitectos y escultores barrocos ahora están confundidos con entusiasmo por el éxtasis divino con humano. En la famosa escultura de "Ecstasy Holy Teresa" Bernini tiene una expresión tan lánguida que incluso los contemporáneos se rieron de él.
En Rusia, el apogeo del estilo barroco representa la segunda mitad del siglo XVIII, mientras que en Europa ya ocurre la transición al clasicismo. Al igual que otros estilos, Barroco en Rusia adquirió algún tipo de identidad, a este respecto, dicho término apareció como "Barroco ruso" y fue diferente de la estructura más sencilla europea composiciones arquitectónicas. Al mismo tiempo, los arquitectos rusos usaban activamente colores brillantes y contrastes coloridos en color, incluido el dorado. Como materiales de acabado, con el fin de pintar más, se da preferencia al yeso y yeso. Por lo tanto, los colores se vuelven más brillantes y ricos: rojo, azul, amarillo en combinación con blanco. La decoración de estuco utiliza el modelado en forma de un adorno en un estilo tradicionalmente ruso. Para la decoración de varias partes del interior, así como la techumbre aplica la técnica de dorado.
A finales del siglo XVII a principios del siglo XVIII, el barroco ruso se dividió en muchas corrientes: "Moscú" Barroco, "Naryshkinskoye" Barroco, siguiéndolos - "Stroganovskoye" y "Golitsyn". Tales títulos surgieron debido a los nombres de las personas, bajo las cuales se construyeron los objetos más significativos de la era. Incluso hay "Ural Barroco" y "Baroco siberiano".
La personificación más sorprendente del barroco fue los conjuntos de palacios de San Petersburgo, Peterhof y el pueblo de Tsarsky, el lujo y la escala de los cuales no se encuentran iguales en Europa. Uno de los arquitectos destacados de esa época se está convirtiendo en el fundador del barroco Elizabethan.
A mediados del siglo XVIII, un rococó aún más sofisticado y ecléctico viene a reemplazar el barroco.
Texto: Julia Chernikov
