Mesaj de stil arhitectural baroc. Stilul arhitectural: baroc

Baroc în pictura

Articolul principal: Baroc în pictura

Caravaggio. Vocația apostolului Matthew

Stilul baroc în pictura este caracterizat de dinamismul compozițiilor, "plan" și forme de pomp, aristocratice și neobișnuite ale parcelelor. Caracteristicile cele mai caracteristice ale floriului și dinamismului barocat - atrăgător; Un exemplu viu este lucrarea lui Rubens și Caravaggio.

Michelangelo Merisi (1571-1610), care, la locul nașterii din apropiere Milano, numit Caravaggio, consideră cel mai important maestru dintre artiștii italieni care au creat la sfârșitul secolului al XVI-lea. Stil nou în pictura. Picturile sale scrise în povestiri religioase seamănă cu scene realiste cu un autor de viață modern, creând contrastul timpului antichității târzii și a timpului nou. Eroii sunt descriși într-o amurg, din care razele luminii smulse gesturi expresive ale personajelor, contrastând caracterul lor. Urmașii și portretele Caravaggioului, numite inițial Karavagisti, și caravagismul însuși, cum ar fi Annibal Carrachci sau Guido Reni (1575-1642), au adoptat rugina sentimentelor și caracterul modului Karavaggio, ca precum și naturalismul său în imaginea și evenimentele poporului.

Peter Paul Rubens (1577-1640) la începutul secolului al XVII-lea. A studiat în Italia, unde a învățat pe Maneru Caravaggio și carageach, deși a sosit acolo numai la sfârșitul cursului de studiu din Antwerp. El a combinat fericit cele mai bune caracteristici ale școlilor de pictură a nordului și sudului, fuzionând naturală și supernaurală, realitatea și fantezia, bursa și spiritualitatea în panza lui. În plus față de Rubens of Recunoașterea Internațională, un alt maestru al barocului flamand, Van Deken (1599-1641) realizat. Odată cu lucrarea lui Rubens, un stil nou a venit în Olanda, unde Franța Hals (1580 / 85-1666), Rembrandt (1606-1669) și Vermeer (1632-1675). În Spania, a fost creat Diego Velasquez (1599-1660), iar în Franța - Nikola Poussin (1593-1665), care, care nu este mulțumit de școala baroc, pus în activitatea sa, fundamentele noului flux - Clasicismul.

Articolul principal: Arhitectura barocată

Biserica Carlo Madern din Saint Susanna, Roma

Biserica sufletelor în purgatoriu în orașul Ragusa, eșantion de baroc sicilian

Castelul Milotice, Republica Cehă

Pentru arhitectura barocă (L. Bernini, F. Borrombini în Italia, B. F. Rastrelli din Rusia, Jan Christoph Glaubitz în discursul Commonwealth) se caracterizează prin aplicare spațială, mucking, fluiditate complexă, de obicei curbilinari. Adesea se desfășoară coloane de mari dimensiuni, abundența sculpturilor pe fațade și în interioarele, vopselele, un număr mare de fațade ample, cu un pluton în coloanele mijlocii și pilaștrii. Dome achiziționează forme complexe, adesea ele sunt multi-nivelate, cum ar fi Catedrala Sf. Petru din Roma. Detalii caracteristice ale barocului - Tewamon (Atlant), Caryatida, Maskaron.

În arhitectura italiană, cel mai proeminent reprezentativ al artei barocului a fost Carlo Madern (1556-1629), care sa rupt cu manierism și și-a creat propriul stil. Principala sa creație este fațada Bisericii Romane din Santa Susanna (1603). Figura principală în dezvoltarea unei sculpturi baroce a fost Lorenzo Bernini, a cărei primele capodopere desfășurate în noul stil aparțin și circa 1620 Bernini, de asemenea, un arhitect. Acesta aparține designului Piața Catedralei Sf. Petru din Roma și interioare, precum și alte clădiri. O contribuție semnificativă a fost lăsată de D. Fontana, R. Rodaldi, Gvarini, B. Longen, L. Vavvitelley, P. Da Corton. La Sicilia după un cutremur major din 1693, a apărut un nou stil de baroc târziu - sicilian baroc.

Quincologie, o fuziune impresionantă a picturii, sculpturilor și arhitecturii, este considerată a fi Korranao Capella în Biserica Santa Maria della-Vittoria (1645-1652).

Stilul baroc se răspândește în Spania, Germania, Belgia (apoi Flandra), Olanda, Rusia, Franța, Commonwealth. Barocul spaniol sau local churriecezko (în onoarea arhitectului Churgeriera), sa răspândit și în America Latină. Cel mai popular monument al catedralei sale din Santiago de Compostela este, de asemenea, unul dintre cele mai aduse de credincioșii templelor Spaniei. În America Latină, barocul a fost amestecat cu tradițiile arhitecturale locale, este cea mai sofisticată versiune și numită ultrabarakko.

În Franța, stilul baroc este mai modest decât în \u200b\u200balte țări. Anterior sa crezut că aici nu am primit stilul, iar monumentele baroce au fost considerate monumente de clasicism. Uneori folosesc termenul "clasicism baroc" în raport cu variantele franceze și engleze ale barocului. Acum, Palatul Versailles împreună cu un parc regulat, Palatul Luxemburg, clădirea Academiei Franceze din Paris și altele, sunt numărate pentru barocul francez. Chiar au câteva trăsături ale clasicismului. Caracteristica caracteristică a stilului baroc este un stil regulat în arta de grădină-parc, exemplul cărora este Versailles Park.

Mai târziu, la începutul secolului al XVIII-lea. Francezii și-au dezvoltat propriul stil, varietatea de baroco-rococo. El sa manifestat nu în designul exterior al clădirilor, ci numai în interioare, precum și în designul cărților, în îmbrăcăminte, mobilier, pictură. Stilul a fost distribuit peste tot în Europa și în Rusia.

În Belgia, un baroc de monument remarcabil este ansamblul Grand Place de la Bruxelles. Caracteristicile baroce au o casă de Rubens în Antwerp, construită pe propriul proiect al artistului.

În Rusia, barocul apare în secolul al XVII-lea ("Naryshkin baroc", "Golitsyn baroc"). În secolul al XVIII-lea, Peter I primește dezvoltarea în Sankt Petersburg și suburbiile din lucrările lui D. TREZINI - așa-numitul "Petrovskoy baroc" (mai restrâns) și ajunge la o completare a consiliului de creativitate a lui Elizabeth Petrovna Si Chevakinsky și B. Rastrelli.

În Germania, un nou palat din San Sousi este un monument remarcabil în Germania (autorii - I. G. Burning, H. L. Mantter) și Palatul de vară acolo (G. Von Knobelsdorf).

Cele mai mari și cele mai renumite ansambluri baroce din lume: Versailles (Franța), Peterhof (Rusia), Aranjuez (Spania), Zwinger (Germania), Schönbrunn (Austria).

În Marele Duch al Lituanian, s-au obținut stilurile barocului baroc și Vilen, cel mai mare reprezentant - Jan Christoph Glaubitz. Printre proiectele sale celebre - biserica reconstruită a ascensiunii Domnului (Vilnius), Catedrala Sophia. (Polotsk) și alții.

Baroc ca fiind una dintre principalele direcții stil în arta Europei, în mijlocul secolului XVII-MID XVIII. Cu ideologia, principiile, metodele și sistemul de semne formale, a fost inițial în Italia, în cercurile artistice ale Romei și Bolognei la sfârșitul secolului XVI al XVII-lea. Formare stil baroc (de la italie. Barocco - ciudat, ciudat) este asociat cu criza idealurilor de artă a renașterii italiene în mijlocul secolului al XVI-lea. Acesta este momentul unor descoperiri minunate în disciplinele științifice naturale, geografia, filozofia și altele. Reprezentări ale antichității umane despre stabilitate, claritate și armonie a lumii, despre un spațiu și timp limitat, pentru el proporțional, care, în multe moduri, a devenit mai târziu Idealul de renaștere, au fost agitați de noi cunoștințe. În același timp, Renașterea cu cea mare artă nu a putut să se termine brusc într-o anumită etapă, fără a afecta arta și stilistica lumii obiective a noului timp.

Aici ar trebui să căutați esența tuturor contradicțiilor artei baroce. Reflectând lumea modernă schimbătoare și diversă, se îndepărtează de o armonie clară și clară a artei erei anterioare, dând calea către o nouă înțelegere a frumuseții. Această artă este până la sfârșitul secolului al XVI-lea. Acesta urmărește să abandoneze granițele stricte ale unui spațiu organizat, dar limitat, caracteristic al artei renașterii. Se pare că demonstrează emoțiile umane, complexitatea, multi-elementul și decorativitatea luxuriantă a mediului spațial din jur.

Pentru baroc, contrast, tensiune, dinamismul formelor complexe, de obicei curbilineare, ansambluri, dorințe de măreție și pomp, la combinarea realității și iluziei, la fuziunea artelor: arhitectură, pictură, sculpturi, arte decorative și aplicate.

Fatadele clădirilor baroce

Fatada de Vest a Bazilicii (construită în 1569-1679) Santa Maria Deli Angeli. 1562 Roma, Italia - Santa Maria degli Angeli E dei Martiri ( italiană.)

Fatada barocă a Bisericii (construită în 1600) Santa Maria del Popolo. 1472-1477. Roma, Italia - Bazilica di Santa Maria del Popolo

Catedrala din Berlin. 1894-1905. Berlin, Germania - Catedrala Berlin (Berliner Dom - nem..)

Palazzo Carignano (a plasat Muzeul Național de Renaștere italiană). 1679 Torino, Italia - Palazzo Carignano (Muzeul Nazionale del Risorgimento Italiano)

Palatul Regal din Madrid. 1738-1764. Spania - Palacio Real de Madrid ( sus.)

Palatul MAFRA. 1717-1730. Lisabona, Portugalia - Palácio Nacional de Mafra ( port.)

Biserica Sfinților Petru și Paul. 1597-1619. Cracovia, Polonia - Biserica Sfinților Peter și Paul (Kościół śś Piotra I Pawła W Krakowie)

Biserica semnului Fecioarei binecuvântate. 1690-1699. Podolsk (Dubrovitsy), Rusia

Biserica Santa Susanna (Sf. Susanne). 1585-1603. Roma, Italia - Chiesa di Santa Susanna Alle Terme di Diocleziano ( italiană.)

Catedrala Petropavlovsky (catedrală în numele apostolilor de barieră Peter și Paul). 1712-1733. St. Petersburg, Rusia (baroc rusesc: Petrovskoe baroc)

Biserica San Carlo Alla Quatro Fountain (Biserica Sf. Carla în patru fântâni). 1638-1677. Roma, Italia - San Carlo Alle Quattro Fontane

Catedrala Petropavlovsky. 1723-1726. Kazan, Rusia (baroc rusesc: Moscova baroc sau stil Naryshkinsky)

Catedrala Sfinților Petru și Paul. 1894-1904. Peterhof, Rusia

Fatada barocă (1750), Catedrala Sf. Iacov. 1075-1211. Santiago de Compos, Spania - Catedrala Santiago de Compostela

Interioare baroce

Santa Maria della salută Catedrala. 1630-1681. Veneția, Italia - Bazilica di Santa Maria della Salute

Interiorul bisericii din San Carlo Alla Quatro Fontan. Roma, Italia - San Carlo Alle Quattro Fontane

Biserica Altarului Domnului Mercy. 1765-1775. Barcelona, \u200b\u200bSpania - Bazilica Lady of Mercy (Basílica de Nuestra Señora de la Mercera sus.)

Altarul catedralei Evore. 1718-1746. Evora, Portugalia - Catedrala Evora (Sé de Évora - port.)

Catedrala Sf. Petru, Central Neg. Vatican - Bazilica di San Pietro

Scara în Palatul Vaticanului (numit și DV apostolic sau DV papal). Roma, Italia - Palazzo Apostolico

Galerie Farnese, Palazzo Farneza. 1597-1604. Roma, Italia - Palazzo Farnese

Interiorul baroc al Catedralei Berlinului. Berlin, Germania - Berliner Dom

Un mijloc compozit foarte expresiv de baroc este o scară excesiv mărită, disproporționată a omului și imaginea în sine și elementele sale principale. Dimensiunile gigantice ale portalurilor bisericilor romane, ușilor și ferestrelor sunt în mod evident la scară largă, nu proporționăm la o persoană. Poate, prin urmare, în acest stil au fost atât de multe iraționalitate și chiar fantasticitate în imaginea instalației.

Conflictul intern, tensiunea acestui stil, care sa manifestat incl. Și în arhitectură, a constat în coliziunea proprietăților fizice reale ale materialului inert, gravitatea ei, de exemplu, și dorința de a-l aduce într-un stat neliniștit, mișcarea vizuală.

În acest sens, barocul este un gotic autentic, cu inconsecvența formei materiale și o imagine vizuală cu un fel de dematerializare a formei.

În plus, contradicția internă a acestui stil a fost adesea manifestată în natura incredibilă și respingătoare a detaliilor, pe de o parte, și atmosfera mistică generală a muncii artistice - pe de altă parte.

Aici este o anumită controversă, imagine artistică nenaturală, teatralitate și chiar stilul baroc oroc.

Stil baroc Mi-am dezvoltat ornamentalul special, care a fost foarte utilizat în arhitectură pentru decorare, în primul rând, fațade și în decorarea interioarelor și în arte decorative și aplicate, și în decorul de mobilier. Dorința de pompă, măreția creează noi compoziții dinamice complexe și foarte neașteptate, ale căror elemente sunt inițial împrumutate în arsenalele Renașterii. Frontale sfâșiate, lansate cornișe, platbane, decorate cu vopsire, ciorchini de coloane, incl. Coloane în formă de spirală, paranteze, abundența unor cochilii împrumutate și reciclate de renaștere.

Cartouche Cartouche (din Fr. Cartouche - Derlrl) - sub formă de scuturi sau foi de pergament cu marginile învelite - treptat transformați într-o rolă (de la ea. Rolle - Completate și Werk - Lucru, Afaceri) sub formă de semi-alimentare Rolul de hârtie cu margini Outcropped, Mascar, Motive dublu curl, ghirlande, frunze acacanice (cel mai activ, începând cu secolul al XVII-lea), Ionian Kimatiy și alte elemente decorative. Finist în perioada de romantism și utilizat pe scară largă de motivul benzii de țesut baroc transformă în bandaverka (de la el. Bandă - bandă, tranzit și Werk - muncă, afaceri). Motivele desenului de cartoon baroc și chiuveta sunt transformate în matrițe fantastice ale botului, sau Knorpel (de la el. Knorpel - cartilaj și Werk - muncă, afaceri) și Ormushl (de la el. Ohrmuschel este o chiuvetă de ureche). Aceste două elemente decorative au fost deosebit de caracteristice barocului flamand.

Interioarele baroce sunt decorate în special luxos. Decorarea de pictură, marmură și aurit, sculptura, picturile pitorești etc. sunt utilizate în mod activ, sculptura, picturile pitorești etc. Mai ales plăci pitorești bune, creșterea vizuală a spațiului interior al spațiilor. ÎN epoch Barochko. Funcția de a crea un interior ca întreg compozit și stilistic organizat este cu adevărat născut. Interiorul și elementele sale, ca o adevărată sinteză a artei, au început să joace un rol foarte important, indicând statutul social și situația financiară a proprietarului său. Creați ansambluri de decorare interioară interioară. Mai mult, bogăția decorului este în egală măsură seculară și clădirilor bisericești.

Toate articolele sunt montate și în concordanță cu celălalt: pereți și plafoane vopsite, decorate la aceleași stucuri, forme și dimensiuni de cadre din lemn sau patch-uri de oglinzi și picturi, panouri de perete sculptate, vopsite sau de aur, console de aur Mozaic Blaturi de marmură, Bronz Kandelabra și candelabre de cristal, scaune de lux, mese de colț, piedestaluri pentru sculpturi, dulapuri, decorate cu încărcătoare de top, etc.

Este demn de remarcat faptul că palatele din Italia din această perioadă au fost considerate nu numai ca spații rezidențiale private, ci, în primul rând, ca platforme speciale pentru actele sociale solemne - recepții oficiale, peart, bile etc.

Pictura de culoare și efectele luminoase în interior a fost asigurată de complexitate și chiar fantezia structurii sale spațiale, o abundență de marmură sculptată colorată, stuc, un copac sculptat, bronz, cristal, sculptură și pictură. Interioarele au copleșit sculptura, dar nu trebuia să fie răsfățată de figuri în picioare, ci și grupuri mari, unde privitorul era uneori dificil de evidențiat un caracter separat, deoarece fiecare figură nu era interesantă în sine, ci ca un element integrat al întregului . Astfel de sculpturi, realizate în unghiuri neobișnuit de complexe și instalate în exces în interiorul și exteriorul clădirilor, sunt una dintre caracteristicile caracteristice ale stilului baroc. Ca urmare, impresia globală a tensiunilor emoționale, a pompului, a dinamismului și a mișcărilor de masă, iluzia extinderii spațiului, a infinității sale.

Mobilier baroc italian (secolul al XVII-lea)

Mai întâi ar trebui să dai descriere scurta Statele și tendințele dezvoltării arhitecturii italiene și arta creării de interioare ale acelei perioade.

Cele mai caracteristice clădiri de stil baroc italian au fost create de cei mai mari arhitecți ai secolului al XVII-lea: L. Bernini, F. Borrombini, G. Guvarini, K. Raindi, B. Wonden, și alții. Primul arhitect care sa mutat la rezolvarea marelui Sarcinile arhitecturale ale noii ere a stilului, a fost K. Maderna. În Biserica sa romană din Santa Susanna, este finalizat tipul Bisericii Catolice din secolul al XVII-lea, a cărui fațadă este sistemul decorativ decorativ al Bisericii IL Jesu Architect D. DELLA Port. Dar lucrarea principală a lui Maderna a fost finalizarea catedralei Sf. Petru din Roma. Fondatorul stilului Barochko este arhitectul, sculptorul și pictorul Michelangelo Buonarot.

Stilul barocului italian a dezvoltat, în primul rând, la Roma, de unde a pătruns în alte orașe din Italia, unde a făcut diverse forme în curțile unui fizic sau Farline. Această eră a construcției a fost păstrată și chiar și elemente crescute ale paradei, divertismentului, decorativității luxuriante. Barocul în arhitectură este construcții spațiale complexe și schițele curbilineare ale planurilor, proeminențe puternice și profund înalte, contraste de plat și relief, greu și ușor, joc de iluminare, aplicarea frecventă a formei de oval, frontale sfâșiate, decorate cu cartușe, imens îndoite sau bombardate, coloane răsucite, precum și coloane și pilaștri pereche. Acest lucru a atins dinamica formelor de elemente, ca și în cazul creșterii libere, cu calcularea efectelor obținute ale iluminării, consolidând vizual sculpturile fațadelor.

În acest sens, un exemplu este o distribuție largă a voinței cu adevărat bazate pe baroc, la fel de dinamică în toate direcțiile, a inventat Bruvenles pentru decorul cupolei catedralei florentine.

În acest moment, se dezvoltă cu adevărat principiile și tehnicile de ansamblu. De exemplu, ansamblul dealului Capitol din Roma (1546) a unit mai multe clădiri de palat din jurul zonei trapezoidale din punct de vedere al pătratului cu o scară de paradă care duce la acesta. Principiul ansamblului a fost pus în planificarea pătratului Oval Del Popolo (1662) la intrarea în Roma cu trei străzi divergente de la ea, pătratul din fața catedralei Sf. Petru din Roma, pătratul consimțământului și Versailles la Paris, care, în ciuda tuturor diferențelor lor sunt generația era barocată.

Fațadadei bisericii Ile Jesu. 1573-1584. Portul D. DELLA. Roma, Italia

Cel mai radical flux al barocului roman este stilul iezuitismului, care sa manifestat cel mai puternic în Biserica Ordinului lui Iezuit Il Jesu (construcția sa 1573-1584, se referă la momentul barocului timpuriu). Ile Jesu are toate semnele clădirilor baroce. Fațada sa arată foarte dinamică, are un contrast puternic de forme proeminente și retrase, este decorat cu vopsire care leagă nivelul superior cu partea inferioară, are o fronton eliberată. Impresia unei astfel de forme, Waviness lor este îmbunătățită numai dacă percepeți vizual o astfel de fațadă într-un ajutor. În epoca unui baroc matur, o astfel de dinamică a curbei, care curge una la alta forme de piatră care se intersectează obține distribuția cea mai mare și răspândită în clădirile bisericești și seculare.

Michelangelo în proiectul său de Catedrala Sf. Petru (1546) a subjugat întregul volum al clădirii de către domul central și a cerut deja dinamica întregii construcții. Și artistul D. DELLA Port (în 1588-1590) În comparație cu această idee de proiect, Michelangelo a întărit dinamica, făcând domul nu este emisferic, dar parabolic alungit. Noua siluetă a domului a subliniat mișcarea generală a formei clădirii.

Teatralitatea de mai sus, unele nenaturalness și chiar iraționalitatea arhitecturii baroce s-au manifestat, de exemplu, în holul bibliotecii San Lorenzo. Cu vedere la canoanele clasice ale arhitecturii, Michelangelo a proiectat coloane duale care, din anumite motive, nu au capitale și stau în pereții adânci și nu suportă nimic. Consolele instalate sub ele au funcții decorative evident. Pereții sunt disecați cu ferestre imaginare. Lobby scările de pe laturi nu au o șină. Balustradele, care sunt făcute în mijloc, datorită înălțimii lor scăzute, sunt în mod clar transportate numai de o povară decorativă. Etapele extreme sunt rotunjite cu curbe-vopsire la colțuri. Prin ea însăși, scara umple aproape tot spațiul liber al lobby-ului, care este clar irațional.

Pentru baroc, dorința de a atinge efectele iluziei optice. De exemplu, L. Bernini a proiectat scara din Palatul Vaticanului pe care pare mult mai mult decât este într-adevăr, deoarece este îngustat, arcul devine mai jos, coloanele sunt mai mici, iar golurile dintre ele sunt reduse. Prin urmare, datorită perspectivei false, figura Papei, când a apărut pe platforma superioară a scărilor, a fost percepută dintr-o mare, semnificativă și maiestuoasă.

Biserica din San Carlo Arhitect Borryini este un model excelent al originalului în formă și decor al unei clădiri stil baroc. Fațada sa arată ca o Shirma spectată în fața clădirii, care în plan are o formă de diamant cu laturi concave. Arhitecții barocați au încercat să nu facă colțuri drepte, în orice fel răsucite și au tăiat unghiurile clădirilor, astfel că biserica San Carlo a tăiat colțurile, iar patru grupe sculpturale cu fântâni sunt situate în apropierea lor.

Deja în secolul al XVI-lea. Există tehnici de creare a unui interior baroc italian. Pereții și plafoanele spațiilor sunt decorate cu fresce, iar modelele introduse în pereți sunt încadrate de cadre placate din lemn sculptate sau de un ornament de înaltă ușurință.

Crearea unuia dintre primele interioare baroce (Galeria Farnese, 1597-1604) A. Karracchi, care și-a început activitățile cu un decorator de palate din Bologna, poate fi considerat nașterea stilului adevărat baroc.

În Bologna, pentru prima dată a început să folosească motivele așa-numitei arhitectură iluzie-quadratură (din lat, quadratura) în pictura. Astfel de picturi au devenit una dintre cele mai populare modalități de a decora avioanele de perete și plafon.

În 1693, artistul A. Pozzo, autorul multor fresce magnifice în piața pătratului, a pregătit un întreg tratat cu privire la tehnica unei astfel de picturi - Percepția Pictorum et arhitectura (pitorească și perspectivă arhitecturală). Aceasta a explicat, de exemplu, cum să le conectați la un punct de vedere în perspectivă cu limitele frescelor sau tehnicilor descrise, facilitând crearea de fresce uriașe. Acest ghid a avut o influență imensă asupra arhitecților și artiștilor din timpul lor, care în interiorul barocului creat au încercat să ofere meciuri grafice și de culoare între plăci de marmură sau țesuturi, care au fost separate de pereții spațiilor, fresce, sculptură și altele elemente ale decorului.

Cu numele L. Bernini, este conectată utilizarea activă a marmurei colorate pentru placarea pe perete în combinație cu metal, pokko sau fresce. A aplicat un astfel de finisaj, de regulă, pentru a decora interioarele bisericii. De exemplu, în faimoasa capelă Cornaro din Biserica Santa Maria della Vittoria din Roma, unde compoziția sa este stabilită de Ecstasy Sv. Teresa (1644-1652) sau în Biserica Sant Andrea Al Qvirinale (1658-1670).

Utilizarea marmură a culorilor datorită prețurilor sale relativ ridicate a făcut-o în Italia la prețuri accesibile numai pentru persoanele foarte bogate. Prin urmare, decorarea plăcilor de marmură de interioare rezidențiale, cu excepția podelelor, este extrem de rară în Italia. În majoritatea cazurilor, folosite la perfecțiunea în secolele XVII-XVIII, Finto Marmo Technique, adică. vopsită sub copac de marmură. În mod tipic, panourile de perete din lemn au fost decorate sub marmură. Această recepție a fost apoi răspândită, atunci literalmente în toate țările europene.

Șemineele și decorarea lor decorativă în barocul italian au început să joace un rol semnificativ mai mic în interiorul camerei, comparativ cu șemineele Renașterii. De exemplu, în interiorul luxos al unui salon mare din Palazzo Barberini, șemineele nu sunt elemente active și au un decor foarte modest, iar multe alte interioare ale palatului nu au deloc seminee.

În secolul al XVII-lea. Italienii continuă să conducă în arta lui Stukko. Pe baza tradițiilor și priceperii erei anterioare, în special perioada de manieră, artiștii din Stukko au continuat și au dezvoltat principiile unui decor stuched bogat dezvoltat. Pictura sau frescele în majoritatea cazurilor au fost încadrate de un decor de perete alb sau aur. Un exemplu este o relief de perete în cabina lui Koravzieri din Palatul Roman Qui-Nalis (1605-1621) și în salonul Palazzo Riccardi din Florența.

Eșantioane excelente ale stucului din a doua jumătate a secolului al XVII-lea. A. Haffner a fost interpretat pentru inversiunea Sala Dei în Genoese Palazzo Albricksi din Veneția.

Un alt tip de artă de decorare interiorul erei baroce, ștergerea feței dintre arhitectură, sculptură și pictură, a fost o pictură plutitor iluzorie decorativă. A fost renumit pentru artiștii P. Da Cortona și A. Pozzo. De exemplu, pictura cupolei din Palazzo Barberini (1625-1663), care a fost completată de P. Da Corton aproximativ în 1639.

Sarcina principală a unei astfel de picturi este de a crea un spațiu inteleg în care sunt pierdute reprezentările obișnuite ale dimensiunilor reale, volumul, forma, culoarea, lumina și alte caracteristici și proprietăți ale camerei create. Plafonul, ca element final al interiorului baroc, se transformă într-o iluzorie, lăsând spațiul fără sfârșit al cerului cu nori zburători și figuri de oameni. Este caracteristică că multe picturi plutitoare în interiorul barocului imită nu numai cerul cerului, ci și cupola cu aspirația lui. Aceste picturi promițătoare nu sunt mai bine exprimate idealul estetic al artei barocului - infinitatea spațiului, mișcarea maselor, a luminii și a culorilor.

Un eșantion de decorare decorativă de interior a barocului timpuriu din Italia, după cum sa observat anterior, aceasta este o galerie Farnes la Roma și mai târziu interioarele Palatelor Pitti din Florența și Bar-Berini în Roma. Aici, totul este subordonat unei idei comune despre mișcarea maselor și a spațiului. În conformitate cu decorul de pereți, plafoane și alte elemente ale interiorului, mobilierul este creat și mobilier decorat: mese console, scaune, scaune, scaune, dulapuri, dulapuri, birouri etc. Mobilierul baroc se distinge prin consolidarea proporții, somnorosul formelor lor, pomp a sculptat decor aurit. Mobilierul pentru scaune se face mai confortabil și se potrivește cu haine portabile. Scaunele moi, scaunele și fotolii sunt utilizate pe scară largă și apoi canapelele. Spatele sunt făcute cu un depozit, apar coate mai confortabile. Cuferele (Lari) și consumabilele ies. Acestea sunt înlocuite cu dulapuri, dulapuri și bureaute.

Tabel de nuc, Inlay Eben și Ivory. Franţa

Pentru dulapuri se caracterizează prin siluete solide, curbilinearitatea contururilor în plan, prezența streașină curbată cu un decor sculptural complex, in-necker in-necker sau frontaluri discontinue, cadre sculptate de uși și picioare. Filhnicsul dulapurilor și ușile de birou sunt adesea decorate cu inserții din mozaic de piatră colorată (agate, onix, lapis-lazuri etc.), sticlă lustruită sau mozaic din lemn colorat, în tehnica cărora se află toate scenele întregi.

În Florența și Bologna stil baroc În fabricarea de mobilier, a pătruns relativ târziu - începând cu a doua jumătate a secolului al XVII-lea și, la început, sa diferat în formă și decorată din mobilierul de revigorare târzie. Cu toate acestea, un nou moment este deja ghicit în eșantioane scumpe de mobilier.

Un obiect de mobilier caracteristic - un element indispensabil al situației frontale a palatelor - dulapurile au devenit dulapuri care au fost bine decorate. Astfel de cabine au fost foarte apreciate, adesea trimise unul altuia ca un cadou valoros. Pasiunea pentru dulapuri a fost atât de mare încât au început să fie fabricate în multe țări europene, astfel încât forma și decorul lor au început să poarte o amprentă națională pronunțată.

În secolul al XVII-lea Cabine mari cu prestabili, care au devenit partea necesară din decorarea palatelor. Mobilat de mai multe astfel de obiecte, camera a fost numită Cabinetul. Cu acest cuvânt, francezii indică uneori o cameră mică. Cabinetele au avut un numar mare de Cutii care au servit, de asemenea, pentru stocarea obiectelor mici, bani, documente, alte valori.

Nu numai dulapurile de pardoseală au primit pe scară largă, dar și desktop, miniatură, cutii egale în dimensiune. Acestea au fost separate de pielea embosată și aurită, stucul mastic.

Birourile Biroului Florentine cu formele lor complexe și rafinate ocupă un loc special. Ei au fost adesea făcuți din abanos, fililenii lor au fost decorați cu un mozaic florentin de marmură colorată și sticlă, rănită de fildeș, soacra, faianță. Ornii deasupra capului, medalioane, busturi, statuete din bronz de aur și bine citit au fost de asemenea folosite ca decorațiuni. Astfel de bureaute au fost făcute la picioarele înalte legate în partea de jos a consumabilelor sculptate. Suprafețele din față ale cutiilor dulapurilor au avut un set de pietre colorate desenarea păsărilor, fructelor, flori. Când au fost descoperite diferite fructe, mozaicul uneori a fost chiar embossed. Dulapurile din Milano din lemn negru pe podstoli în picioare pe picioarele exacte au fost, de asemenea, celebre. Linia din față a unor astfel de cabine a fost procesată prin tracțiune arhitecturală, cornișe, motive, semi-coloneluri răsucite etc. Suprafețele au fost decorate cu mozaic din fildeș. Dulapurile au fost finalizate sub forma unui parapet, acoperite cu un balustradă. La rândul său, acest balustradă a fost decorat cu statuete din os.

Soluția de plastic pentru formele de mobilier pentru scaune a fost complicată. Mobilier tapițat (scaune, scaune și fotolii) sunt masive, decorate cu sculpturi, adesea cu aurit, și o catifea întunecată, cu modele mari sau umpluturi - o cârpă cu fire de aur sau argint țesute. Scaunele au picioare verticale sau curbe sau picioare ale unei forme în formă de piramido, cu o expansiune de jug în partea superioară, trasă în partea inferioară a crucii furnizate sau curbe, cu o vază sculptată în mijloc. Spatele au un vârf semicircular, sunt adesea făcute surd, înalt sau cu un jumper mic între rafturi. În mod similar, scaunele și scaunele, care sunt, de asemenea, nepoliticoase de catifea separată. Ei au patru picioare diagonale care se termină în bucăți îndepărtate și fixate cu proprietăți galopate sculptate.

În acest moment apar mese mici de formă dreptunghiulară, care sunt așezate de perete sau în perete sub oglindă-tremor. Acestea au fost obiecte de mobilier decorativ, care au fost de obicei instalate obiecte frumoase: vase, ore, figurine etc. În astfel de mese, subsolele și picioarele sunt decorate special abundent. Bijuteriile masive sculptate, care sunt de aur și, adesea, sunt prelevate sub formă de Nayad, Putti (Cupid), negrii, vultur, lei, grife, cochilii, panglici, bucle de acanta etc. Mesele funcționale sunt făcute cu rotunde, Formă de șase sau octogonală. Marginile de masă sunt procesate de un ornament sculptat. Picioarele utilizate în epoca stilului precedent sub formă de suporturi masive sunt înlocuite cu o singură dată sub forma unei vaze, la care sunt atașate parantezele încheiate la partea inferioară a labelor de animale. Toate aceste subterane se află pe o bază masivă, de asemenea acoperită complet cu sculpturi.

Modificările principale apar în designul patului. Baldahin rămâne, dar sprijinirea coloanelor sale înalte dispar, adică. El este acum cantil pentru perete. Rolul patului ca unul dintre elementele active ale interiorului crește brusc.

ÎN epoch Barochko. Mobilierul este fabricat din nuc, mai potrivit pentru fire și lustruire. Piulița devine atât de populară încât în \u200b\u200bAnglia de data aceasta primește numele perioadei de nuc. Mobilierul dobândește treptat și mai complexe contururi curbilineare, iar garniturile de bronz încep să fie utilizate în loc de fir. Dacă mobilierul este fabricat din stejar, acesta este ventilator de un furnir de nuci. La procesarea suprafețelor curbilineare, este necesar să se aplice tehnica unui set manual de bucăți mici de furnir. Așa că apare, în afară de Italia, în Flandra și Olanda, iar apoi în Germania și Franța, un nou tip de decor, un mozaic de lemn - Marketer (Franz. Marqueterie - Lucrat de semne).

În Roma, Florența și o serie de alte orașe din Italia au fost înființate fabricate de căldură, pentru care tapiserii flamandă au servit cu mostre de produse. Deja în prima jumătate a secolului al XVIII-lea. Moda pe produsele lor a ajuns la Napoli și Torino. Veneția și Genova au fost renumiți pentru producerea de țesături de lână de înaltă calitate, iar catifea genoveză a fost solicitată în multe țări europene. Toate aceste țesături au fost folosite și pentru tapițerie de mobilier tapițat.

Mobilier de revigorare olandeză și flamandă și baroc (secolele XVI-XVII)

În secolul al XVI-lea În Olanda există o schimbare de orientare în stil în fabricarea de mobilier. Din ornamentarea împrumutată de la Renașterea Italiană timpurie, producătorii de mobilier încep să utilizeze (la sfârșitul primei jumătăți a secolului al XVI-lea) ornament grotesc de renaștere mare. În ornamentarea și decorul general al multor facilități de mobilier, au fost oferite gravuri ale lui W. Floris, au fost furnizate vanuri de bucătărie și alți artiști. A influențat semnificativ stilistica proiectelor de decor de mobilier ale artistului de Harm-Mana de Brica, care a lansat o colecție de evoluții sale la acea dată (Diferite Pourtraics de Mencerierie). Este peste aceste proiecte că specialiștii olandezi s-au mutat din designul gotic al mobilierului la probele sale cu șabloane arhitecturale: baze, coloane, console, pilaștri, streașini etc. Stilul lui Vre-Deman de Brize se manifestă cel mai clar în mobilier Antwerp. Aici, dulapurile și alimentarea sunt făcute cu două sau patru uși, cu fileuri în formă de diamant, care sunt membri cu pilaștri, coloane răsucite, console și chiar, în unele eșantioane - Herma, au o bază mare, care proeminențează puternic și a Multe garnituri decorative în formă de piramido pe piese proeminente. Aceste dulapuri stau pe picioarele sferice. În acest moment, scaunele și fotolii au fost cele mai frecvente, emise inițial în Antwerp. Cadrele unor astfel de scaune sunt recoltate din rundă răsucite în secțiune transversală a tijelor a căror conectivitate este o bară dreptunghiulară cu coborâre. Partea superioară a spatelui rulează direct sau are o margine ușor rotunjită. Îndoirea fotolilor Elbade, bazându-se pe rafturi răsucite, care arată ca o continuare a picioarelor din față, se termină cu vopsire în față. Scaunul și spatele scaunelor și scaunelor sunt de obicei nepoliticoase de piele și o cârpă de tapiserie folosind unghii cu pălării mari. În acest moment, există o schimbare a naturii decorurilor mobilierului și a formelor sale în sine, se aplică un alt material. Acum, mobilierul este fabricat din nuc, precum și din alte specii de arbori importate. În perioada târzie, sunt intinse și inserții din lemn de trandafir, negru, amarant (purpuriu) și roz, care îmbogățesc în mod semnificativ soluția decorativă la o varietate de obiecte de mobilier. Paturile sunt realizate cu un baldachin și decorate în mod similar.

Cuferele continuă să existe cu o varietate de forme de decor de fațade faciale. Aceste fațade, de regulă, au componente stricte de arhitectură, streașină și console. Suprafața din față este formată de pilaștrii în panouri separate, decorate cu un ornament sculptat geometric. În plus, pilaștrii sunt decorați suplimentar cu inserții de lemn colorate. Tabelele de mese au o formă destul de simplă și sunt adesea făcute alunecare. Picioarele precise masive au o formă de iepurană pronunțată, iar la parter sunt strânse cu bare. O astfel de formă de iepuraș a picioarelor a avut o influență puternică asupra mobilierului rusesc.

La sfârșitul secolului al XVII-lea. Pe forme și decor al mobilierului olandez, China are o influență puternică.

Dulapul de pe picioarele sferice locuite în picioare pe suporturi, consumabile, dulapuri și dulapuri dreptunghiulare cu o masă de cutii retractabile și conștiente care sunt închise de ușile sunt efectuate în mod clar sub această influență. Picioarele unor astfel de dulapuri au fost realizate cu ascuțit, sferice și, uneori, curbate sub forma unei litere latine, cu o formă care se extinde în sus. Aceste picioare sunt urechile în partea de jos a pașiului de păsări. Un astfel de tip de picioare mai târziu a început să fie aplicat în mobilierul creat în alte țări. De exemplu, în Anglia, acest tip de picioare arată bine în stilurile reginei Anna și Georgov, și chiar mai târziu - în stilul de chippendale.

La începutul secolului al XVII-lea. Ca urmare a unei lupte pe termen lung a Țărilor de Jos pentru independență față de stăpânirea Spaniei, țara este împărțită în două părți: provinciile nordice, numite Olanda, și provinciile sale de sud, care, rămânând sub coroana spaniolă, a devenit cunoscută sub numele de Flandra. Arta pliabilă a Flandrei, în primul rând la Antwerp, care a devenit centrul vieții ruse a țării, una dintre primele, după Italia, se confruntă cu un stil baroc, care a atins, mai presus de toate, vopsea, artă decorativă și aplicată și decor ornamental. Astfel de caracteristici ca practică, materialism, ridicare emoțională, forme de pomp, decorativitate și, în același timp, confort și confort, se caracterizează prin interiorul clădirii rezidențiale flamande și a elementelor sale, în special mobilier. Exemplul caracteristic al barocului flamand flamandă - casa rezidențială a unui pictor remarcabil și a unui om de stat P. Rubens, construit în 1613 în Antwerp. Stilistica barocă de pe lama flamandă oferă o idee nu numai de arhitectura și decorarea interioarelor acestei case, ci și operele pitorești ale lui P. Rubens însuși, Wang Dequee, Iordania, strănitoare, Tenier și mulți alți artiști minunați din acel moment. Mobilierul fabricat de maeștri flamand, în designul și decorul lor corespunde mobilierului renașterii italiene târzii. Până la mijlocul secolului al XVII-lea. Astfel de mobilier are suficiente forme dreptunghiulare rigide cu membrii comercianți.

Cu toate acestea, din a doua jumătate a secolului, mai multe forme mai dinamice de susținere a pieselor, a pieselor de tamplarie, decoratiuni sculptate de dulapi de dulapuri etc. La Flandra, tipurile de dulapuri grele din stejar, avand doua sau patru usi, sertare , nuclee proeminente, pilaștrii, consolele și picioarele sub formă de bile de păsări care dețin bile. Mai târziu apar dulapuri de pat, ale căror panouri au deja o decorare mai complexă. Astfel de dulapuri au, de asemenea, un streașină puternic proeminentă, care sunt susținute de console sub formă de capete de copii și bine decorate cu fire ornamentale de frică de relief scăzut. Articulațiile verticale (sub forma unui Pilager) și orizontale foarte active profilate pe fețele faciale și laterale ale carcasei dulapului sunt decorate (deghizate) cu leionuri cu inele metalice în gură.

Acestea continuă să fie aplicate în Flandra și Office, dar treptat, spre deosebire de eșantioanele italiene, acum nu au forme complexe și decorațiuni, iar proporțiile devin simple și mai definite.

Filetul complex este acum înlocuit de decor, realizat în cea mai mare parte într-un tamplarie. Cabinetul este instalat pe un podstol înalt, pe baza picioarelor care stau pe bile cu intercepții mari. Picioarele de mai jos sunt trase sub formă de dreptunghiulară simplă în secțiunea transversală a barelor. Dulapurile de dulapuri sunt închise cu două uși umflate cu fileuri ale lucrării de tamplarie în formă. Cabinetul din partea inferioară sub ușă are o cutie retractabilă exterioară, iar în partea superioară - friză și un streașină vorbitoare susținute de console. Cantități flamande (consumabile) din secolul al XVII-lea. Ele sunt ca un dulap cu două părți, cu o baldachin și o nișă ca un bufet. O baldachin care îndeplinește rolul de frică și cornișă a întregului dulap, se bazează pe consola frontală la două coloane precise și sculptate bine profilate. Fețele faciale și laterale ale dulapului sunt decorate abundent cu sculpturi de relief și șabloane arhitecturale. Cazul unui cabinet care are mai multe membri orizontali orizontali în mod explicit, partea de jos este un fel de bază, ridicată deasupra podelei și se află pe șase suporturi sferoide.

În mobilierul pentru scaune, proiectarea locurilor de conectare a elementelor individuale este clar vizibilă. Picioarele și picioarele scaunelor și scaunelor, precum și mesele care au fost făcute anterior, de obicei exacte sau sculptate, sunt înlocuite cu intercepții cu patru locuri în locuri de secreție. Suporturile de susținere ale spatelui din partea superioară se termină cu fire de bucle de acanta sau capete de leu. Coatele din scaune sunt foarte convenabile, au în mijlocul deformării și se termină cu vopsire decorate cu frunze accordate sculptate. Scaunele și spatele scaunelor și scaunelor sunt făcute moi cu călare cu părul de cai și sunt adesea răniți cu țesături din piele sau decorative cu o margine lungă. În acest moment a existat un nou desen al aranjamentului unghiilor de tapițerie cu pălării semicirculare mari pe ramele scaunului și spatelui. Dacă mai devreme, pălăriile cu unghii au fost așezate în mod corect unul de celălalt, acum pasul lor este rapid, datorită căruia se dovedește o bordură strictă decorativă sub formă de margele din jurul perimetrului scaunului și spatelui.

Evident, dimensiuni crescute în lățimea și adâncimile site-urilor pentru scaunele acelui timp se datorează acoperișului schimbat al îmbrăcămintei, care este acum mai luxuriantă cu un număr mare de falduri.

Tabelele sunt produse cu tabletă de diferite forme. Cutii de podsole se bazează pe picioarele realizate sub formă de balustre exacte cu becuri sferice sau iepurale și brevetate. De asemenea, sunt obținute picioare exacte și răsfățuri răsucite cu îngroșări dreptunghiulare sau pătrate (intercepții) în locurile de conectare a părților individuale ale structurii. Uneori este instalat un element decorativ în centrul proedesk, de exemplu, un balustru precis într-o vază sau o coloană. Marginile casetei Podstole au tăieturi crețuri și împreună cu locul de lucru, de regulă, decorate cu fire plate.

Toate mobilierul este făcut exclusiv din piuliță, nu stejar. De asemenea, lemn de lemn importat din lemn (abanos), Rosewandra, Havana Cedar.

Stilul baroc flamandă din secolul al XVII-lea. Am avut o mare influență asupra formării mobilierului olandez și severogherman.

Mobilier german Baroc (a doua jumătate a XVII-inceput. Centolul XVIII)

Influența stilurilor barocului pe forma mobilierului german începe să se simtă mai devreme decât a doua jumătate a secolului al XVII-lea. Acest lucru este deosebit de vizibil după sfârșitul războiului de 30 de ani. Dar, la început, există forme de împrumut și proporții de mobilier olandez. Cu toate acestea, această influență olandeză este menținută în parte până la rândul secolelor XVII-XVIII. În primul rând, acest lucru se referă la stilul unor astfel de elemente structurale și decor ca coloane răsucite sub forma unui Pilager, picioare răsucite de scaune, scaune și mese, suporturi sferice, dezvoltarea de tâmplărie a panourilor etc. Abundența coloanelor răsucite care servesc decorarea dulapurilor, bufetelor și a consumabilelor, supraîncărcă în mod clar forma mobilierului german. De exemplu, adăpostul (furnizorul) al activității germane din ultima treime din secolul al XVII-lea. Are decorațiuni sculptate neobișnuit de luxuriante și de transformare sub formă de figurine de caryatid pe partea de mijloc a dulapului, roboți. Un astfel de dulap cu o înălțime mai mare de 2,5 m, o adâncime mai mare de 1 m, iar lățimea de aproape 3 m se odihnea pe șase suporturi sferice.

În secolul al XVII-lea În orașul Augsburg, au fost făcute camere extrem de luxoase, picioarele și ale căror premii erau dantelă solidă sculptată. Florentin Mozaic, finisarea cu argint și broaște țestoase au fost utilizate pe scară largă în decorarea marginii faciale a dulapurilor. Astfel de dulapuri, instalate pe subsol, seamănă cu structuri arhitecturale întregi. În loc de lemnul negru (abanos) pentru fabricarea dulapurilor, producătorii de mobilier german au folosit adesea o pere de morarie. Ca element decorativ, un model sculptat a fost utilizat sub formă de ormushil (de la ea. Ohrmuschel - chiuveta urechii) - elementul caracteristic al ornamentului baroc flamandă sub formă de pliuri ale urechilor. Uneori suprafața frontală a dulapului a fost prelevată și interpretată ca o fațadă a unei clădiri, având ferestre, urmată de peisaje frumoase.

În Bavaria, în Regensburg, mai stricte sub formă de dulapuri, în picioare pe picioare cu șase picioare, trase în jos în partea de jos a literei x. Întreaga suprafață netedă facială a unui astfel de dulap este decorată cu picturi iluzorii de perspective arhitecturale în tehnica intarziei sau marqueturii de la un lemn colorat. Dulapurile, ale căror panouri, fețe laterale și avioanele frontale ale cutiilor externe au fost decorate cu compoziții foarte complexe de relief, care prezintă întreaga scenă de conținut religios și secular. Aceste compoziții au fost făcute din lemn colorat și au mers pe un cadru negru ondulat de negru. Un astfel de cadru ondulat a fost foarte răspândit nu numai în Germania, ci și în Olanda, Flandra și Anglia. Potrivit unor cercetători, au fost inventați la începutul secolului al XVII-lea. Producătorul de mobilier german G. Shvanhard. La sfârșitul secolului al XVII-lea. Un astfel de tip de cadre ondulate au pătruns în Rusia și a primit numele de drumuri frecvente.

Utilizatorii flamish Road au folosit producători de mobilier flamish, membru al planului de mobilier decorat mobilier de mobilier dintr-un copac negru în povestiri ornamentale separate și scene pe teme mitologice.

Mobilier baroc rusesc (a doua jumătate a secolului XVII-inceput XVIII)

Mobilierul german baroc din a doua jumătate a secolului XVII-primar al XVIII-lea. Aceasta caracterizează stăpânirea înălțimii de tâmplărie al maeștrilor germani și arta decoratiunii decorative a obiectelor de mobilier create de ei și, în același timp, material supraponderal, greutatea decorațiilor sculptate și exacte.

Primele semne ale stilului baroc din Rusia ar trebui să fie căutate în timpul domniei lui Tsar Alexei Mikhailovici (1645-1676). În acest moment, Rusia are deja suficiente legături de tranzacționare durabile cu Anglia, Olanda și alte țări. În restul palatelor tsariste și a casei de boicar începe să pătrundă în obiectele de mobilier strălucitor ale stilului baroc: cufere, paturi, dulapuri masive, scaune, mese etc. Masters străini sunt invitați, care efectuează comenzi pentru fabricarea de mobilier și să învețe maeștrii ruși. Obiectele tipice ale mobilierului au fost scaune și scaune cu spate în spate, decorate cu fire sub formă de bucle, coroană, stema, vulturi și lei, scaune în spate, precise drepte cu intercepții sau picioare răsucite etc. Scaunele și spatele au fost estimate prin pânză, catifea sau pielea embosată. Mese masive aduse din Germania stând pe picioare cu ochi groși sau răsucite, dulapuri masive ale căror clădiri au fost răsună pe suporturi sferice și paturi cu baldachin. Adevărat, paturile cu un baldachin au fost un obiect destul de rar și s-au întâlnit numai în Camerele Regale. Toate mobilierul a fost din lemn, iar suprafața sa era de obicei acoperită cu mistice de ceară, lustruită sau pictată. Cu toate acestea, multe eșantioane de mobilier nu numai importate, ci și fabricate, de exemplu, în armura Moscovei Kremlin. Au funcționat bine-cunoscuți bărbați, tăietori și porți: S. Darev-Sky, K. Mikhailov, Okulov, P. Kuzovlev, etc., care au făcut ordine ale curții regale și nobilimii din Moscova. Multe probe de mobilier din Europa de Vest din acea vreme au fost copiate de către maeștrii locali (în special pentru oamenii de fortărețe) - aceste copii au fost un nivel foarte scăzut și în termeni de construcție, și în ceea ce privește prelucrarea decorativă, pentru că Băiurile și tăietorii ruși, atunci nu cunoșteau încă toate secretele de artă de mobilier acumulate în vest. Poate fi explicată de faptul de motivul pentru care atât de puține obiecte ale situației locuințelor rusești din acea vreme au ajuns la timpul nostru.

Până la începutul domniei lui Petru I (1672-1725), barocul din Europa atinge cea mai înaltă înflorire. Hamburg (pentru alte informații, Augsburg sau Nürtendberg) sunt create (în 1682-1684) tron \u200b\u200bdublu de argint pentru tinerii regii din Ivan Alekseevich și Peter Alekseevich. Deasupra scaunului dublu, catifea roșie tapițată, pe coloane răsucite, un fel de baldachin cu imagini cu înlănțuite de animale fantastice și păsări, călăreți și un decor de baroc de legume diferit a fost întărit. Trei pași de deschidere sunt întăriți înaintea scaunului și la o anumită distanță de tron \u200b\u200bexistă coloane masive în formă și decor, dintre care unul este instalat exact în centrul tronului, decorat cu vulturi cu cap, gravat și ornamente fante, precum și două puncte de coloane mici. Aceste coloane sunt destinate a două spermă tsarist și o putere comună. Partea din spate a scaunului drept destinată tânărului Petru a avut o fereastră de fantă care a fost închisă de perdea. Se presupune că, în zilele tehnicilor solemne care stau în spatele tronului, omul a dat sfaturi și a sugerat regele răspunsurile necesare. În Rusia, în epoca Petru, cele mai bune eșantioane sunt mobilierul Angliei și Olandei - cele mai puternice puteri marine ale acelui timp.

La începutul secolului al XVIII-lea. Există un mare mare de mobilier străin și de maeștri străini în Rusia. Maeștrii străini au fost acuzați de datoria de a instrui studenții atașați de ei. Mobilierul străin a existat în palate lângă produsele fabricate în St. Petersburg. Împreună cu invitația maeștrilor occidentali și achiziționarea de eșantioane de mobilier în străinătate, producția internă sa dezvoltat în străinătate. Mobilier din Rusă, distins de identitatea sa, a început să se dezvolte în conformitate cu cultura paneuropeană. Din acel moment, mobilierul de proporții ușoare, mai elegant, vine să înlocuiască mobilierul greoi. Suprafața obiectelor de mobilier este acum mai complexă în detrimentul elementelor convexe și concave. Se utilizează de lemn de piuliță de pneumatică, precum și de roci de mireasă rare, mozaic de piatră și marchetare, înclinate prin diferite materiale, bronz aurit sub formă de elemente de decorație, colorare etc.

La începutul secolului al XVIII-lea. Din casele urbane, în primul rând în capitale, cuferele sunt curățate, iar locul lor, așa cum era obișnuit în Europa, ocupă dulapuri și dulapuri. În acest moment, în deplasare, tipurile simple de scaune și scaunele olandeze și engleze cu picioare drepte și spate având trei rafturi, media din care este făcută din sculptate.

Împreună cu ei, tipurile de scaune sunt distribuite pe scară largă, se formează probe de severogberman. Scaunele au picioare directe precise și o parte din Prideos, rafturi laterale precise ale spatelui direct, partea din mijloc este decorată cu fire de deschidere sub formă de bucle mari. Spatele are o finalizare semicirculară, decorată și cu sculpturi. O astfel de decorare sculptată are mândrie anterioară, situată suficient de mare deasupra podelei - aproximativ în centrul picioarelor. Scaunele sunt efectuate moi sau semi-dimensionale și se grăbesc cu cârpă sau piele cu unghii cu capace mari. Tapițeria ușoară are un plan central al spătarului. În mod similar, scaunele sunt rezolvate cu picioare și proprietăți exacte, un capăt sculptat al spatelui și implementat pe teritorii. Scaunul are o tapițerie moale a scaunului și partea centrală a spatelui și este decorată suplimentar pe partea inferioară a scaunului.

Se utilizează alte tipuri de mobilier moale pentru scaune, up-ul de piele, pânză cu broderie sau o cârpă de mătase. Astfel de scaune și canapele au picioare sculptate curbate, care sfârșesc laba de păsări care deține o minge. Eșantionul mobilierului barocului Petrovsky poate servi tronul lui Peter I, decorat cu argint. Acest tron \u200b\u200ba fost realizat de o clauză de lucrător la mobilier în 1713. Un alt eșantion poate servi ca un fotoliu, o catifea de zmeură, care a fost plasată de ceară Figura I, realizată în 1725 P. Fedorov, o curte ascuțită. Caracteristica acestei epoci sunt mese de stejar greu, care au fost făcute în tipul de mese olandeze ale secolului al XVI-lea, care stăteau pe picioarele cu ochi groși sub forma unui balaaz de iepuraș, tras cu un cadru plat de formă dreptunghiulară cu margini profilate. Subsolul a fost realizat foarte masiv și a avut, de regulă, sertarele. Întreaga suprafață frontală a podstolye a fost decorată cu profiluri, jumătate de coloneluri și un motive decorative complexe, reamintind portaluri sau platbane de ferestre din palatele Moscovei sau bisericile. Tabletul cu o margine profilată ar putea avea plăci laterale extinse de sub ea, care seamănă cu unele eșantioane olandeze. Dacă o astfel de masă a fost efectuată dintr-un copac simplu, atunci a fost adesea vopsea verde colorată. Pentru amenajarea spațiilor, au fost utilizate diferite dulapuri, a căror decor a fatadelor faciale a fost efectuată, urmând principiile bijuteriilor arhitecturale utilizând șabloane arhitecturale. Influența dulapurilor olandeze este resimțită în proporții și rezolvarea formei mesei modelate de uși, streașină, semi-colonel precis și șabloane arhitecturale într-un bufet de dulap pat, realizat la începutul secolului al XVIII-lea. Suprafața unor astfel de obiecte de mobilier a luptat și a avut o textura mată. Trebuie remarcat faptul că mobilierul de mobilier din tehnica de marchetă din Rusia la începutul secolului al XVIII-lea. Nu a fost introdus, prin urmare, în locul unui set de mozaic din lemn, pictura întregii suprafețe a subiectului de lemn, pre-acoperite cu levkas, modele ornamentale luminoase, imagini tematice, culori au fost adesea folosite. Apoi pictura a fost acoperită cu lac. Pentru amenajarea premiselor palatelor folosite, în plus față de dulapuri, mese și mobilier pentru scaune, și ceasuri de podea, oglinzi în cadrele de stejar mare, Shirma, Lacul Larz, etc.

Sokolova T.M. În lucrarea sa, menționează inventarul conservat al finisajului și a mobilierului Palatelor Peterhof din 1728, conform căruia pereții din incintele palatelor au fost înăspriți cu țesuturi, cel mai adesea mătase, mai puțin adesea lână și s-au înșelat. Mobilierul a fost locuit la aceeași cârpă ca și pereții, precum și safianul roșu. Pernele de mătase au fost stivuite pe scaune răchită. În stoc, de exemplu, au fost marcate: tapet Muarovy Mătasea olandeză, Lățime engleză și chineză de nuc Cabinet Engleză, Masă neagră germană simplă pe trei picioare, masă nu a pictat pe un picior, masa rotundă de stejar cu etaje, dulap roșu și t .p.

Mobilier francez baroc (mijlocul secolului XVII-IVIII). Stilul stilului Louis XIV

Secolul al XVII-lea. - cea mai puternică stare a Europei cu puterea regală absolută. În acest moment, există construcția de ansambluri arhitecturale mari, crearea de lucrări de lux de arte decorative și aplicate, mobilier și sculpturi, lucrări pitorești magnifice.

Stabilită până la mijlocul secolului al XVII-lea. În Franța, stilul poate fi descris ca un baroc într-o sinteză cu motive de rebound. A fost un baroc cu calea franceză - foarte magnifică, strălucitoare, seculară, în cea mai mare parte reprezentativă, comandată și academică decât italiană. Acest stil este obișnuit să sune un stil mare sau stilul lui Louis XIV. Întreaga perioadă a barocului francez este foarte convenabil împărțită în mai multe etape: Renaștere târzie cu elemente de manierism a stilului baroc timpuriu, stilul de tranziție (Louis XIII, 1610-1643); Baroc matur (Louis XIV, 1643-1715); Regenerarea stilului (stil de tranziție între domnii Louis XIV și Louis XV) și Rococo (Louis XV, 1720-1765). Ultima etapă, stilul Rococo, în prezent, cercetătorii nu se referă la stadiul baroc final și târziu și la stil artistic independent, adevărul care a crescut de la barocul subsolului.

Mobilierul epocicarului baroc francez nu poate fi evaluat fără a ține seama de dezvoltarea arhitecturii timpului, decorarea interioarelor și a tuturor artelor decorative și aplicate în general.

Cu Louis XIII, aristocrația și bogatul burghezie din Franța ordonă în mod activ construirea de palate de lux, care proiectează pentru ei S. De-Zub, F. Mansar, L. Levo și alți arhitecți celebri din acea vreme.

Toată lumea din interior servește ca reprezentant, dorințele vor lovi instantaneu privitorul cu luxul decorării spațiilor.

Acum, premisele de paradă devin lobby-ul cu scările din față, bine decorate și galeria conectată la ele. Impresia de solemnitate apare de la vizitator ori de câte ori se încadrează în hol din scara din față, peste care tavanul vopsit tavan pictat.

Cerințele stilului nou emergent conduc la dezvoltarea artelor decorative și aplicate, în special fabricarea de țesuturi, covoare, feluri de mâncare, bijuterii și, desigur, mobilier. Scaunele și scaunele de acest timp au încă forme simple, principalele elemente structurale sunt realizate prin rotirea, spătarul și scaunele sunt testate cu o cârpă. Treptat, datorită cerințelor de confort, scaunele sunt mai largi, spatele este realizat mai sus, toate piesele din lemn sunt acoperite cu sculpturi abundente și aur. Cu toate acestea, arta decorativă franceză și producția de mobilier din acest stil au luat-o dezvoltare mai mare Numai în a doua jumătate a secolului al XVII-lea. Cu Louis XIV, care construiește un ansamblu magnific Versaille - cu palatele, grădinile, parcurile, bazinele și fântânile decorate cu sculpturi. Toate acestea au fost concepute și efectuate pentru ceremoniile de tribunal, subordonate etichetei stricte solemne. Versailles, care a fost creat de arhitecții L. Levo, J.A. Mansa-Rum și A. Lenotrom sub conducerea primului pictor King Sh. Lebedna și decorată cu sculpturi de F. Giradon și A. Kuazewox, au exprimat cel mai organic ideea de putere absolută. A început în 1661, construcția și finisarea lui Versailles au continuat în următorii treizeci de ani. Versacul Ensemble este cel mai mare simbol și eșantion al stilului barocului francez și cea mai mare realizare a artei acelei momente. Monarhia Franței devine un exemplu clasic și un model pentru imitarea majorității curții regale europene. Stilul baroc francez pentru o lungă perioadă de timp devine cel mai înalt criteriu al frumuseții și luxului.

Vedere generală a Palatului Versailles. 1668 Paris, Franța

Oglindă. Versailles. F. Mansar și Sh. Lebrene. 1679-1686. Franţa

Rezultate similare sunt posibile nu numai de eforturile arhitecților, pictorilor, sculptorii, producătorilor de mobilă etc., ci și mulțumită lui Kohlbera, primul ministru al Louis, care a fost responsabil pentru organizarea întregii vieți artistice a țării, organizând diverse instituții concepute pentru a dezvolta arta și cultura sau pentru a furniza acest ajutor de stat.

În 1661, Academia de Pictură și Sculpturi, înființată oficial în 1648, a înființat oficial cealaltă academie, Academia de Arhitectură, care a primit statutul oficial în 1671, a devenit un nou rol în 1648, devenind o școală reală pentru arhitecți și constructori. Academia Franceză creată în 1666 de la Roma începe să învețe elevii pictura, sculptura și arhitectura asupra celor mai bune exemple de artă veche italiană.

Activitatea Kolbera a vizat creșterea industriei artei și a artei Franței pentru a oferi o țară de independență din alte state și în acest domeniu. Ca urmare, industria de artă și artă din Franța a primit un impuls puternic, iar țara a început să producă tot ceea ce a importat anterior. Colbert a sprijinit atât fabricile de textile care au început să lucreze în diferite orașe din Franța.

Lyodafature of Lyon începe să producă țesături luxoase din pachete, Silka, umplute cu modelele baroce în stil italian, care și-a găsit utilizarea demnă atunci când proiectează interioarele lui Versailles - reședința permanentă a lui Louis XIV din 1682. În plus, Kolber invită Maeștrii de la Veneția către artizanii francezi pot învăța că au tehnica de producție a oglinzilor. În 1662, pe baza atelierului de tapiserie, Kolberul unește atelierele de covoare împrăștiate ale Parisului și le oferă statutul regalului Manuff, la șeful căruia, ca director artistic, a devenit S. Lebrene. Sarcinile acestei fabrici au fost identificate foarte extinse. În plus față de covor, a trebuit să contribuie la dezvoltarea diferitelor meșteșuguri artistice și să servească ca o școală pentru învățarea maeștrilor de aur și argint, fondatori, gravori, țesători, lanțuri de piatră, producători de mobilier și vopsea. Tema decoratiunilor unei părți semnificative a covoarelor de covoare a fost aleasă pentru a rezona imaginea regelui. De exemplu, au fost efectuate o serie de tapiserii pe temele vieții și de marele acte ale lui Louis XIV sau Alexander Macedonsky, unde marele comandant a fost identificat cu regele Franței (o serie de tapiserii: Louis Louis Viața, povestea lui Alexander, Royal Residences ). În 1664, prin ordinul lui Louis XIV, a fost deschisă o altă fabrica de țesut din Bove, care, împreună cu fabricarea în obusson și pelelet, dobândită în secolul al XVII-lea. mare importanță. Tapeletele franceze se bucurau de popularitate extraordinară. Comenzile au venit din toate țările europene. Majoritatea produselor au fost efectuate în desenele Lebed.

În secolul al XVII-lea Produsele din porțelan și faianță au fost distribuite pe scară largă. Centrele producției lor devin nevăz, Rouen și Misti. În aceste produse, motivele chinezești și ornamentele Renașterii italiene, care au rămas doar în producția neverte, sunt dispărute treptat. Produsele ceramice de la roz sunt acoperite cu modele elegante cu lambrequin ornamental baroc și spunând. Produsele din porțelan din Mandy sunt decorate cu ornamente cu motive grotesk. În interiorul Palatului Versailles, au fost utilizate oglinzi de dimensiuni mari, ceea ce indică nivelul de tehnologie și arta Franței din acel moment, ceea ce a fost un concurență vrednică cu geamurile și oglinzile către maeștrii din Veneția. Se știe că, la început, oglinzile de dimensiuni mari, achiziționate în Veneția.

Galeria de oglindă a Palatului Versailles, creată de Manzar, este o adevărată capodoperă a interiorului barocului. A fost folosit aici recepție nouă. Decorul zidurilor cu oglinzi, care erau vizavi de ferestre și au coincis cu ei în dimensiune și formă. Ca rezultat, sa dovedit că galeria avea două pereți cu ferestre cu vedere la grădină, numai singurele au fost reale, iar altele - imaginare. Galeria Lebrenei a fost decorată cu medalioane cu imaginea victoriilor regelui soarelui, așa cum a fost chemat Louis XIV.

Galeria de oglindă era situată pe terasa care leagă apartamentele regelui și reginei. Între ferestre și arcade, pilaștrii din marmură au fost instalate, cu capitalele ordinii franceze, realizate din bronz auriu, antabletul a fost decorat cu coroane regale. Rezervorii au folosit, de asemenea, motivele armurii militare, diverse embleme și arme din marmură artificială.

Până în 1689-1690. Galeria de oglindă a fost mobilată cu mobilier de argint proiectat de schițele lui Lebedin. Cu toate acestea, toate aceste mese de argint, scaune, candelabre, lămpi, plante, după edictul regal împotriva luxului, 1689 au fost monede interpretabile pentru a acoperi costurile războiului. Grandoarea Palatului Versailles a cerut noi tehnici pentru soluții deco-râu și noi în arta mobilierului.

În unele camere, pereții, rupți în panouri separate, au fost căptușite cu o marmură multicoloră și decorate cu coloane și pilaștri, între care au fost plasate compoziții aurite stucco. Magnificul au fost frize, streașini și platforme pictate de cei mai buni artiști ai țării.

În alte săli, pereții au fost strânși de țesături scumpe, care s-au schimbat în funcție de timpul anului. În timpul iernii, o catifea verde sau roșie închisă a fost folosită cu Golden Galoon; În vara - un brocart cu un model de aur sau argint și un argint multicolor. Pe fundalul acestor țesături, picturile lui Titian, Rubens, Karachchi, Veronese și alți mari artiști au fost făcuți în cadre aurite.

În acest moment, există un vârf de popularitate a tapițerii pereților palatelor bogate ale pielii de vițel reliefate, decorate cu folie de argint și aur sau vopsită cu culori strălucitoare pe diferite teme. Decorul unei astfel de tapițerie din piele a imitat adesea desenul unor țesături scumpe. A păstrat popularitatea. Ridicarea simplă a pereților cu panouri din lemn din stejar, pin sau brad, adesea colorate sub rase mai scumpe.

Până la sfârșitul secolului al XVII-lea. Astfel de panouri de perete din lemn au devenit chiar vopsite în tonuri albe, albastre sau verzi verzi. Uneori a avut loc o astfel de carcasă din lemn în partea de jos a centurii centrale, realizată din marmură multicoloră. Trebuie remarcat faptul că finisajul de marmură nu este numai podelele, ci și zidurile versaillei sub influența italiană explicită, în timp ce în multe alte interioare franceze baroce, un copac a fost utilizat pe scară largă.

Majoritatea premiselor etajului de la Versailles au podele din marmură, iar pe etajele superioare, podelele au fost făcute în principal din lemn. Deja până în 1620, Maria Medici a ordonat pardoselii dintr-un parchet, înclinat de argint în biroul său. Într-una dintre camerele moștenitorului către tronul A.-S. Boule, un mobilier de curte al regelui, podeaua a fost folosită, decorată cu modele de pe coaja de broască țestoasă și de argint, care corespundea stilisticilor sale de decorare a mobilierului.

În Franța, parchetul a fost făcut, mai ales din stejar și avea o formă de diamant a elementelor sale. Cu toate acestea, tehnica unui covor stabil, abundent incomod, nu a primit o mare recunoaștere în Franța, dar în Germania, Rusia și alte țări nordice au fost aduse la perfecțiune. Pe partea de sus a parchetului și a altor etaje, ar putea pune covorașii de paie (chiar și în repausul regal) sau covoare persane, care a fost o mare raritate. Covorul solid a fost distribuit nu mai devreme decât secolul al XVIII-lea, când covoarele separate au început să coase într-un singur întreg. Covoarele persane au fost abandonate de podele numai în cazuri deosebit de solemn. Uneori au acoperit chiar mese.

În secolul al XVII-lea În Franța, tradiția de decorare a semineelor \u200b\u200bsa schimbat. Seminee cu un coș de cort de-a lungul secolului au dispărut aproape, iar tipul principal a fost șemineul cu o proeminență plată, care a fost făcută de la podea la tavan. În partea de jos, șemineul a fost decorat cu un subsol și, în partea de sus - streașina, ale căror stilistice trebuia să corespundă profilurilor decorului întregii încăperi. O oglindă a fost instalată peste raftul de șemineu. Deși astfel de seminee cu oglinzi au fost deja cunoscute la începutul secolului, de exemplu, în fontainebell în 1601, până la sfârșitul secolului al XVII-lea, nu au fost larg răspândite.

Mobilierul paradinar în stilul barocului francez pentru palatele Louis XIV și nobilimea pariziană se face în primul rând pe baza eșantioanelor italiene. Lebrene vă invită din Italia pentru fabricarea de mobilier regal de la Mesmer Străine D. Kuchchi, Mozaicist D. Branca și Cutter F. Kafartier, care a instruit un număr mare de maeștri francezi celebri. Influența semnificativă asupra dezvoltării acestui stil au fost artiști Sh. Lebrene și J. Lepotr. Desenele probelor de mobilier publicate de aceștia au decor de tipul de ornamenta ornamenta romană din mijlocul secolului al XVII-lea. În stilistul mobilierului barocului francez, se pot distinge două direcții, dintre care una se caracterizează prin influența creativității Lepotra, iar cea de-a doua este influența artistului J. Beren, datorită căruia devine mobilierul supraîncărcat cu decor Mai elegant.

Toate secolele XVII. Și până în a doua jumătate a secolului al XVIII-lea. Mobilierul este fabricat din copacul pietrelor locale, decorate cu sculpturi și de aur sau de la podul, în primul rând abanos (negru), acoperit cu înclinare de argint, cupru, perle, coajă de broască țestoasă, lemn de alte rase și bronz aurit. Obiectele de mobilier sunt, de asemenea, decorate cu basoreliefuri deasupra capului, medalioane, curea profilate, ornamente din bronz de aur turnat.

Ornamentul stilului Louis XIV este strict simetric și este construit pe liniile directe și rotunjite, ceea ce oferă o anumită mobilitate a compoziției decorative. Ornamentul este dezvoltat folosind motivele unui acack, ghirlande, trofee antice, palmete, lupi, balustrade, fronții sfâșiate, capete leoaică și capete de sex feminin, o cutie cu o parte centrală convexă, care este adesea decorată cu imaginea soarelui , fața lui Apollo, două scrisori încrucișate l sau trei crini francezi etc. La sfârșitul secolului, sunt distribuite ornamente decorative: un trol, care este o plasă solidă cu celule de diamant, în fiecare dintre care este plasată o priză și o lambrenă, imitarea tăiată cu dinți sau întoarsă până la perdea, adesea cu perii.

În acest moment, cele mai complexe tehnologii ale împerecherii copacilor, a tigăi, a setului de mozaic sunt cunoscute de producătorii de mobilier. Designul mobilierului este adiacent la perfecțiune. Cu toate acestea, întregul secol al XVII-lea. Nu au existat capete de mobilier în înțelegerea modernă a acestui termen. Numai serii sau grupuri separate sunt create construcții constructiv și stilistic interconectate, scaune și scaune. Cabinetele, dulapurile au fost create, ca regulă, sub formă de obiecte independente, deși uneori în perechi sau grupuri mici. Principala inovație, care a apărut în mobilierul de această dată, contabilizează în proiectarea sa și forma cerințelor convenționale, confort. O mare varietate de tipuri de obiecte de mobilier apar în funcție de anumite nevoi funcționale vitale ale unei persoane. În acest moment, ceasurile de înaltă calitate încep să fie utilizate pe scară largă, primele birouri scrise și tabelele Biroului, mesele de consolă, dulapurile și forme timpurii Canape și șezlonguri.

Decorarea premiselor Palatului Baroc este de neconceput fără dulapuri decorate luxos, care au avut adesea dimensiuni foarte impresionante. Mai ales a fost fanked de produsele din lemn negru decorate cu mozaic, inlay, pictura. Biroul a fost de obicei rezolvat de tipul de clădire baroc, al cărui fațadă a fost decorată cu coloane sculptate, cornișe, fronții, prize, medalioane, vopsire, profiluri arhitecturale. Adesea, cabinetul în sine a fost instalat pe suporturile făcute sub formă de coloane sau karyatid, la rândul său, pe un subsol bine profilat. Cabinetul avea de obicei două uși swing, urmată de cutii retractabile, bine decorate. La perioada târzie a stilului Louis XIV, există o apariție a unui obiect de mobilier nou - un piept mobilat pentru picioare și pentru confortul sertarelor echipate cu sertare, numit pieptul. În timpul lui Louis XIV, apare un tabel scris cu sertare, care a fost inițial numit Biroul, pentru că Blatonul său a fost blocat de o cârpă groasă (de la Fr. Burean - o cârpă groasă). Un astfel de tabel a fost realizat dintr-un copac negru, picioarele și păstăile erau acoperite cu sculpturi, iar coastele, mânerele și stivele cu cutii au fost decorate cu un bronz aurit cu grinzi de suprapunere. Treptat, suprafața de lucru a tabelelor de scriere a început să aibă un add-in cu cutii și rafturi și închise cu un capac pliabil. Astfel de mese au avut un finisaj de lux și au fost numite tabelele Biroului.

Alte tipuri de mese au o blat rotundă sau dreptunghiulară. La mese dreptunghiulare, picioarele fațete în formă de piramido sunt realizate cu o axă verticală. Au un fir magnific sau o inlay. Ele sunt adesea decorate cu capete de miel sau capete de sex feminin din bronz auriu.

Mai târziu, tabelele încep să stea pe patru, ci pe opt picioare, trase la proprietăți curbate cruciforme. Tabelele au două sau trei sertare, decorate cu căptușeală interioară și bronz. Topurile de masă ale tabelelor sunt fabricate dintr-o placă masivă de marmură colorată și decorate cu un mozaic. Din lemn, decorate de-a lungul marginii firelor și inlay-ului, blaturilor. În plus față de birourile din față, au apărut mese de consolă rectangulare îngustă, care au fost ridicate de perete. Lățimea lor este, de obicei, determinată de lățimea oglinzii-tremo, care se află pe perete peste consola. Principala decorare a meselor consolei este, de obicei, concentrată în subsol, care a avut un fir luxuriantă și o aurit solidă. Picioarele consolei de mai jos au fost strânse cu o formă foarte complexă, iar mijlocul său, de obicei, decorat cu un carton sculptat, decorat cu cifru regal și stema sau o vază. Aceste tabele au efectuat un rol decorativ, au fost de obicei instalate obiecte frumoase - vase, ceasuri, plastic mic etc.

În stilul lui Louis XIV la granița secolelor XVII - XVIII. Și mai ales în stilul de regență ulterioară, este vizibil să se schimbe forma simplă de linii de curbat. De exemplu, tabelele scrise sunt scutite de progres și au un picioare ușor curbate care sunt îngustate de carte și capăt cu labele de bronz.

În partea de mijloc a mesei de lemn, un autocolant realizat din safian roșu sau verde, decorat cu aur imbracat de aur. Sub tabelul de sus există, de obicei, trei sertare, unde media are cea mai mică adâncime față de două părți.

Un loc special în mobilierul baroc francez este mobilierul pentru scaune. Scaune, scaune, canapele sunt făcute cu înălțime, ușor îndoite înapoi deasupra capului unei persoane șezite. Coatele au o îndoire frumoasă și se termină cu vopsire. Picioarele și produsele sunt efectuate cu o metodă de rotire cu intercepții mari și sunt conectate unul cu celălalt prin îngroșarea caracteristică a formei dreptunghiulare. Există și alte tipuri de picioare: o formă piramidală, decorată cu ornamente sculptate și profile și curbate sub formă de litere, capetele care sunt de obicei decorate cu frunze de salcan. Acest ultim tip de picioare se referă la a doua jumătate a domniei lui Louis XIV. Scaunele, spatele și coatele sunt făcute moi și rumă cu broderie de blană făcută manual, cu o cruce mică sau semi-crusta, tapiserie, piesă de tapiserie, pielea spaniolă încorporată de cordon, ochi, stoarcere, catifea modelată. Scaunele și scaunele sunt, de asemenea, decorate cu o margine de-a lungul marginii inferioare a scaunului și au murit. Tabelul de tapițerie este de obicei atașat la unghiile cu pălării mari aurite. Punerea - părului de cai. În acest moment apar primele canapele, care amintește de cele trei scaune interconectate, cu un singur spate și scaun. Partea superioară a spatelui astfel de canapele are o linie barocă ondulată, ca și cum ar fi o linie repetată a scaunelor conectate. Canapele se bazează, de regulă, șase sau opt picioare. Piesele de tapiserie (separat pentru spătar și pentru scaun) sunt realizate pe fabricații de tapiserie, bove sau ourusson. Astfel de tone luminoase și saturate ale țesutului sunt făcute cu divorțuri ornamentale, culorile dimensiunilor mari sau decorate cu imagini de păsări, animale mici etc. Piesele moi de mobilier încep să acopere cu capace detașabile.

În a doua jumătate a consiliului de administrație al Louis XIV, există scaune confortabile cu spate caracteristice, pe care se fac două proeminențe pentru a fixa capul persoanei așezate, iar primele ședințe (de la Fr. Chaise Wongue este un scaun lung ) sub forma unei forme sau scaune alungite cu un fotoliu atașat la ele.

Pentru barocul francez, un decor foarte magnific de paturi palatului este, de asemenea, caracteristic. Paturile au cavități, perdele luxoase și găuri cu lambrequine, precum și satin, paturi de mătase și capete, care ascund aproape complet elemente din lemn de carcase de pat. Țesături foarte populare cu model estic pe subiecte japoneze și chineze (ramuri de înflorire Sakura, păsări, flori etc.), așa-numitele. Japonianing. Astfel de țesături au fost folosite nu numai pentru decorarea dormitoarelor, ci și pentru faptele de masă, perdele, perdele și perdele pe ferestre și uși. În dormitorul regal, Alcove a lovit din restul camerei, de asemenea, cu un balustradă decorativă. În camerele din fața dormitoarelor, așa-numitele. Belleva, au fost instalate dresca. Trebuie remarcat aici că dormitoarele din secolul al XVII-lea. Sa considerat premisele paradice în care au avut loc adesea oaspeții. Din a doua jumătate a secolului se răspândește un astfel de tip de mobilier de agrement situat ca o canapea (de la Fr. CoCher - să doarmă), similar cu tipul timpuriu de șezlong - pe șase sau opt picioare, trase, sub formă de O bancă moale extinsă sau o banchetă cu un cap înapoi pe următoarele sau trei spate (longitudinale și două la capete). Acest tip de mobilier a început să sune la canape. Ecranul include ecranele care blochează șemineul Zev. Ecranele sunt strânse cu țesături de tapiserie.

Vorbind despre mobilierul francez baroc, ar trebui să fie evidențiat în mod special pe mobilierul palat realizat în stilul Bulg. Un astfel de stil este numele faimosului producător de mobilier al epocii lui Louis XIV Andre-Charles Bull, de origine flamandă, care a lucrat cu cei patru fii ai săi. Mobilierul din acest stilist a avut succes și a fost larg răspândit în secolul al XVII-lea, iar în aproape doar secolul al XVIII-lea. Nu numai în Franța, ci și în alte țări. Mobilier în stilul Bult, provocând o mulțime de lucrări imitative de artă de mobilier, inclusiv în Franța, a fost foarte populară și în Rusia, însă, la sinele A.-S. Bulo nu a avut o relație.

Mobilierul Boulev este monumental, are forme simple și este extrem de bogat decorat - se poate spune, a știut cu ornamentare. Acestea sunt dulapuri, dulapuri și dulapuri pentru monede, ore în picioare, dulapuri, mese etc. De obicei, astfel de mobilier A.-S. Boule placaj în copac negru și decorată cu intrări și inserții de la bronzul aurit. Avioanele curate ale obiectelor de mobilier au fost interpretate de ambele panouri, care au arătat imagini ciudate cu o compoziție închisă, acoperită complet cu modele baroce sub formă de bucle interconectate, lupi, ghirlande, grotecas, mascururi, frunze, culori, prize etc. Uneori, în centrul unei astfel de "ornamentul a fost plasat vaze cu flori și fluturi în jurul fluturilor marcate de un copac colorat sau o compoziție independentă cu o figură umană făcută de un teren slab de bronz auritat, în picioare pe un piedestal special, înconjurat de bizar bucles. Bullmentation Bull este strict simetrică și are o legătură directă cu motivele Renașterii și cu decorul Romei antice, astfel că există multe compoziții figurative pe subiectul antichității, trofeelor, adică compoziții de săbii, ligamente dictorice, scuturi, căști, Laureluri și frunze de stejar etc. în perioada timpurie a. Boul face dulapuri și dulapuri pentru monede și medalii care sunt imitate de dulapurile florentine și înclinate cu o piatră solidă (Pietra Dura). Dulapurile booleene sunt decorate cu modele de flori și păsări efectuate într-o tehnică incompletă cu lemn colorat - intrarsia.

Al doilea, perioada mai târzie în stilul stilului bull este caracterizată de predominanța înclinată din coaja de broască țestoasă, alamă, staniu, argint, perla, masa de sticlă etc. sub abundența decorațiilor suprafeței de lemn a copacul nu este aproape vizibil. Elemente ale ornamentului, realizate, de exemplu, de la broască țestoasă impusă unui fundal metalic strălucitor, au fost furioase de către cadrul embosat din bronz de aur turnat. În alte cazuri, modelele baroce, sculptate din alamă (cupru), staniu sau argint, părea foarte rafinat pe fundalul unei plăci lustruite ale coajă de broască țestoasă, subliniind decorațiile mai mari din bronzul aurit vopsit.

Pentru lucrările sale inalide, A. Buld a aplicat un fel de tehnică, pe care El, adevăr, nu a inventat, ci a adus la cea mai înaltă perfecțiune. De exemplu, pentru a obține elemente individuale ale ornamentului planificat, două plăci - o broască țestoasă și alamă (cupru) - ușor lipită împreună una cu cealaltă, iar desenul elementului de model articulat este aplicat la unul dintre ele. Apoi, simultan prin ambele plăci de-a lungul conturului, acest element al ornamentului este alimentat de un jigsaw până când acesta scade din plăci sub formă de două pe Abi, dar diferite părți ale detaliilor.

Această tehnică a oferit cea mai bună măsură a elementelor ornamentului și a fundalului, capacitatea de a crea simultan două imagini identice, dar diferite în culoarea, textura și textura ornamentului și lipsa completă a deșeurilor, ceea ce a fost foarte important când utilizați materiale valoroase. În limba profesională a mobilierilor, o placă de broască țestoasă cu model de alamă (cupru) a fost numită prima parte, alamă cu o inserție de broască țestoasă - a doua. Dacă a fost conceput un model cu utilizarea de staniu, atunci umezeala și primirea elementelor individuale și acționează prin găuri, coincidente cu abis ale acestor elemente, au fost conduse prin trei plăci.

O coajă de broască țestoasă în epoca barocă a fost utilizată nu numai pentru un astfel de obiecte de mobilier inlay. Tehnica de vârf a fost utilizată (de la Fr. Piquer - laminare) atunci când în placa de broască țestoasă, în conformitate cu figura, segmentele preîncălzite ale firului de aur au fost nituite. Când sârmă răcită, segmentele acoperite în suprafața plăcii, care a fost apoi lustruită temeinic. La suprafața plăcii, a fost obținută un model de dantelă ușoară și foarte elegantă, constând din mici puncte de aur strălucitoare. Un astfel de model a fost adesea completat de perle și garnituri de aur.

Muzeul Hermitage are o masă de vârf, care a fost făcută prin ordinul lui Louis XIV pe fabrica de tapiserie. El a fost intenționat ca un cadou pentru Regina Portugaliei.

Până la începutul secolului al XVIII-lea. Formele de stil Bulgular dreptunghiulare sunt înmuiate, apar linii curbate rotunjite. Cantitatea de atare, dând drumul la frumusețea copacului natural, este redusă.

Una dintre epoca barocă barocă din Franța - arta unui stil mare sau stil de Louis XIV - este crearea obiectelor de mobilier, în care libertatea de construcții compozite a elementelor principale ale formei, excesiv, abundență și bogăție de Decorul sunt constrânși și echilibrați printr-o clădire și logică și logică, rezonabilă a structurii lor de volum-spațială. Toate acestea indică impactul evident și penetrarea principiilor Renașterii în baroc francez.

Perioada de reînnoire a mobilierului francez (primul trimestru al secolului al XVIII-lea). Stilul Regency.

Tranziția de la epoca Barocei maiestuoase a Louis XIV la Rococo a avut loc printr-o etapă intermediară, care este obișnuită să apeleze stilul Regency. Acest stil de artă franceză, inclusiv. și mobilierul, a fost caracteristic al primului trimestru al secolului al XVIII-lea. În acest moment, unchiul nativ al viitorului rege al Franței Louis XV Philip Orleans devine în 1715, cu regent și regulă țara. Un nou stil de tranziție apare, care facilitează treptat formele de obiecte de mobilier și decorul lor, menținând în același timp structura și linia principală a formelor lor și, în multe privințe, ornamentul stilului Louis XIV. Adevărat, acum în motive ornamentale, lista de acanta este îndeplinită mai puțin și mai puțin și modelul ornamental de înclinare este ocupat. În secolul al XVIII-lea Curtea regală și întregul francez cunosc petrec o cantitate imensă de bani pe mobilierul apartamentelor lor, mobilierul începe să ocupe un loc semnificativ în viața lor. Luxul decorului este făcut mai sofisticat și mai puțin solemn și pompos. Chiar și există o anumită opoziție față de mobilierul principalelor spații și camere rezidențiale, care sunt pline de mobilierul unui confort mai confortabil, adecvat, gust și starea de spirit a unei persoane care locuiesc aici. Scaunele și canapelele sunt acum împărțite la așa-numitul. Situația, care sunt instalate de-a lungul pereților și are un loc strict definit și mai mobil, pus în grupuri în orice loc convenabil, de exemplu, în jurul mesei.

Forma scaunelor, scaunelor, canapelei se schimbă treptat - Momeperii aproape dispar aici, iar picioarele sunt din ce în ce mai îndoite, spatele scaunelor este mai întâi făcut înalt, dar treptat devine mai mic, mai abrupt, coborând înapoi. Scaunul este încă mai moale și mai larg ținând cont de hainele uzate. Când doamnele au început să poarte o panică foarte largă de fizhma, elbadele au fost plecate spre margini, în afară, în scopul așezării și ridicării. Decorul acestor scaune pentru scaune este conservat sub formă de fire de piese de lemn și încăpățânate de tapițerie de tapițerie de lux sau catifea. La tapițerie nu există numai tapiserii netede, ci și covoare țesute dilatate moale, cu un model de flori care produce fabrica de savannety.

În compoziția mobilierului de cabinet există un refuz din principiile arhitecturale ale construcției sale. Cabinetele încetează să reamintească clădirilor cu decorarea lor arhitecturală, în primul rând, părțile lor de fațadă. În loc de dulapuri și dulapuri, preferința este dată pieptului. Fața de fațadă față a casetei pieptului se îndoaie fără probleme, ca și cum ar fi umflarea și marginea inferioară se face cu o proeminență asemănătoare valului în mijloc. Carcasa pieptului este pe o curbă mare, desfășurată pe laturile față de planul fațadei cu picioare acoperite cu fire și decorate cu garnituri de bronz în plus sub formă de ornamente de plante cu figuri și capete umane. Colțurile vârfurilor de masă se rotesc și marginile sale sunt profilate. Miezul pieptului este decorat cu un copac tipic în tehnica de marchetă, precum și decorațiile de la bronz. Pentru un set, este de obicei folosit, de regulă, nu numai un copac negru, ci și pomul altor roci valoroase aduse din străinătate.

Compoziția decorațiilor decorative este încă simetrie, dar în forma și plasarea elementelor individuale de ornament, bucle, buchete, cifre și capete există o mare ușurință și libertate de soluții decât în \u200b\u200bdecorarea mobilierului din perioada anterioară.

Studii de materiale utilizate. Beneficii: Grishin A.a. Un curs scurt al evoluției stilului de mobilier - Moscova: Arhitectura-C, 2007

Stilul baroc a înflorit în Europa în secolul al XVII-lea, care a apărut un secol mai devreme în Italia, unde stăpânii locali au căutat să-și ridice semnificația culturală pentru a aduce anumite excese în toate ramurile de artă și personalitate, inclusiv în arhitectură.

Înainte de Rusia, stilul arhitectural al Barochko a ajuns la "fereastra uzată" de către Peter I "fereastră", cu un aport echitabil, încorporat în întregime în secolul al XVIII-lea, când clasiculul a fost deja consolidat în Europa. Dar decalajul din punctul de vedere al timpului a fost mai mult decât compensat de Grandeurul clădirilor baroce ale ansamblurilor urbane și conacului capitalei și al altor locuri îndrăgostite cu limba rusă. În plus, barocul rus, ca și alte tendințe culturale străine care intră în țară, găsite noi, necharacterice pentru caracteristicile baroce europene, reproducerea stilurilor pur domestice, cum ar fi Stroganovskoye, Golitsyn și Naryshkinskoye Barocue.

Stilul baroc a fost încorporat în principal în proiecte de biserici și temple. Celebrul monumente arhitecturale pot fi atribuite bisericii de mijlocire din Filya, Catedrala de asumare din Ryazan, mănăstirea Novodevichy, biserica Bryansk Srentnaya Nekra din mănăstirea Sven, Biserica Maicii Fecioare a lui Dumnezeu din Dubrovitsy, nu departe de Podolsk și multe alte temple. Naryshkinskaya baroc în arhitectură se caracterizează printr-o longaritate, o centriditate, un echilibru și simetrie, elemente albe pe fundal roșu.

Templul semnelor Fecioarei în Dubrovitsy, Golitsyn Barocue

Biserica semnului Fericității Fecioare Maria din Dubrovitsy a absorbit elementele arhitecturii italiene, germane, suedeze, franceze și rusești. Abundența detaliilor și firelor arhitecturale sunt coloane, bucle, perii de struguri, flori, frunze, precum și sculpturile îngerilor și sfinților - fac templul cu un specimen unic al arhitecturii bisericești. În loc de domul tradițional, biserica coroana coroana de aur.

Auto-confuzia direcțiilor arhitecturale a barocei din Rusia provine din numele nașterii, a patronat construirea celor mai semnificative structuri ale acestei ere, care, desigur, posedă propriile caracteristici caracteristice. În general, diferența dintre barocul intern de la cele europene poate fi urmărită în simplitate și structuri compozite. Diferența poate fi găsită în detaliu, de exemplu, în materialele de finisare utilizate. În Europa, o piatră a fost folosită pentru placări, maeștrii ruși au fost folosiți ipsos și tencuială, care, spre deosebire de piatră, ar putea fi vopsită. De aceea, structurile arhitecturale ale barocului rusesc, vă rog ochii cu o rolă de contrastanță strălucitoare. Prăjiturile roșii, albastre, galbene și albe folosite, precum și combinațiile lor și un tablă albă și diverse gilding au fost folosite pentru acoperiș.

În decorul fațadelor, a fost folosită o modelare ornamentală, în care elementele aromei tradiționale rusești au apărut în mod clar. Arhitecții occidentali, încercând să depășească concurenții, au folosit în mod activ semne și simboluri, care nu sunt, de asemenea, tipice barocului rusesc, deși, justiția de dragul arhitecților străini, care au construit Manor Estates pentru primele persoane din imperiu în capitală și împrejurimile, încă recurse la receptoarele tradiționale europene. Dar, în seutback, unde barocul a fost inițial scurs de eforturile lui Boyarin Leu Naryshkin, tradițiile locale au fost aproape complet predominate în decor.

Biserica mijlocirii în fil

Biserica de mijlocire a celor mai sfinte Theotokos din Filienți, construită în principalii prinții Naryshkin, este unul dintre cei mai buni reprezentanți ai barocului din Moscova. Biserica din acest sat suburban era cunoscută din 1619. - Această biserică mică de lemn a mijlocirii și a dat numele unei frumusețe baroce luxoase cu două etaje.

Mănăstirea Novodevichy din Moscova

Marea locuință a principalelor fecioare "Odigitria", New Devich Femei Ortodoxe din Moscova (mănăstirea Novodevichi Virgin-Smolensky) - a pus Marele Duke Vladimir și Moscova Vasily III în 1524 în onoarea principalei altar al Antic Smolensk - icoanele din mama Smolensk a lui Dumnezeu.

Construcția activă a început în mănăstire în timpul domniei lui Sophia Alekseevna. Aproape întregul ansamblu arhitectural al mănăstirii (cu excepția vechii catedrale Smolensky) a fost construită tocmai atunci, în noul stil de "Barocue Moscova". Într-o perioadă scurtă de timp, clopotul, bisericile demn de remarcabile ale porților nordice și sudice, templul de asumare cu camera alimentară, două clădiri rezidențiale pentru surorile reginei Sofia - Tsareven Mary și Catherine.



Ansamblul arhitectural al mănăstirii, care sa dezvoltat în secolele XVI-XVII, nu a schimbat schimbări semnificative de atunci. Ca o conservare excepțională a unui eșantion de baroc de la Moscova, a fost ridicată sub protecția UNESCO și a declarat proprietatea tuturor omenirii.

Stilul baroc în arhitectura locațiilor evenimentelor ceremoniale și seculare ale proprietăților superioare a subliniat puterea și bunăstarea Imperiul rusesc Acei ani. Nu numai externe, ci și decorarea interioară a clădirilor nu a fost egală în toată Europa. Cel mai remarcabil arhitect al acelei perioade este considerat Bartolomey Varfolomeyevich Rastrelli, reprezentant al T.N. Elizabethan baroc. Printre lucrările sale sunt amintite de palatele magnifice de iarnă, stroganovsky și Vorontsov, Biserica Andreevsk din Kiev, Palatul Tsarsko Seli Ekaterininsky, o mănăstire Smolny. Aceste facilități sunt afectate de scale și finisaje de machiaj.

Palatul Catherine.

Așa sa întâmplat că nașterea mea este Catherine (mare) Palatul datorează hostess-urilor strălucite, trei femei-împărătes - Catherine I, Elizabeth Petrovna și Catherine II, la care Palatul aparținea în secolul al XVIII-lea și care a acordat o mare atenție construcției sale. Fanteziile, proiectele și gusturile personale au încorporat sute de arhitecți talentați, artiști, grădinari.

Palatul construit în stilul baroc admiră dimensiunea, dinamica spațială puternică și "pictura" decorului. O vedere largă a benzii de fațadă cu coloane de zăpadă și un ornament auriu arată festiv. Fatadele Palatului Rastrelli a decorat figurile Atlanta, Karyatid, Mască de leu și alte decorațiuni stuc, realizate pe modelele sculptorului I.-F. Dunker.

Printre alți arhitecți, epoca barocă poate fi alocată de Mihail Zemtsov, Dmitry Ukhtomsky, Domenico Trezini, Savva Chevakinsky. Acești oameni remarcabili au lăsat în urmă astfel de monumente ale arhitecturii rusești baroce ca Biserică Fedorov din St. Petersburg, ridicată printre alte cinci capitole ale templelor Sankt Petersburg pe proiectul lui Trezini, Palatul Sheremetyevsky, dezvoltat de Chevakinsky. Printre alte monumente ale perioadei baroce, Catedrala Petropavlovsky poate fi amintită în Kazan, Turnul Mennshikovskaya din Moscova, Biserica Stroganov din Nizhny Novgorod, Biserica Frunotheagan din Trinity-Sergiyev Lavra, Pyatnitsky Well Capela din Sergiev Posad și multe altele.

Biserica Andreevsky din Kiev

Biserica Andreevsk este un monument al istoriei, arhitecturii, picturii și artei decorative a secolului al XVIII-lea de importanță mondială.
A fost construită pe ordinea împărătesei ruse, Elizabeth, ca parte a reședinței tsariste de la Kiev, formată din Palatul Regal (Mariinsky) și din Biserica Palatului.

Biserica a fost construită în anul 1747-1762 în stil baroc pe proiectul Rastrelli, reținut nu numai formele arhitecturale autentice și cel mai mare procent din finisajul exterior, dar și în deplină constantă în zilele noastre decorarea lor interioară, care este un model perfect a interiorului bisericii ortodoxe ale stilului baroc.

Crearea comună a unui arhitect genial F.-B. Rastrelli, mâinile și natura umană au dat naștere la monument unic.Care, datorită ușurinței, rafinamentul compoziției, fuziunea armonioasă a tuturor părților sale într-un singur întreg și legătura cu natura înconjurătoare, a devenit capodopera a arhitecturii epocii baroce și a servit ca un eșantion de neegalat pentru a imita în construcția de structuri religioase. Comunitatea Mondială a clădirii Bisericii Andreevsky este listată în catalogul "1000 de minuni de lumină. Capodopere ale omenirii a cinci continente "publicate în Germania în 2002. Având în vedere valoarea extraordinară a monumentului, sa propus să se facă Biserica Andreev pe lista patrimoniului mondial UNESCO.

Palatul de iarnă

Perminat cu lumină de lumină și oglinzile de interior ocupă întreaga înălțime a clădirii palatului de iarnă.

Plandele pitorești cu imaginea Olympa (Diciano Gasparo, secolul 18) crește vizual înălțimea camerei. Decorarea decorativă a scărilor include lucrări sculpturale aduse sub Peter I din Italia: "Puterea", "Antinea", "Diana", "Justiția", "Power". .

Palatul de iarnă, scările jordanice

Scara Gramist albă, pornind de la galeria principală, diferă două marșuri largi, care sunt din nou conectate de pe platforma de top.



Efectul efectului de teaterizare barocă este lovirea imaginației: în primul marș scăzut al scărilor contrastează cu volumul său principal, unde spațiul pare să fie ridicat, reflectând în oglinzi și ruperea infinității picturii iluzorii a arcului. Zece coloane monolitice ale scărilor Serdobol Granit Surse.



În 18 V. Scara numită Ambasada - ambasadorii puterilor străine au urcat, îndreptându-se spre palat la recepție. Scara deschide intrarea în cele două abraziuni frontale ale Palatului - Neva și principalul care duce spre Sala Sf. George și o biserică mare. Trecerea pe mediul principal repetă calea ceremoniilor solemne ale mijlocului XIX - începutul secolului XX


Mai târziu, scara a fost numită Iordania - pe ea în timpul sărbătorii de botez din Catedrala Mare a Palatului de iarnă, procesiunea a coborât la Neva.

Catedrala Petropavlovsky, Kazan

Catedrala Petropavlovsky este un eșantion remarcabil de baroc Naryshkinsky. Căptușită în 1722. Complexul templului include catedrala reală, clopotniță și construită mai târziu casa partidului.
Înălțime \u003d "659" Alt \u003d "(! Lang: Petropavlovskij (900x659, 206kb)">!}
Construit pe un loc exaltat, frumos și maiestuos, catedrala se distinge printr-o decorare unică. . Aspectul unic al catedralei atașează, în primul rând, decorul, abundența detaliilor de fațadă păstrate zilelor noastre și colorarea lor strălucitoare.

Mănăstirea Smolny

Construit în stilul de baroc luxuriante cu astfel de elemente arhitecturale, cum ar fi lug-părul, inhibitorii, culoarea albastră, vopsită, moale, Dome - în gri. Cinci din Catedrale este pe deplin îndeplinită. Potrivit proiectului original, Rastrelli a planificat să construiască o catedrală unifuncabilă asupra eșantionului de temple europene, dar împărăteasa Elizabeth nu a insistat asupra celor cinci-Glavion ortodoxe. Ca rezultat, Catedrala a fost construită cinci capitole, dar numai una, domul centrală se referă direct la templu, restul de patru - turnul clopotnic.



Domul central este situat pe tambur și în dimensiune este mult mai mult decât restul, are o formă de cască, se prăbușește pe un fier în vrac situat pe un lanternă, având o dimensiune mare. Patru turn de clopot identic are o formă concavă și constau din două niveluri, în al doilea nivel, există o clipă, fiecare dintre clopote sunt încoronate cu o mică cupolă bulboasă. Turnând în corul corului Institutului Smolny, fațada din partea inferioară a catedralei stilului arhitectural este mult mai amintește de palat, mai degrabă decât templul. A doua parte a catedralei cu o secțiune de cinci, comparativ cu ea pare ușoară și aspiră

Biserica lui Ioan Warrior pe Yakimanka (Moscova)

Arhitectura clădirii combină elementele stilurilor Barocului Moscovei cu barocul ucrainean și influența europeană, comună în arhitectura rusă în timpul lui Petru.

Domnia Barochko din Rusia a fost de scurtă durată. Într-un efort de a ține pasul cu tendințele europene, în mijlocul secolului al XVIII-lea, metropolitanul, iar după și clădirile provinciale au început să dobândească trăsăturile lui Rococo, iar în ultimul trimestru al secolului al XVIII-lea, clasiculul a venit să le înlocuiască , înlocuind luxul și grandoarea, în raționalismul, simplitatea și monumentalitatea formularelor antice.
Dar ansamblurile arhitecturale baroce încă vă rog să ne bucurăm de stilurile, formele și frumusețea unică.

stilul de arhitectură din Barocue

Introducere

1 apariția barocko

2 caracteristică arhitectură barocă

2 arhitecți barocați

Concluzie

Bibliografie

Introducere

Stilul baroc este născut în Italia și distribuit în majoritatea țărilor europene, dobândind în fiecare dintre trăsăturile sale naționale speciale. Apariția barocului a fost determinată de noua globalitate, criza Renașterii Mirosoznia, refuzul ideii sale minunate despre o personalitate armonioasă și mare universală. Deja, în virtutea acestui fapt, apariția barocului nu a putut fi conectată numai cu formele de religie sau de natura puterii. În inima acelora aceleași idei au determinat esența barocului, a existat o înțelegere a multiformității lumii, contradicțiile sale profunde, drama vieții și scopului unei persoane, într-o oarecare măsură la aceste idei o influență și consolidarea Căutările religioase ale erei. Caracteristici diferențe baroce determinate în activitatea lumească și artistică a unui număr de reprezentanți, iar în cadrul sistemului actual de artă au coexistat foarte puțin similar cu celelalte fluxuri artistice.

Stilul baroc în arhitectură este fluiditatea și netezimea, unde formele complexe neregulate se deplasează reciproc, se îmbină, formând un singur întreg cu spațiul înconjurător.

Arhitectura acestui stil este caracterizată de un număr mare de sculpturi, coloane și pilaștri.

Arhitectura barocului se bazează pe măreția Papei și a Bisericii Catolice, precum și la varietatea și complexitatea lumii. De aceea este atât de monumental, maiestuos și buni.

Înflorirea acestui stil este asociată cu formarea intensivă a statelor naționale, consolidarea absolutismului. Spre deosebire de Renașterea precedentă, barocul se caracterizează prin non-echilibru și armonie, dar efecte îndrăznețe, uneori dramatice ale compoziției, culorilor, melodiilor, ritmului, virtuozelor și formelor magnifice și imaginilor. Elemente luminoase expresive Baroc, inclusiv vopsele curbilineare, turnuri cu cupole, încadrarea fațadei principale, uneori pereți concave sau convexe sunt prezenți în arhitectura multor monumente ale acestui stil. Barocul cu catolicismul cu catolicismul este cel mai clar urmărită - acest stil a devenit cea mai mare dezvoltare tocmai în domeniul dominației Bisericii Catolice.

scop termen de hârtie - studiați istoria arhitecturii baroce; Istoria apariției barocului; Caracteristicile arhitecturii în stilul de baroc, caracteristicile sale, raportul cu alte stiluri, diferențe; Istoria arhitecturii în diferite state.

Explorați istoria arhitecturii baroce

examinați capodoperele arhitecturale din stil baroc, și anume, luați în considerare arhitectura barocă din diferite stări.

Subiectul cercetării - capodopere în stil baroc

Capitolul 1. Istoria arhitecturii baroce

1 apariția barochko

În secolul al XVI-lea În unele țări, sub influența mișcării reformiste, a avut loc puterea Bisericii Catolice, astfel încât în \u200b\u200bperioada ulterioară Biserica face eforturi semnificative pentru a reveni pozițiile pierdute. În același timp, dominația autorităților seculare este consolidată. Nou stil artistic - Barocul - îndeplinește dorința puterii și a bogăției prin expresie externă.

Stilul baroc a apărut în Italia ca urmare a evoluției ulterioare a stilului renașterii. Formele sale "vizibile", a început să cuprindă de la sfârșitul secolului al XVI-lea. Din Italia, Barochko se aplică în întreaga Europă, unde a predominat de la sfârșitul XVI până la mijlocul secolului al XVIII-lea, în unele țări se manifestă înaintea celei de-a doua jumătăți a secolului al XVIII-lea și, în același timp, în ambele direcții. În Germania și Austria, construcția de structuri monumentale în secolul al XVII-lea a fost aproape realizată în legătură cu războiul de treizeci de ani și consecințele sale, precum și în Anglia, unde unele semne ale acestui stil sunt notate numai din partea mijlocul secolului al XVII-lea.

În secolul al XVII-lea Economia și arta țărilor europene au fost dezvoltate în mod activ. Puterile coloniale ale Atlanticului au fost în mod special consolidate - din Spania în Marea Britanie; Franța a fost considerată o țară exemplară de forme absolutiste de guvernare și politici economice practice.

În Italia fragmentată teritorial, datorită mișcării de contra-procesare, Roma a dobândit un nou înțeles, iar construcția de clădiri de cult a primit un impuls puternic. O mare influență a fost asigurată de absolutismul francez al lui Louis XIV. Fiecare feudal - indiferent cât de mic a aparținut teritoriul - a copiat reședința de la Versailles. Și fiecare episcop catolic sau abbot sperau, îndepărtați pentru a imita Roma, biserica în formă de cupolă pentru a consolida influența tendințelor contra-fluxului.

Baza economiei acestei perioade a fost agriculturăDar a fost clar că nu a fost suficient să implementați programe de construcție. În acest sens, feudările mari au început să ajute crearea de fabrici, care au contribuit la dezvoltarea relațiilor industriale capitaliste. În ciuda faptului că arhitectura europeană a secolelor XVII-XVIII. Nu pare uniformă, fiind dinamică în Italia, serioasă în Franța, este combinată cu conceptul general de "baroc".

Stilul baroc a venit să înlocuiască renașterea ridicată (Renaștere) în Italia, la Mama Renașterii. În acele zile, Italia este epuizată, străinii sunt comandați în ea, totuși rămâne centrul cultural al Europei. Pentru a dovedi tot lumii dreptul la o poziție privilegiată, aveți nevoie de un stil care să sublinieze puterea, bogăția și luxul în același timp, banii cu privire la construcția de palate. Apoi a apărut noul stil baroc, care a permis iluzia puterii și a bogăției pentru a crea tehnici de pictură și nu materialele naturale costisitoare.

1.2 Funcția de arhitectură barocă

Pentru arhitectură, barocul se caracterizează prin aplicare spațială, mucking, fluiditate, complexe, de obicei curbilinari, gradare, pompă și dinamică, altitudine patetică, intensitatea sentimentelor, dependența de ochelari spectaculoși, combinând contraste iluzorie și reală, puternice de scară și ritmuri, materiale și texturi, lumină și umbră

Coliziunea dulce, tensiunea internă, mișcarea dinamică a formelor devin devenind trasaturi caracteristice conținutul figurativ al lucrărilor. Compozițiile arhitecturale pierd caracteristicile echilibrului armonic: Centricul este înlocuit cu o stabilitate extinsă, de elipsă, pătrată, a structurii compoziționale, a clarității și a clarității proporțiilor echilibrate - construcții ritmice complexe, mișcări de masă, varietate de proporții. În același timp, iraționalitatea formularelor este combinată cu unele caracteristici raționale care au fost o consecință a reflecției în arta celor mai noi realizări ale gândirii științifice. Căutarea de artă în ceva consonant cu căutarea științei. În special, în special, au găsit o reflectare indirectă a zdrobirii ideilor obișnuite despre lumea lui Iordan Bruno despre infinitatea universului: o singură holistică, statică, statică a început să ducă la continuitatea dezvoltării, mișcarea " Infinit". Unicitatea rațională a fost exprimată în arhitectura barocă în dominația axei, simetriei, principiului voluntar.

Cele mai luminoase caracteristici ale barocului din arhitectură caracterizează templele, construirea catolicismului acordă o atenție deosebită. Planul lor, de regulă, este returnat de bazilicitatea medievală. Compozițiile sunt atașate la un caracter frontal-axial, cu un accent puternic pe fațada principală și pe dezvoltarea profundă a spațiului intern.

În loc de un echilibru calm, monolitul plastic și dinamica masei începe să prevaleze masa și spațiile monolitice. Ordinea, rămânând principalele mijloace de dezmembrare, aproape complet pierde structuri: interpretarea sa este accentuată decorativă și plastic. Ca și cum ar fi crescut din interiorul zidului, ordinea devine o parte integrantă a matricei în sine, mijloacele materialelor plastice "sculpturale". În loc de proporțional cu un om de scară, adesea pare adesea o exagerare deliberată a dimensiunilor ordinelor. În compoziția fațadelor, elementele eliberate ale ordinului sunt, de obicei, condensate la axă, subliniind intrarea principală. Tensiunea internă tratată prin gama de masă este accentuată cu elemente de plastic - vopsire, frontale masive, frecvent rupte, nișe, cadre de ferestre și nișe, sculptură etc.

În arhitectura palatelor urbane și a rezidențelor suburbane, sunt distribuite fațade convexe și concave. Un mandat devine mai puțin funcțional decât în \u200b\u200bera renascentistă, decorativitatea vine în prim plan. Coloanele colectate, pilaștrii care au apărut coloane răsucite, plus frontele diferitelor forme compuse unul din celălalt (de exemplu, triunghiular), sau rupte în mijlocul frontală, cu o cutie de carton, oferă clădiri o combinație de plastic extrem și expresivitate, distinctând spectaculos portaluri. În general, plasticul prevalează întotdeauna în fațadele de deasupra tectonicii. Palazianul italian este izbitoare printr-o comandă colosală asupra subsolului inferior, a mansardelor grele, o abundență de decor sculptural. Au o paradă, o privire festivă. În Spania, o aromă decorativă specială informează palatele pentru a acoperi complet peretele, ca în cazul în care decorarea sculpturii, ascunderea completă a apartenenței la fațadă (așa-numitul stil Burgeriec - în numele arhitectului X. Churgerger).

În Franța, tipul palatului în formă de p, constând din construcții centrale și plizalituri laterale predominante. Clădirea este în mod inextricabil legată de parc, spart în spatele lui, iar curtea onorabilă (Curtea D "Honneur) în fața fațadei. Curtea este plină de pe stradă cu un gilder cu adiție. Adesea, astfel de laturi au fost lucrări minunate Art Baroc Art. Curții de onoare și hoteluri de hoteluri de un caracter mai intim, care a primit distribuție în secolul al XVII-lea.

În timp, blocurile de țară dobândesc un aspect din ce în ce mai palat. Podurile de fier prin Rips sunt înlocuite cu clădiri de legare a pietrei cu parcuri. Datorită inovării arhitectului J.A. Manzar, care a ridicat acoperișul și a atașat camera, în palatele țării, ca în oraș, apare mansardă. Dacă adăugați acoperișuri luminoase, așezate fie pe gresie de culoare "într-un checker", fie ardezie și răsuciți pe struguri de toamnă sau iederă, se transformă într-o imagine foarte pitorească.

În construirea de funcții de convenție urbană și de țară din Flandra, imitația Palazzo italiană a predominat. Portalurile au fost decorate cu fronturi curbate, balcoane - sculptură și susținute de caryiaturi sau atlanturi. Din Germania, formele unui desen animat baroc transformat, asemănător cu contururile valului, masca, cartilajul (Cunpelverk, de la el, de la el sunt împrumutate (Knorpelverk - Cartilajul "și au fost -" de lucru ") sau coajă de ureche (Ormushl). Ei au combinat cu un ornament sculptural suculent și au dat portaluri de schițe luxuriante și expresive.

În Austria, au fost, de asemenea, rezistente la stilul palatelor barocului italian, dar pardoselile inferioare au fost adesea construite din blocuri de piatră fațetate (așa-numita rugină diamant), iar partea superioară decorată cu dealeri expresivi de pilaștri, coloane, arcuri cu sculptură .

S-au despărțit din rândul total al construcției barocului olandez. O casă bogată a burghezului a privit aici mult mai modeste decât palatele Franței, Austria și cu atât mai mult Italia. Din cauza costului ridicat al terenului din Olanda, numai grădinițe mici din spatele clădirii erau comune. În mod tradițional, frontalul înalt a întărit întinderea verticală a trei - o casă cu patru etaje. Caramida roșie, din care au fost ridicate clădirile, au completat părțile înfricoșate din piatra albă folosită în finisaj.

Interiorul privat baroc au fost distinse prin solemnitate și pompă extraordinară. Această impresie sa născut în primul moment, abia intrarea în lobby-ul clădirii cu o scară centrală de paradă, peste care, în broderie, spot luminos a strălucit plafonul de tavan pictat. În Manshes of England, în fața scărilor, un balcon special a fost aranjat cu un balustradă, urmată de orchestra. Sălile de față erau la etajul al doilea, iar pe ambele părți ale centrului - restul camerelor. Parade Premisele au fost adesea conectate prin galeria îngustă, decorată cu coloane, pilaștri, statui sau busturi, pictura, oglinzi. Colectarea operelor de artă a gazdelor casei a fost concentrată aici. Ferestrele galeriei de regulă au mers în parc, iar pe peretele opus, oglinzile au fost vărsate. Astfel, a fost creată efectul de aprofundare a spațiului, unității arhitecturii și naturii.

Subiectul dezvăluirii spațiului interior al țării a fost unul dintre centrale la baroc. Prin urmare, utilizarea oglinzilor, pictura plafoanelor prin Dala Celestiali Endless și cu figuri în nori, caracteristice componentelor interioarelor. Plafoanele au fost amestecate și acoperite cu compoziții detaliate de fresco, înconjurate de un decor de perete sau un decor de perete, precum și pictura, imitând forme sculpturale volumetrice. A fost un sentiment că pictura nu se încadrează în câmpul Placonului, depășește granițele sale.

Uneori, pe plafoane, dar mai des în designul pereților erau panouri din lemn sculptate. Au montat portrete și alte lucrări pitorești. Avioanele pereților au fost, de asemenea, decorate cu elemente de comenzi - pilaștri, coloane răsucite, vopsire și au fost folosite în pictura în cadrul ghirlandelor sculpturale, mai rău. Din Spania în alte țări europene, moda arată zidurile pielii cordlicate cu un model de aur, imitând țesuturi scumpe. În Flandra, pereții au fost strânși de mătase și catifea. Trellierele erau încă comune, au fost sorți peste panouri sculptate. Podelele au fost așezate din marmură sau plăci majolice. Ușile au fost încadrate de panouri pitorești orizontale (de la fr. "Situate deasupra ușii"). Decorarea internă a palatelor Barochko a fost inerentă unui domeniu decorativ special, care nu este comparabil cu orice altă eră. În Ornamenik, desenul ghirlandelor grele din frunze și fructe, lupi, cartuș (de la Fr. Cartouche - "Scroll"), Mascarons. Au existat, de asemenea, motive de Arabesok răsucite, o varietate de fibre din foaia acanită, țesutul panglicii, transformate într-o rolă germană capricioasă (tăiată de-a lungul marginilor kartușului) sau bandelvert (de la ea. Bandelle - "bandă"). Linii drepte au aglomerat treptat circuitele curbiliniare care dau decorului dinamicii și picturii.

Culorile pastel-luminoase predominante și la modă; Roșu, roz, alb, albastru cu galben acceniorininy-trummy convex - un model asimetric concavă; În forme, un semicerc, un dreptunghi, oval; linii verticale de coloane; Participarea orizontală orizontală formală, în formă de cupolă și dreptunghiulară; Turnuri, balcoane, elemente erciruite interfețe la măreție și pompă; scări frontale masive; Coloane, pilaștri, sculpturi, stuc și pictura, ornament sculptat; Relația elementelor este decorată sistem de construcție, tensionată, dinamică; fixat de fațadă și, în același timp, masiv și rezistent polivocircular și dreptunghiular; cu decor de vegetație pe deschiderile perimetudvurice cu coloane; Decor de legume

Caracteristicile distincte ale stilului arhitectural Baroc:

· În nephorii largi ai bisericii, uneori forme ovale; plafoane bolnave.

· Fragmentate sau evident incomplete elemente arhitecturale.

· Utilizarea dramatică a luminii sau contrastelor de lumină și umbra sau iluminarea uniformă cu câteva ferestre.

· Utilizarea luxoasă a culorii și decoratiunilor (Putti (îngeri), figuri din lemn (adesea aurite), tencuială, marmură artificială).

· Fresce de plafon pe scară largă.

· Fațada externă este adesea caracterizată de o parte centrală eliberată brusc.

· Efecte iluzorii. Plafoanele sunt adesea decorate cu fresce mari, creând o iluzie optică că aceste imagini sunt tridimensionale.

· Domul în formă de pară (în special, în barocul bavarez, polonez, ceh și ucrainean).

· Amestecarea genurilor (arhitectură, sculpturi și pictură).

Capitolul 2. Mastepieces arhitectural baroc

1 arhitectură barocă în diferite stări

Baroc în Rusia.

Destul de ciudat, dar termenul "baroc" din Rusia nu a fost utilizat în Rusia. Printre artiști, au existat conversații cu privire la avantajele și minusurile de neoretilă și de neectivitate, dar cuvântul "baroc" a mers cu sârguință.

Situația sa schimbat numai în tarziu xix. Secolul, când Sultanov (cercetător al arhitecturii rusești) a introdus în circulație termenul "baroc rusesc". În acest termen a fost înțeles ca arhitectura Rusiei din secolul al XVII-lea (perioada DOPEREROV). Din acel moment, se consideră că în anii '40 ai secolului al XVII-lea, sa născut stilul barocului rus, după care sa dezvoltat continuu și sa încheiat la sfârșitul secolului al XVIII-lea cu cele mai recente lucrări ale arhitectului V. I. Bazhenov.

De asemenea, se crede că barocul rusesc a adoptat foarte mult din Renaștere, se explică prin faptul că Renașterea nu putea dezvălui pe deplin Rusiei. Dezvoltarea artei în Rusia a fost distinsă de țările din Europa de Vest. Acest lucru a dus la faptul că barocul din Rusia nu a venit împotriva Renașterii, ci ca un simbol al finalizării Evului Mediu. În special, acest lucru sa reflectat într-o anumită înălțime, dar în același timp fără nici o pompă suplimentară, barocul rus, care nu este observat în direcțiile occidentale.

Este demn de remarcat faptul că nu toți istoricii de artă iau termenul "baroc rusesc", dar nimeni nu argumentează faptul că acest termen este într-o oarecare măsură condiționată. Prin semne, acest stil este cel mai apropiat de manierism.

Barocul rus - numele general al soiurilor de stil baroc, care au fost formate în statul Moscovei și în Imperiul Rus la sfârșitul secolelor XVII-XVIII:

· Barocul de la Moscova (din anii '80 până la anii 1700, denumit în mod inexact "Naryshkin Baroque") - perioada de tranziție de la patronul întregului baroc cu exploatația multor elemente structurale ale arhitecturii rusești antice, prelucrate sub influența barocului ucrainean .

· Stroganov Barochko - înghețarea conservatoare-provincial al Moscovei baroc, în care patru temple sunt făcute în Nijni Novgorod și în partea de nord.

· Golitsyn baroc este cea mai radicală direcție în adâncurile Barocului Moscovei, care a constat în negarea completă a comunicării cu vechea tradiție rusă.

· Petrovskoe baroc (de la 1700 la 1720) este un set de maniere individuale ale arhitecților din Europa de Vest invitați de Petru I pentru a construi o nouă capitală, Sankt Petersburg.

· ELISABETAN BAROQUQUE (C 1730 la 1760) - hibrid de petrovsky și Barocue Moscova cu Introducere Nord-tywed. Cele mai complete încorporate în Marele aranjamente ale F. B. Rastrelli.

Ultima perioadă a fost cea mai prolifică și strălucitoare, se numește și perioada barocului rus matur. În acest moment, arhitectul Rastrelli lucrează activ în Sankt Petersburg. Rusia încearcă să recupereze Europa și să aibă o rețea cu ea în ceea ce privește dezvoltarea culturală. Era pe Rastrelli că datoria a fost încredințată să dea capitalei cu un aspect adecvat. Italianul sa confruntat perfect cu această sarcină, unind concis de tehnica clasicismului, roco-ului baroc și francez. Mulți cercetători cred că, datorită acestei situații în Rusia, tranziția la clasicism a fost lumină și naturală.

Pentru baroc provincial din nord și la est de Rusia, se caracterizează forme și tendințe simplificate către jetul pitoresc de volume în scădere în mod constant. A.Yu. CAPTIKOV consideră că este posibil să vorbim despre existența școlilor provinciale baroce în Totme, mare Ustyug, Teritoriul Vyatka, în Ural ("Bisericile" Pitubinsky ") și Siberia. Barocul siberian, care combină dezvoltarea legămintelor din Barocul Moscovei, cu împrumuturi constructive din dicționarul barocului ucrainean și de introducere decorativă din est, se deosebește.

In vest Federația Rusă Monumente atât baroc polonez (biserică în ea însăși, 1625, Spasskaya Church din Trubchevsk 1640 g.), Deci baroc cazaci, caracteristic Slobozhanchina (Catedrala cazaci în Starodube 1678, Catedrala Troitsky din Belgorod, Catedrala Trio-headed în Sevsk). În prezent, multe dintre ele se află într-un stat deplorabil.

Barocul ucrainean

Barocul ucrainean sau cazac - o variație a stilului baroc în secolele XVII-XVII în secolele XVII-XVIII, pentru care combinația de soluții decorative-plastice ale barocului european de vest și Renaștere cu procesarea creativă a patrimoniului arhitecturii ortodoxe și Arhitectura rusă antică este specifică.

Apariția barocei ucrainene este asociată cu creșterea eliberării naționale a mediului cossk, care oferă barocului ucrainean importanța stilului național cu adevărat național. Pe malul stâng și Slobozhenen, în proiectarea bisericilor tradiției arhitecturii folclorice din lemn, mai mult decât cele care precede tradițiile departamentelor ortodoxe

Nașterea baroc ucrainean este luată pentru a contacta actualizarea templele Kiev și Cernihiv ale timpului Domongolsky cu Mitropolitul Petru Mogile și succesorii săi. Pentru prima dată după căderea lui Kievan Rus, bisericile ortodoxe au fost lansate în mare măsură. Arcurile prăbuse sau dărăpănate ale templelor s-au schimbat adesea, cupolele au fost atașate la pere caracteristic sau o formă în formă de cadă, când un alt "bec" ar căuta altul. Tamburul ar putea fi marcat cu o cupolă sub forma unei emisfere, care era mulțumită de un alt tambur cu o altă cupolă de formă bully sau conică. În același timp, spre deosebire de "stilul rusesc", diametrul "bulbilor" este mai mic decât diametrul tamburului. Culoarea cupole este fie aurie sau verde. Un decor baroc fracționată (semi-colonges, risals, portic) cu o imagine de ornamente vegetale și îngeri au fost suprapuse pe structuri transversale purtătoare monumentale. Clădirile au fost descendente, fie plasate în culori albe și albastre contrastează.

Catedrala Mănăstirii Yelets din Cernigov, Catedrala Sofia din Kiev, Catedrala Adormirii Mănăstirii Kiev-Pechersk, catedralele Votubitsky și Mănăstirea Mihailovski de praf de la Kiev face parte din numărul monumentelor-rus vechi. Apoi a apărut un clopot de clopot în vechile mănăstiri ruse din Ucraina. Aceste structuri lungi au fost construite separat de temple și au fost încoronate cu o cupolă masivă de pere. Multe monaas au fost dobândite de un gard decorativ de piatră.

Constructorii catedralor în mănăstiri relativ noi se concentrează pe eșantioane antice. În conformitate cu Canonul Ortodox, acestea au fost temple de încrucișare, triccide, cinci capitole, patru sau șase stele. În același timp, au fost decorate pe "maniera poloneză" (baroc), fațadele au fost uneori fulgi cu turnuri. La monumentele acestui grup aparțin unor catedrale "Mazepinsky" - Troitsky în Chernigov (1679-95), Catedrala militară Nikolaev (1690-96), Catedrala Epifanică în mănăstirea Bratsky (1690-93)

Templele parohiale, care au fost construite de "toată lumea", și nu pe ordinea de stat-monahală, au fost mai orientate pe eșantioane de arhitectură din lemn de cazare. De aici, planul bisericii sub forma unei cruci cu celule la colțuri a fost împrumutat de acolo, ca o compoziție dinamică a volumului central a fost împrumutată. Constructorii templelor de piatră au fost luate pentru o probă de biserici din lemn de trei ori pe trei tuburi, iar forma cabinelor de jurnal a fost de obicei de opt marcat.

În biserici cu trei țevi, octagues sunt de obicei aliniate într-un rând de-a lungul axei longitudinale est-vest (exemplu - Biserica Nikolaev în Glukhov, 1693). În bisericile cu cinci tuburi, sunt cruciforme, în același timp există camere de luat vederi, uneori foarte dezvoltate, ajungând la o înălțime de două treimi din volumul principal al templului (Biserica Catherine din Chernigov, Catedrala de asumare în Novgorod -Seleverski). Templele sunt foarte rar nu a fost găsit despre cele trei și nu aproximativ cinci, ci despre șapte (Catedrala Cross-Promotive în Poltava, 1699-1709; Spasskaya Biserica în Starodube) și chiar și aproximativ nouă vârfuri (Ninebanted Catedrala Treime din Novomoskovsk, 1775-1780 ; Catedrala Învierii militare din Starochierkassk.

Fiecare casă jurnal traversează cupola pe tamburul granulat. Pentru templele barocului ucrainean, se caracterizează o formă specială de capitole formate de maeștri mici. Recepția preferat de arhitecți ucraineni - „șanse“, adică, finalizarea templului, sub forma mai multor niveluri livrate unul de altul, fiecare dintre care taie prin bolta cea anterioară. Trecerea de la o distanță largă la o soluție mai mică a fost rezolvată utilizând designul original al arcului sub forma unui cort piramidal cu tăiere cu acoperișul contururilor netede.

Printre arhitecții barocului ucrainean, Ivan Zherryny, Stepan Kovnir și Ivan Grigorovich-Barsk

Barocul ucrainean a avut un impact semnificativ asupra formării Barocului Moscova, mulți maeștri ai cărora erau imigranți de la malul stâng. Împrumuturi arhitecturale din Ucraina Patronate Ierarhii Bisericii care au fost educați în Academia Kiev-Mogilyan. La sfârșitul secolului al XVII-lea, în statul rus, după Ucraina, templele sub formă de optzeci primesc răspândirea de optzeci (a se vedea Ocțișarea pe cele patru), uneori constând din trei volume aliniate la rând (Biserica din Tsarevich Ioasafa din Izmailovo).

Baroc în Commonwealth.

Baroc în discursul Commonwealth - stadiul de dezvoltare a culturii, care a acoperit perioada de la sfârșitul secolului al XVI-lea până la mijlocul XVIII-lea.

Polonia are o conexiune culturală și religioasă de lungă durată, apropiată. În secolul al XVI-lea, răspândirea ideilor umanismului, susținută în Polonia, în primul rând de Courtyard Royal din Cracovia. Ca rezultat, renașterea inițială în Polonia a primit caracteristici aristocratice. Angajamentul regal față de maeștrii italieni, invitat de Sigismund, răspândit la magnații, un gentry și bogat în orașe. Printre cele mai bune facilități renascentiste ale ERA - Perestroika 1502-1536 Gothic Wawel Castelul în Palatul Renașterii Italiană Francesco Fiorentino (Francesco Fiorentino). Ca și în Italia, Fundația Culturală Barocă din Polonia a fost:

· cultura renașterii târzii

· manierism depresiv.

Manerismul sumbru a avut ceva în comun cu exaltarea goticului târziu, ale cărei poziții au păstrat mult puterea în cultura Poloniei în secolul al XVI-lea.

În acest moment, prima generație de arhitecți italian-iezuiți în stil baroc timpuriu (Giovanni de Rossi, Giovanni Maria BERNARDONI, Joanni Maria BERNARDONI, este deja operează în mod activ pe terenurile din Polonia.

Barocul polonez prevalează un amestec de influențe italiene, flamande, mai târziu, franceze. Inimile primelor clădiri baroce în discursul compulului - Biserica Trupului Domnului, construită în reședința lui Radziwillov - orașul Nesvizh - arhitect-iezuit Giovanni Maria Bernarli (1584-1593) prin ordinul lui Nicholas Radziwill. Cea de-a doua clădire timpurie a Bisericii baroce - catolice din St. Petru și Paul din Cracovia (Brigada Arhitecților-iezuit: Giuseppe Brichio, Giovanni Maria Bernarli, Giovanni Battista Treviano). Pentru că eșantionul ia principalul templu al iezuiților - Biserica lui Ile-Jesu din Roma, prelucrează creativ fațada ei.

Caracteristicile baroce sunt obținute și primele seculare în numirea structurii (Palatul Episcopilor Krakow, Kielce, 1637-1644, arhitectul Tomash Ponchino) cu curtea interioară, o loggie deschisă a fațadei grădinii, două turnuri laterale în colțurile lui Structura, acoperișurile baroce.

Vilna Baroc (Lituanian)

In si ́ lensky Baro. ́ kKO este numele condițional al etapei târzii a dezvoltării stilului baroc în arhitectura templului din Marele Duchy a Lituaniei, pe teritoriul răspândirii Bisericii Brest Enia, inclusiv în eparhia de Vilen al Bisericii Romano-Catolice. Sistemul arhitectural și artistic al Vilensky baroc a fost distribuit în a doua jumătate a secolului al XVIII-lea datorită activităților absolvenților Departamentului de arhitectură al Universității Vilen.

Originile Barocului Vilensky au stat arhitect Jan Christoph Glaubitz (Mintea 1767), care, reconstruind templele existente ale capitalei lituaniene, inspirația zgâriată în clădirile moderne din Austria și Bavaria. O mulțime de comun cu monumentele Vilen baroc au clădirile poloneze de Paolophonate (de exemplu, Sf Preobrazhensky (Dominicansky) Catedrala din Vinnița). Popularitatea specială a primit stilul între greco-catolicii; Prin urmare, al doilea nume - unic Baroc. Exemple de baroc Vilensky pot servi: pe teritoriul Belarusului modern

· Reconstruită Catedrala Sophia din Polotsk (1738-50),

· Biserica Petropavlovsk din Berezvechye sub regiunea profundă Vitebsk. (1756-1763),

· Biserica unică din Borunov (1747-1757),

· Biserica Uniatskaya în foarte (1768),

· Biserica Pokrovskaya din alimentatorul (1769-1779),

· Epifania și bisericile încrucișate în fir (1769),

· Catedrala Catedrală și Biserica Ryn în Vitebsk (1772)

· Biserica Carmelite în adânc, construită în 1639-1654 și reconstruită în 1735 pentru proiectul Glaubitz

pe teritoriul Ucrainei moderne

· Catedrala Sfântă Preobrazhensky (Dominicansky) din Vinnitsa

· Biserica Cross-Zodanznaya a Mănăstirii Basiliane din Buchach.

Pentru aceste monumente, verticalismul sofisticat al siluetelor construite pe simetria a două turnuri cu mai multe tipuri cu lumii de ferestre este caracteristică. Libertatea și ușurința vin să înlocuiască masivitatea restrânsă a barocului. Energia cinetică concentrată în interiorul clădirilor pare a fi zboară. Interiorul sunt plastic în spiritul rococo, fațadele sunt ondulate, frontoths sunt bogat decorate cu sculptură. Despre Biserica din Berezvechye, a scris: "Materialul de construcție aici pare a fi înmuiați și înota valurile curbelor curbate și concave".

Catedrala Nikolaev din Polotsk, o biserică de plasticitate excepțională în Berezves și alte monumente ale lui Vilen Baroc, a suferit fie complet distruse în anii 1960, în ultima campanie anti-religioasă mare din URSS. După prăbușirea Uniunii Sovietice, monumentele arhitecturale separate (de exemplu, Biserica învierii din Vitebsk) au fost recreați în forma sa originală.

Arhitectura barocă în Italia

Italia este considerată inspiratorul patriei și ideologice al barocului, unde operele de artă din acest stil sunt cele mai luminoase și mai orientate. Lucrarea pitorească a Caravaggio, sculptura lui Bernini demonstrează caracteristica pufului baroc și dinamismul.

Prima construcție barocă este Biserica Romană din Ile-Jesu (în numele lui Hristos) - Biserica principală a Ordinului lui Iesuit, proiectată de Vigola (1507-1573). Construcția a început în 1568, când vigola a murit, biserica nu a fost încă finalizată. Construcția a fost finalizată de studentul lui Vinol - un reprezentant al Barocului Baroque Jacomo della, care a aderat la planul principal al Vigola. Biserica a fost ultima etapă a evoluției îndelungate a compoziției templelor epocii Renașterii. În planul său și decizia sa spațială, cele două principii sunt combinate - domome bazilice și centralizate.

Boronii s-au îndepărtat cu îndrăzneală de la Canoane clasice, soluții autoritare, reguli anterioare, au proiectat premisele complexității fără precedent. Aceste borrings sunt un moștenitor real pentru arhitectura bogat emoțională a lui Michelangelo Buonarot, mai mult decât Lorenzo Bernini sau Pietro și Corton.

Un mod interesant ca arhitectul baroc a fost ținut de Yuvara. A început ca o scenă și asistent în restructurarea clădirilor teatrale. Nu toate proiectele sale au găsit realizarea lor. Dar el a marcat experiență din clădire la clădire. Dacă Domenico Fountain (1543-1607) sau Francesco Kartti (? -1675), utilizat tipul unui bloc bloc alungit fără a juca volume, Yuvara întărește expresivitatea palatele sale cu construcție diagonală, rizalitis, jocul de diferite volume. Decorul devine din ce în ce mai restrâns, nu evită Rusta, Pilager și Coloane, astfel de familiare clasicismului. Dar clădirile nu devin eșantioane de clasicism, menținând în același timp măreția, diversitatea și frumusețea barocului. O distincție importantă a stilului arhitectural al Yuvara a devenit o siluetă extrem de expresivă a clădirilor (castelul de oprire, Palatul Regal Madrid, în special Super Basilica).

2.2 Arhitecți barocați

Carlo Maderno (Carlo Maderno, 1556-1629) este unul dintre fondatorii barocului italian, un reprezentant proeminent al Barocului din Italia. Principala creație este fațada Bisericii Romane din Santa Susanna (1603). Printre alte lucrări, Maderna poate fi observată de Biserica Santa Maria Victoria (1605), San Andrea Business Valle (1608-1626). În 1628, a construit un uriaș Palazzo Barberini.

Giovanni Lorenzo Bernini (Giovanni Lorenzo Bernini; 1598-1680) - arhitectul italian Mare și sculptor, cel mai mare reprezentant al Roman și toate baroc italian. Fiul faimosului sculptor Piero Bernini Lorenzo. A început să facă sculptarea în copilărie. La vârsta de 17 ani, el putea să ia deja o comandă pentru bustul portret al episcopului lui Santos, stabilit pe pietre funerare și la vârsta de 20 de ani - pentru a efectua un portret al Papa Paul V. După aceasta, a petrecut mai mulți ani pentru crearea de patru sculpturi mari de marmură , care i -au ordonat pentru grădina iubiții Palatul de artă și colecționar Cardinal Shipiona Borghese. Creativitatea sa se presupune a fi standardul de estetică barocă. Cea mai faimoasă lucrare din Bernini este Piazza San Pietro din Roma.

Francesco Bartolomeo Rastrelli (Francesco Bartolomeo Rastrelli; 1700-1771) - celebrul arhitect rus de origine italiană, arhitectura academician. Două cele mai cunoscute lucrări: ansamblul mănăstirii Smolny și Palatul de iarnă cu celebra scări Jordanian. Celebrele proiecte Kiev din Rastrelli sunt Palatul Mariinsky și Biserica Andreev din Kiev. Construit prin ordin al împărătesei Elizabeth Petrovna sub conducerea lui I.F. Michurina.

În Germania, un nou palat în San Sousi este un monument remarcabil în Germania (autori - I.G. Bering, H.L. Mantter) și Palatul de Vara acolo (G.V. KNOBELSDORF).

Francois Mansar. Arhitectul francez, cel mai mare maestru Baroc, fondatorul tradițiilor clasicismului în Franța. Tatăl clasicismului francez. Din numele său, cuvântul "mansardă" (a făcut în mod constant camerele sub acoperișuri). Cele mai renumite lucrări sunt: \u200b\u200bBiserica Val de Gross, Castelul în Blois, Palatul Meson-Luffit.

Ivan Petrovich Zarudny - Artistul rus răspândit, unul dintre fondatorii noii direcții din arta rusă a secolului al XV-urilor, autorul proiectului Templului Arhanghelului Gabriel pe iazuri pure. Originalitatea stilului arhitectural decisiv al Moscovei acestei perioade a fost că cele două opțiuni - Staromoskovskoye și Barocul occidental - au existat ca fiind simultan. Turnul Mennshikova a devenit un monument strălucit la arhitectura Novomoskovsk.

Pietro Berretini, Pieknamed Pietro da Corton (1596, Cortona - 1669, Roma), - unul dintre cele mai mari decoratori si arhitecti baroce. Patronul lui a fost Papa Urban VIII. Lucrări mari: Biserica Sfântului Luke și Sf. Martina, fațada lui Santa Maria della Patcha, Santa Maria în VIA.

Francesco Borrings. Numele său real este Castelli. Rivalul etern Bernini. Arta lui Borrombini a fost o impersonare a gradului extrem de individualizare creativă. Deja cea mai veche din munca sa este un coridor din Corpul de Grădină din Downkurn Palazzo (1632-1638), cu o boltă bazată pe două rânduri de coloane toscane situate de-a lungul pereților ", este marcată o ingeniozitate remarcabilă. Creații remarcabile: San Carlo Alla Kuattro Fontana, Sant-Ivo Alla Sapienza, Sant-Aniese în Agone.

Levo Louis este un arhitect francez, unul dintre fondatorii clasicismului francez. A fost primul arhitect regal. Clădiri Levo, principalul maestru al clasicismului francez, se disting prin eleganța strictă, planificarea dificultăților, bogăția decorativă de decorare interioară (Hotel Lambert, din 1640, Colegiul de patru națiuni, din 1661, atât în \u200b\u200bParis).

Creație faimoasă: Hotel Lambera, Palatul din Versailles (a fost principalul recorder Corarch), Palatul Louvrasky, V-Le-Viscount.

Concluzie

Cultura barocă ocupă un spațiu istoric imens: lumina XVI-SER. Secole XVIII. Apariția lui a fost un proces natural istoric pregătit de toată dezvoltarea precedentă. Nonodynakovo și-a găsit stilul de implementare în diferite țări, identificând caracteristicile lor naționale. În același timp, au avut caracteristici comune tipice artei europene pentru toată cultura europeană: dogmatismul bisericii, ceea ce a dus la creșterea religiozității; o creștere a rolului statului, a secularității, luptei a început; Creșterea emoționalității, teatralității, exagerării tuturor; Dinamica, impulsivitatea; Decorativitate, pictură, excesivitate a elementelor. Pentru arhitectură, barocul se caracterizează prin aplicare spațială, mucking, fluiditate, complexe, de obicei curbilinari, gradare, pompă și dinamică, altitudine patetică, intensitatea sentimentelor, dependența de ochelari spectaculoși, combinând contraste iluzorie și reală, puternice de scară și ritmuri, materiale și texturi, lumină și umbră

Stilul baroc este perfect obișnuit nu numai pe vestul Europei, ci și pe solul rusesc. Reprodus într-un copac și piatră, a devenit un simbol al luxului și al pompului, redundanței și excesivității.

Bibliografie

1.Stil baroc. BVB. M., 1970.

.Big enciclopedia Kirill și Metodie. 2002.

.Vorontchikhin N.S., EMSHANOVA N.A. Ornamente. Stiluri. Motive: Universitatea din Udmurt, 2004

.Gallet p.p. Istoria artelor. M.: EKSMO, 2002

.Cerc v.V. Problema apariției barocului în Rusia // baroc în Rusia. M., 1926. P. 13-42

.Istoria artei țărilor străine: la 3 t. M.: Editura Academia de Arte din URSS. 1964. T. 3.

.Renaştere. Stil baroc. Clasicism. Stiluri din Europa de Vest. / Ed. Willer. M.: ȘTIINȚĂ, 1966

.Dicționar modern pe științele sociale / ed. Og. Danillana, N.I. Panova. M.: Eksmo, 2005

În Ucraina, barocul se caracterizează prin caracteristici specifice, în special utilizarea tradițiilor de artă populară. Stilul său original a fost cel mai puternic manifestat în arhitectura băncii stângi și Slobozhiny, reunit cu Rusia în ...

Arhitectura din secolul al XVII-lea. Problema definind stilul

În Italia, Renașterea se răspândește peste Europa, câștigând goticul. La sfârșitul renașterii, stilul a fost numit, numit "baroc".
Acum nu este atât de ușor să vedeți diferențele dintre aceste direcții în arhitectură.

Baroc (ital. Barocco - "Freaky", "ciudat", "predispus la excese") - stil în pictura, arhitectura, literatura și muzica din secolele XVII-XVIII.

Heyday-ul barocului este determinată de două secole - între capătul XVI și sfârșitul secolelor XVIII. Baroc (care este tradus din literalmente italiană înseamnă fantezie, ciudat) a fost o naștere în Italia și a acoperit în curând majoritatea țărilor europene și America (în principal centrale și de sud). Principalele caracteristici ale acestui stil au devenit tensiuni, giganism și saturație emoțională. Geometria complexă, efecte de lumină neașteptate, o varietate de modele complexe și un decor luxuriante, unde spațiile concave sunt înlocuite în mod neașteptat de Convex, au ajuns la schimbarea unei ere mai relaxate a armoniei Renașterii târzii. Acestea au fost vaccinate în mod consecvent de arhitectura italiană Michelangelo Buonotti (în perioada lor târzie) și Vigola. Ambele au deranjat clădirile din Vatican, care este aproape simbolul principal al acestui stil arhitectural.

În proiectarea interioarelor baroce, sculpturii, ornamentului sculptat, pictura, oglinzilor, coloanelor și scărilor masive sunt utilizate. Materialele folosesc travertin, dolomită, marmură, bazalt. Scara de contraste, lumină și umbra joc, culori profunde intense (auriu, roz, albastru) - toate acestea creează un sentiment de iluzie și variabilitate constantă a lumii. Din gama generală puteți aloca cei mai vii arhitecți ai timpului. În Italia, aceasta este Francesco Borrombini (1599-1677), care și-a început activitățile ca un zidărie în Catedrala Sf. Petru, dar mai târziu a devenit asistentul Giovanni Lorenzo Bernini (1598-1680) Michelangelo Buonotti, și Pietro și Corton. În Franța - Francois Mansar (1598-1666) și Louis Levo (1612-1648), care a lucrat pentru Louis XIV, în Austria - Johann Bernhard Fisher von Erlah și fiul său (autorii șefului Palatului Vienei Schönbrunn și Karleskirche). În Austria, acest lucru este Johann Bernhard Fisher von Erlah și fiul său (ei sunt autorii principalului Palace din Viena din Schönbrunn și Karlskirm), în Republica Cehă - Francesco Karatti (Autor al Palatului Cherninsky), în Rusia - Ukhtomsky Dmitri Vasilyevich (1719-1774). Multe probe baroce pe teritoriul actualei Polonia și Ucraina (discursul compulular). Unele dintre ele au fost construite de arhitecți italieni în conformitate cu Biserica Romană Ile Jesu.

Arhitectura barocă a dat naștere unor noi tendințe progresive în crearea ansamblurilor urbane și a parcului de grădină. Clădirile devin un număr întreg cu teritoriile înconjurătoare. Peisajul înconjurător decorează grupuri de fântâni cu sculpturi maiestuoase, în grădini au pus spectacole teatrale în cerul deschis. Stilul însuși forțează crearea de ochelari spectaculoși, atmosfera pe marginea iluziei și a realității.

Baroc - excesează cultura. Expresivii acestui exces - fold și curl. Dacă suprafața netedă a peretelui începe brusc să ia, ca un val, este un baroc. Barocul (după unul dintre ramurile sale - manierism) a dezvoltat multe noi tipuri de clădiri. Acesta este un palat maiestuos al orașului, o mănăstire barocă, o vilă de țară cu un palat și o grădină barocă.

Barocul este o atracție materializată pentru o izbitoare neobișnuită, uimitoare. Din acest stil, avem arhitectură peisaj, grădini și parcuri cu sculpturi uriașe și măști grotești, teatre în aer liber, clădiri neobișnuite cu detalii exotice. Barocul colectează neobișnuit și minunat. Gravuri, minerale, plante Richery. Pentru primele colecții muzeale sunt create dulapuri individuale.

Despre grădini trebuie să fie spuse mai ales. Clădirile baroce încearcă să implice zona din fața palatului sau grădinii din fața mănăstirii. Clădirea există cu teritoriile înconjurătoare, și nu în sine.

Omul baroc (și arhitectul, inclusiv) a fost tipic pentru întrebările despre dispozitivul lumii, iar acest răspuns nu a fost adesea în sferele divine. Arhitecții și sculptorii baroci sunt acum confundați cu nerăbdare de extazul divin cu om. În cea mai faimoasă sculptură a "Ecstasy Sfânta Teresa" Bernini are o expresie atât de luminoasă încât chiar și contemporanii au râs de el.

În Rusia, heyday-ul stilului de stil baroc reprezintă a doua jumătate a secolului al XVIII-lea, în timp ce în Europa se produce deja tranziția la clasicism. Ca alte stiluri, barocul din Rusia a achiziționat un fel de identitate, în acest sens, un astfel de termen a apărut ca "baroc rusesc" și a fost diferit de structura europeană mai simplă compoziții arhitecturale. În același timp, arhitecții ruși au folosit în mod activ culoarea strălucitoare și contraste colorate, inclusiv atare. Ca materiale de finisare, pentru a vopsa în continuare, se preferă tencuiala și tencuiala. Prin urmare, culorile devin mai luminoase și bogate: roșu, albastru, galben în combinație cu alb. Decorul stucco utilizează modelul sub forma unui ornament într-un stil tradițional rus. Pentru decorarea diferitelor părți ale interiorului, precum și acoperișurile se aplică tehnica de auri.

La sfârșitul secolului XVII-XVIII, barocul rusesc a fost împărțit în mai mulți curenți: "Moscova" baroc, "Naryshkinskoye" baroc, urmându-le - "stroganovskoye" și "Golitsyn". Astfel de titluri au apărut din cauza numelor persoanelor, sub care au fost construite cele mai importante obiecte ale Erei. Există chiar și "barocul ural" și "barocul siberian".

Cea mai izbitoare personificare a barocului a fost ansamblurile palatului din St. Petersburg, Peterhof și satul Tsarky, luxul și amploarea cărora nu sunt găsite egale în Europa. Unul dintre arhitecții remarcabili ai acelor epoci devine fondatorul Barocului Elizabethan.

Până la mijlocul secolului al XVIII-lea, un stil mai sofisticat și mai eclectic Rococo vine să înlocuiască barocul.

Text: Julia Chernikov