Message de style architectural baroque. Style architectural: baroque

Baroque en peinture

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Caravaggio. La vocation de l'apôtre matthew

Le style baroque dans la peinture se caractérise par dynamisme des compositions, "plan" et formes de pompe, aristocratique et introductionnelle des parcelles. Les caractéristiques les plus caractéristiques du flowellerie et du dynamisme accrocheur baroque; Un exemple éclatant est l'œuvre de Rubens et Caravaggio.

Michelangelo Merisi (1571-1610), qui, à la place de la naissance près de Milan, appelée Caravaggio, considère le maître le plus important des artistes italiens créés à la fin du XVIe siècle. Nouveau style dans la peinture. Ses peintures écrites dans des histoires religieuses ressemblent à des scènes réalistes avec un auteur de vie moderne, créant ainsi le contraste des temps d'antiquité tardive et de nouvelle fois. Les héros sont représentés dans un crépuscule, à partir duquel les rayons de la lumière tirent des gestes expressives de personnages, contrastant leur caractéristique. Adeptes et portraits de Caravaggio, qui ont été initialement appelés Karavagisti et la caravagisme elle-même, telles que Annibal Carrachci (1560-1609) ou Guido Reni (1575-1642), ont adopté la rouille des sentiments et le caractère de la manière de Karavaggio, comme ainsi que son naturalisme dans l'image et les événements du peuple.

Peter Paul Rubens (1577-1640) au début du XVIIe siècle. Il a étudié en Italie, où il a appris Maneru Caravaggio et Carrageach, bien qu'il n'y arrivait qu'à la fin du cours d'étude à Anvers. Il combine joyeusement les meilleures caractéristiques des écoles de la peinture du Nord et du Sud, fusionner naturelle et surnaturelle, la réalité et la fantaisie, la bourse et la spiritualité dans ses toiles. En plus de Rubens de reconnaissance internationale, un autre maître de baroque flamand, Van Deken (1599-1641) atteint. Avec le travail de Rubens, un nouveau style est venu en Hollande, où France Hals (1580 / 85-1666), Rembrandt (1606-1669) et Vermeer (1632-1675). En Espagne, à la manière de Caravaggio, Diego Velasquez (1599-1660) a été créée et en France - Nikola Poussin (1593-1665), qui, non satisfait de l'école baroque, posée dans son travail les fondements du nouveau flux - Classicisme.

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Carlo Madern Eglise Saint Susanna, Rome

Église des âmes en purgatoire dans la ville de Ragusa, échantillon de baroque sicilien

Château de Miloitice, République tchèque

Pour l'architecture baroque (L. Bernini, F. Borombini en Italie, B. F. Rastrelli en Russie, Jan Christoph Glaubitz dans le discours du Commonwealth) se caractérise par une portée spatiale, un muqueur, une fluidité des formes complexes, généralement curviligne. Il est souvent déployé des colonnades à grande échelle, une abondance de sculptures sur les façades et des intérieurs, des volitions, un grand nombre de façades à basse glissade et de grandes façades avec un peloton au milieu, des colonnes et des pilastres. Le dôme acquièce des formes complexes, souvent ils sont multiples, comme la cathédrale de Saint-Pierre à Rome. Détails caractéristiques de Baroque - Tewamon (Atlant), Carayatide, Maskaron.

Dans l'architecture italienne, le représentant le plus important de l'art baroque était Carlo Madern (1556-1629), qui a rompu avec le maniérisme et a créé son propre style. Sa création principale est la façade de l'église romaine de Santa Susanna (1603). Lorenzo Bernini était la principale figure du développement d'une sculpture baroque, dont les premiers chefs-d'œuvre réalisés dans le nouveau style appartiennent à environ 1620 Bernini également un architecte. Il appartient au design de la place de la cathédrale Saint-Pierre à Rome et aux intérieurs, ainsi que d'autres bâtiments. D. Fontana, R. R. Rodaldi, Gvarini, B. Longen, L. Vavvitelley, P. Oui Corton. Sur la Sicile après un tremblement de terre majeur de 1693, un nouveau style de fin de baroque est apparu - baroque sicilienne.

La quincologie, une fusion impressionnante de peinture, de sculptures et d'architecture, est considérée comme Korranaiso capella dans l'église de Santa Maria della-Vittoria (1645-1652).

Le style baroque se répand en Espagne, en Allemagne, en Belgique (alors Flandre), Pays-Bas, Russie, France, Commonwealth. Baroque espagnol, ou Churrice localzko (en l'honneur de l'architecte Churgeriera), s'est également étendu en Amérique latine. Le monument le plus populaire de sa cathédrale de Santiago de Compostelle est également l'un des plus vénigés par les croyants des temples de l'Espagne. En Amérique latine, baroque était mélangée aux traditions architecturales locales, c'est la version la plus sophistiquée et l'a appelée Ultrabarakko.

En France, le style baroque est plus modeste que dans d'autres pays. Auparavant, on croyait que je n'avais pas reçu le style du tout, les monuments baroques étaient considérés comme des monuments de classicisme. Parfois, ils utilisent le terme "classicisme baroque" par rapport aux variantes françaises et anglaises de baroques. Maintenant, le palais Versailles avec un parc régulier, le palais de Luxembourg, le bâtiment de l'Académie française à Paris, et d'autres, sont comptés pour le baroque français. Ils ont vraiment des caractéristiques du classicisme. La caractéristique du style baroque est un style régulier dans le jardin-parc, dont l'exemple est le parc Versailles.

Plus tard, au début du 18ème siècle. Les Français ont développé leur propre style, la variété de baroques - Rococo. Il s'est manifesté non pas dans la conception extérieure des bâtiments, mais uniquement dans les intérieurs, ainsi que dans la conception de livres, en vêtements, meubles, peinture. Le style a été distribué partout en Europe et en Russie.

En Belgique, un monument remarquable baroque est l'ensemble de la Grand Place à Bruxelles. Les caractéristiques baroques ont une maison de Rubens à Anvers, construite sur le projet de l'artiste.

En Russie, baroque apparaît au XVIIe siècle ("NaryShkin Baroque", "Golitsyn baroque"). Au XVIIIe siècle, Peter I reçoit le développement à Saint-Pétersbourg et à la banlieue dans les œuvres de D. Trezini - le soi-disant "Petrovskoy baroque" (plus restreint) et atteint un remplissage sur le tableau d'Elizabeth Petrovna Créativité Si chevakinsky et B. Rastrelli.

En Allemagne, un nouveau palais à San Sousi est un monument exceptionnel en Allemagne (auteurs - I. G. Burning, H. L. Mantter) et le palais d'été (G. von Knobelsdorf).

Les plus grands et les plus célèbres ensembles baroques au monde: Versailles (France), Peterhof (Russie), Aranjuez (Espagne), Zwinger (Allemagne), Schönbrunn (Autriche).

Dans le Grand-Duch de Lituanien, les styles de Sarmatian Baroque et Vilen Baroque, le plus grand représentant - Jan Christoph Glaubitz ont été obtenus. Parmi ses projets célèbres - l'église reconstruite de l'Ascension de l'Éternel (Vilnius), Cathédrale Sophia (PoloSk) et d'autres.

Baroque comme l'une des principales directions de style de l'art de l'Europe au milieu du XVIIe siècle XVIIIe siècle. Avec son idéologie, ses principes, ses méthodes et son système de signes formels, c'était à l'origine en Italie, dans les cercles artistiques de Rome et de Bologne à la fin du XVIe siècle au début du XVIIe siècle. Formation style baroque (De Ital. Barocco - étrange, pittoresque) est associé à la crise d'idéaux de l'art de la renaissance italienne au milieu du XVIe siècle. C'est l'heure de grandes découvertes dans les disciplines de la science naturelle, la géographie, la philosophie et d'autres. Des représentations de l'antiquité humaine sur la stabilité, la clarté et l'harmonie du monde, d'un espace limité et d'une durée de temps, à de nombreuses façons, ce qui est devenue plus tard que de plus tard L'idéal de la renaissance, ont été secoués par de nouvelles connaissances. Dans le même temps, la Renaissance avec son grand art n'a pas pu se terminer fortement à un certain stade, sans affecter l'art et la stylistique du monde objectif de la nouvelle fois.

C'est ici que vous devriez rechercher l'essence de toutes les contradictions de l'art baroque. Reflétant le monde moderne changeable et divers, il part d'une harmonie claire et claire de l'art de l'ère précédente, cédant la place à une nouvelle compréhension de la beauté. Cet art est à la fin du XVIe siècle. Il cherche à abandonner les frontières strictes d'une caractéristique d'espace organisée mais limitée de l'art de la renaissance. Il semble démontrer des émotions humaines, de la complexité, du multi-élément et de la décoration luxuriante de l'environnement spatial environnant.

Pour la baroque, la contraste, la tension, le dynamisme des formes complexes, généralement curviligne, des ensembles, le désir de grandeur et de la pompe, de combiner la réalité et l'illusion, à la fusion des arts: architecture, peinture, sculptures, arts décoratifs et appliqués.

Façade de bâtiments baroques

Façade occidentale de la basilique (construite en 1569-1679) Santa Maria Deli Angeli. 1562 Rome, Italie - Santa Maria degli Angeli E Dei Martiri ( italien.)

Façade baroque de l'église (construite en 1600) Santa Maria del Popolo. 1472-1477 Rome, Italie - Basilique di Santa Maria del Popolo

Cathédrale de Berlin. 1894-1905 Berlin, Allemagne - Cathédrale de Berlin (Berliner Dom - nem..)

Palazzo Carignano (placé le Musée national de la Renaissance italienne). 1679 Turin, Italie - Palazzo Carignano (Museo Nazionale del Risorgimento Italiano)

Palais royal à Madrid. 1738-1764 Espagne - Palacio Real de Madrid ( en haut.)

Palais Mafra. 1717-1730 Lisbonne, Portugal - Palácio Nacional de Mafra ( port.)

Église des Saints Peter et Paul. 1597-1619. Cracovie, Pologne - Église des Saints Peter et Paul (Kościół śś Piotra I Pawła W Krakowie)

Église du signe de la Sainte Vierge. 1690-1699. Podolsk (Dubrovitsy), Russie

Église de Santa Susanna (Saint Susanne). 1585-1603 Rome, Italie - Chiesa di Santa Susanna Alle Terme di Diocleziano ( italien.)

Cathédrale Petropavlovsky (Cathédrale au nom des apôtres de la barrière Peter et Paul). 1712-1733 Saint-Pétersbourg, Russie (baroque russe: Petrovskoe baroque)

Église de San Carlo Alla Quatro Fontaine (Église Saint-Carla en quatre fontaines). 1638-1677 Rome, Italie - San Carlo Alle Quattro Fontane

Cathédrale de Petropavlovsky. 1723-1726 Kazan, Russie (baroque russe: Moscou Baroque ou Naryshkinsky Style)

Cathédrale des Saints Peter et Paul. 1894-1904 Peterhof, Russie

Façade baroque (1750), cathédrale Saint Jacob. 1075-1211. Santiago de composs, Espagne - Cathédrale Santiago de Compostelle

Intérieurs baroques

Cathédrale Salut Santa Maria della. 1630-1681 Venise, Italie - Basilique di Santa Maria della Salute

Intérieur de l'église de San Carlo Alla Quatro Fontan. Rome, Italie - San Carlo Alle Quattro Fontane

Église d'autel de Notre-Dame Miséricorde. 1765-1775 Barcelone, Espagne - Basilique de Notre-Dame de la Miséricorde (Basílica de Nuestra Señora de la Mercedra en haut.)

Autel de la cathédrale Evore. 1718-1746 Evora, Portugal - Cathédrale Evora (Sé de Évora - port.)

Cathédrale Saint-Pierre, Central Neg. Vatican - Basilique di San Pietro

Escalier dans le palais du Vatican (également appelé. Apostolique DV. Ou Papal DV.). Rome, Italie - Palazzo Apostolico

Galerie Farnese, Palazzo Farneza. 1597-1604 Rome, Italie - Palazzo Farnese

Intérieur baroque de la cathédrale de Berlin. Berlin, Allemagne - Berliner Dom

Un moyen composé très expressif de baroque est une échelle d'homme excessivement élargie et disproportionnée et l'image elle-même, ainsi que ses éléments principaux. Les gigantesques tailles des portails des églises romaines, des portes et des fenêtres ne sont clairement pas à grande échelle, pas à une personne. Peut-être donc, dans ce style, il y avait tant d'irrationalité et même de fantasticité à l'image de l'installation.

Conflit interne, tension de ce style, qui se manifeste incl. Et dans l'architecture, consistait à la collision des propriétés physiques réelles du matériau inerte, sa gravité, par exemple et le désir de l'amener dans un état agité, le mouvement visuel.

À cet égard, baroque est un véritable gothique avec son incohérence de la forme matérielle et une image visuelle avec une sorte de dématérialisation de la forme.

En outre, la contradiction interne de ce style s'est souvent manifestée à la nature incroyable et répulsive des détails, d'une part, et l'atmosphère mystique générale du travail artistique - de l'autre.

C'est là que certains controusty, image artistique non naturelle, théâtralité et même le style baroque ornemental.

Style baroque J'ai développé mon ornemental spécial, qui a été très largement utilisé dans l'architecture pour la décoration, tout d'abord, des façades et dans la décoration des intérieurs, ainsi que des arts décoratifs et appliqués, et dans le décor de meubles. Le désir de pompe, la grandeur crée de nouvelles compositions dynamiques complexes et très inattendues, dont les éléments sont empruntés à l'origine dans les arsenals de la Renaissance. Frèches déchirées, corniches lancées, plombs, décorées avec des volitions, des grappes de colonnes, incl. Colonnes en forme de spirale, supports, abondance des coquilles empruntées et recyclées plastiques.

Cartouche Cartouche (de Fr. Cartouche - Scroll) - sous forme de boucliers ou de feuilles de parchemin avec des bords enveloppés - se transformer progressivement en un rouleau (de celui-ci. Rolle - Complétude et Werk - Travail, Business) sous la forme d'une semi-alimenté Rouleau de papier avec des bords affinés, Mascar, Motifs Double Curl, guirlandes, feuilles acacénaires (plus activement, à partir du XVIIe siècle), de kimatiy ionien et d'autres éléments décoratifs. Célèbre dans la période de romance et largement utilisé par le motif de la bande tissée baroque convertit en bandeau (de lui. Bande - bande, transit et werk - travail, entreprise). Les motifs du dessin animé baroque et de l'évier sont transformés en moules fantastiques du museau ou du knorpel (de lui. Knorpel - cartilage et werk - travail, affaires) et ormushl (de lui. Ohrmuschel est un évier d'oreille). Ces deux éléments décoratifs étaient particulièrement caractéristiques du baroque flamand.

Les intérieurs baroques sont particulièrement luxueusement décorées. La décoration de peinture, de marbre et de bois doré, de sculpture, de peintures pittoresques, etc. sont activement utilisées, la sculpture, les peintures pittoresques, etc., particulièrement bonnes plaques pittoresques, augmentant visuellement l'espace intérieur des locaux. DANS epoch Barochko La fonction de la création d'un intérieur comme un entier composite et stylistique est né véritablement né. L'intérieur et ses éléments, comme une réelle synthèse de l'art, ont commencé à jouer un rôle très important, indiquant le statut social et la situation financière de son propriétaire. Créer des ensembles de décoration intérieure entiers. De plus, la richesse de la décoration est également à laïcité et aux bâtiments de l'église.

Tous les articles ici sont équipés et compatibles les uns avec les autres: murs et plafonds peints, décorés vers le même stuc, formes et tailles de cadres en bois ou de patch de miroirs et de peintures, panneaux muraux en bois sculptés, peints ou plaqués or, consoles dorées avec sculptées avec Comptoirs en marbre en mosaïque, kandelabra en bronze et lustres en cristal, chaises de luxe, tables d'angle, piédestaux pour sculptures, armoires, décorées d'incrustation, de chargeuses supérieures, etc.

Il convient de noter que les palais d'Italie de cette période étaient considérés non seulement comme des locaux résidentiels privés, mais tout d'abord, comme des plates-formes de scène particulières pour des actes sociaux solennels - des réceptions officielles, des pertes, des balles, etc.

La peinture de la couleur et des effets de lumière à l'intérieur a été fournie par la complexité et même la fantaisie de sa structure spatiale, une abondance de marbre coloré sculpté, de stuc, d'un arbre de galer-manteau sculpté, de bronze, de cristal, de sculpture et de peinture. Les intérieurs submergées de la sculpture, mais il ne s'agissait pas d'être gâtés de figures debout, mais entiers de grands groupes, où le spectateur était parfois difficile de mettre en évidence un caractère séparé, car chaque chiffre n'était pas intéressant en soi, mais comme un élément intégral de l'ensemble . De telles sculptures, fabriquées dans des angles inhabituellement complexes et installés en excès dans les intérieurs et l'extérieur des bâtiments sont l'une des caractéristiques du style baroque. En conséquence, l'impression générale des tensions émotionnelles, des pompes, du dynamisme et des mouvements de masse, l'illusion de l'expansion de l'espace, son infini.

Meubles baroques italiens (XVIIe siècle)

Tout d'abord, vous devriez donner brève description Les États et les tendances du développement de l'architecture italienne et de l'art de créer des intérieurs de cette époque.

Les bâtiments de style baroque italien les plus caractéristiques ont été créés par les plus grands architectes du XVIIe siècle: L. Bernini, F. Borombini, G. Guvarini, K. Rainaldi, B. Longen, et autres. Le premier architecte qui a déménagé pour résoudre le grand Les tâches architecturales de la nouvelle époque de style étaient K. Maderna. Dans son église romaine de Santa Susanna, le type de l'Église catholique du XVIIe siècle est finalisé, dont la façade est le système de décoration décorative de l'église IL Jesu Architecte D. della Port. Mais le travail principal de Maderna était l'achèvement de la cathédrale de Saint-Pierre à Rome. Le fondateur du style de Barochko est l'architecte, le sculpteur et le peintre Michelangelo Buonarot.

Le style de Baroque italien s'est développé, tout d'abord à Rome, à partir de laquelle il a pénétré dans d'autres villes d'Italie, où il a pris diverses formes dans les cours d'une médecine ou d'une tardif. Cette ère de la construction a été maintenue et même une augmentation des éléments du défilé, du divertissement, de la décoration luxuriante. Baroque en architecture est des constructions spatiales complexes et des contours curvilignes de plans, de manière nettement saillante et des volumes profondément aigus, des contrastes de plateau et de relief, de light et de lumière, de coups de fantaisie d'éclairage, d'application fréquente de la forme de frèches ovales, de frèches déchirées, décorées avec des cartouches, énormes aubes courbées ou bombardées, colonnes torsadées, ainsi que des colonnes jumelées et des pilastres. Cela a atteint la dynamique des formes d'éléments, comme si la croissance est libre avec le calcul des effets obtenus de l'éclairage, renforçant visuellement les sculptures des façades.

À cet égard, un exemple est une large répartition de véritables tolérances à base baroque, tout aussi dynamique dans toutes les directions, inventé des bruits pour la décoration du dôme de la cathédrale de Florentin.

À l'heure actuelle, les principes et techniques des constructions d'ensemble se développent véritablement. Par exemple, l'ensemble de la colline Capitol à Rome (1546) United Plusieurs bâtiments de palais autour de la zone trapézoïdale en termes de carré avec un escalier de défilé qui y conduit. Le principe de l'ensemble a été posé dans la planification de la carrée d'ovale Del Popolo (1662) à l'entrée de Rome avec trois rues divergentes d'elle, la place devant la cathédrale de Saint-Pierre à Rome, la place du consentement et Versailles à Paris, qui, malgré toutes leurs différences, ils sont la génération Époque baroque.

Façade de l'église Île Jesu. 1573-1584 D. Della Port. Rome, Italie

Le flux le plus radical du baroque romain est le style de jésuitantisme, qui se manifeste le plus vivement se manifestant dans l'église de l'Ordre de Jésuite Il Jesu (sa construction 1573-1584. Fait référence à l'époque de début baroque). Ile Jesu a tous les signes de bâtiments baroques. Sa façade a l'air très dynamique, il a un fort contraste de formes saillantes et retraites, elle est décorée avec des tolérances reliant le niveau supérieur au fond, a un fronton libéré. L'impression d'une telle fluidité des formes, leur ondulation n'est améliorée que si vous perçoivent visuellement une telle façade dans une aide. À l'ère d'une baroque mature, une telle dynamique de courbe et fluide à une autre forme de pierre intersectée obtient la distribution la plus répandue dans les bâtiments de l'église et de la laïcité.

Michelangelo dans son projet de la cathédrale de Saint-Pierre (1546) a subjugué tout le volume du bâtiment par le dôme central et a déjà demandé la dynamique à toute la construction. Et l'artiste D. della Port (en 1588-1590) par rapport à cette idée de projet, Michelangelo a renforcé la dynamique, ce qui rend le dôme non hémisphérique, mais parabolique allongé. La nouvelle silhouette du dôme a souligné le mouvement général de la forme du bâtiment.

La théâtralité ci-dessus, une certaine non-transformation et même l'irrationalité de l'architecture baroque se manifestèrent, par exemple, dans le hall de la bibliothèque de San Lorenzo. Surplombant les canons classiques de l'architecture, Michelangelo a conçu des colonnes à double colonne que, pour une raison quelconque, n'ont pas de capitales et se tiennent dans les murs d'approfondissement et ne supporte rien. Les consoles installées sous elles ont évidemment des fonctions décoratives. Les murs sont disséqués avec des fenêtres imaginaires. Les escaliers de lobby sur les côtés n'ont pas de rail. Les balustrades, qui sont fabriquées au milieu, en raison de leur faible hauteur, sont clairement transportées que par un fardeau décoratif. Les étapes extrêmes sont arrondies avec des tonnes de boucles dans les coins. En soi, l'escalier remplit presque tout l'espace libre du lobby, qui est clairement irrationnel.

Pour Baroque, le désir d'atteindre les effets de l'illusion optique. Par exemple, L. Bernini a conçu l'escalier dans le palais du Vatican qui semble beaucoup plus longtemps que ce qu'il est réellement, car il est rétréci, l'arcade devient inférieure, les colonnes sont de plus petite taille et les lacunes entre elles sont réduites. Par conséquent, grâce à la fausse perspective, la figure du pape, lorsqu'il est apparu sur la plate-forme supérieure des escaliers, a été perçue d'un grand, significatif et majestueux.

L'église de San Carlo Architect Barryini est un excellent modèle de l'original sous la forme et la décoration d'un bâtiment de style baroque. Sa façade ressemble à une péculière Shairma située devant le bâtiment, qui dans le plan a une forme de diamant avec des côtés concaves. Les architectes baroques ont essayé de ne pas faire des coins droits, à tous égards torsadés et coupés des angles des bâtiments. L'église San Carlo a donc également coupé les coins et quatre groupes sculpturaux avec des fontaines sont situés à proximité.

Déjà au XVIe siècle. Il existe des techniques pour créer un intérieur baroque italien. Les murs et plafonds des locaux sont décorés de fresques et les motifs insérés dans les murs sont encadrés par des cadres en bois sculptés en bois ou un ornement en stuc de haut relief.

Création de l'un des premiers intérieurs baroques (Galerie Farnese, 1597-1604) A. Karracchi, qui a commencé ses activités avec un décorateur de certains palais de Bologne, peut être considéré comme la naissance du vrai style baroque.

À Bologne, pour la première fois, il a commencé à utiliser les motifs de la soi-disant architecture illusionniste-quadrature (de la Lat. Quadratura) dans la peinture. De telles peintures sont devenues l'une des façons les plus populaires de décorer des plans de mur et de plafond.

En 1693, l'artiste A. Pozzo, auteur de nombreuses fresques magnifiques sur la place de la place, a préparé tout un traité sur la technique de cette peinture - Perspectiva Pictorum et architellum (perspective pittoresque et architecturale). Il a expliqué, par exemple, comment relier un point de vue en perspective avec les frontières des fresques ou des techniques décrites, facilitant la création d'énormes fresques. Ce guide a eu une influence énorme sur les architectes et les artistes de leur temps, qui, dans les intérieurs baroques créés, essayaient de fournir des matchs graphiques et de couleurs entre des plaques de marbre ou des tissus séparés par les murs des locaux, des fresques, des sculptures et autres éléments du décor.

Avec le nom L. Bernini, l'utilisation active de marbre coloré pour le revêtement mural en combinaison avec du métal, des pokko ou des fresques est connecté. Il a appliqué une telle finale, en règle générale, pour décorer les intérieurs d'église. Par exemple, dans la célèbre chapelle Cornaro de l'Église de Santa Maria della Vittoria à Rome, où sa composition est établie par Ecstasy Sv. Teresa (1644-1652) ou dans l'église de Sant Andrea Al Qvirinale (1658-1670).

L'utilisation de marbre de couleur en raison de ses prix relativement élevés le rendit en Italie abordable uniquement pour des personnes très riches. Par conséquent, la décoration de plaques de marbre d'intérieurs résidentiels, à l'exception des sols, est extrêmement rare en Italie. Dans la plupart des cas, utilisé pour la perfectionnement des siècles XVII-XVIII, Finto Marmo Technique, c'est-à-dire peint sous l'arbre de marbre. Typiquement, des panneaux de mur en bois ont été décorés sous du marbre. Cette réception s'est ensuite répandue à la littéralement sur tous les pays européens.

Les cheminées et leur décoration décorative dans le baroque italien ont commencé à jouer un rôle sensiblement inférieur à l'intérieur de la pièce par rapport aux cheminées de la Renaissance. Par exemple, dans l'intérieur luxueux d'un grand salon au Palazzo Barberini, les cheminées ne sont pas des éléments actifs et ont un décor très modeste et de nombreux autres intérieurs du palais n'ont pas du tout des cheminées.

Tout au long du XVIIe siècle. Les Italiens continuent à mener à l'art de Stukko. Basé sur les traditions et les compétences de l'ère précédente, en particulier la période de maniérisme, les artistes de Stukko ont poursuivi et développé les principes d'un décor de stuc développé. La peinture ou les fresques dans la plupart des cas ont été encadrées par une décoration murale blanche ou plaquée or. Un exemple est un relief de mur dans la cabine de Koravzieri dans le palais romain Quiri-Nalis (1605-1621) et dans le Salon Palazzo Riccardi à Florence.

Excellents échantillons de stuc de la seconde moitié du XVIIe siècle. A. Haffner a été joué pour l'inversion de Sala dei dans le palais génois Albricksi à Venise.

Un autre type d'art de décoration intérieur de l'ère baroque, effacer le visage entre l'architecture, la sculpture et la peinture, était une peinture floteuse illusoire décorative. C'était célèbre pour les artistes P. Oui Cortona et A. Pozzo. Par exemple, la peinture du dôme au Palazzo Barberini (1625-1663), achevée par P. Oui Corton environ en 1639.

La tâche principale d'une telle peinture est de créer un espace irréel dans lequel les représentations habituelles de tailles réelles, de volume, de forme, de couleur, de lumière et d'autres caractéristiques et propriétés de la pièce créée sont perdues. Le plafond, comme l'élément final de l'intérieur baroque, se transforma en une illusoire, laissant l'espace sans fin du ciel avec des nuages \u200b\u200bvolants et des personnages de personnes. Il est caractéristique que de nombreuses peintures flottantes dans les intérieurs d'imitation baroque imitent non seulement le ciel du ciel, mais aussi le dôme avec son aspiration. Ces peintures prometteuses ne sont pas mieux exprimées l'idéal esthétique de l'art du baroque - l'infini de l'espace, le mouvement des masses, de la lumière et des couleurs.

Un échantillon de la décoration intérieure décorative du début baroque en Italie, comme indiqué précédemment, il s'agit d'une galerie Farnes à Rome, puis des intérieurs des palais de Pitti à Florence et Bar-Berini à Rome. Ici, tout est subordonné à une idée courante du mouvement des masses et de l'espace. Conformément à la décoration des murs, des plafonds et d'autres éléments de l'intérieur, des meubles sont créés et décorés de meubles: des tables de console, des chaises, des chaises, des tabourets, des armoires, des armoires, des bureaux de bureau, etc. Les meubles baroques se distinguent par la consolidation de la Les proportions, la somnolence de leurs formes, pompe sculpté la décoration dorée. Les meubles pour les sièges sont faits plus confortables et correspondent à des vêtements portables. Les tabourets doux, les chaises et les fauteuils sont largement utilisés, puis des canapés. Les dos sont fabriqués avec une décharge, des coudes plus confortables apparaissent. Les coffres (Lari) et les fournitures sortent. Ils sont remplacés par des armoires, des armoires et des bureaux.

Tableau de noix, inlay eben et ivoire. France

Pour les armoires se caractérise par des silhouettes solides, la curvilinéarité des contours du plan, la présence d'avant-toit courbées avec un décor sculptural complexe, une couverture ornementale luxuriante ou des frèches discontinues, des cadres sculptés de portes et de jambes. Les filons des armoires et des portes de bureau sont souvent décorées avec des inserts de la mosaïque de pierres colorées (agate, onyx, lazuries de lapis-lazuries, etc.), du vitrail poli ou de la mosaïque en bois colorée - Marqueterie, dans la technique de laquelle des scènes entières sont aménagées.

À Florence et Bologne style baroque Dans la fabrication de meubles, pénétré relativement tard - à partir de la seconde moitié du XVIIe siècle et, au début, elle différait de la forme et décorée des meubles de renaissance tardives. Cependant, une nouvelle fois est déjà devinée dans des échantillons coûteux de meubles.

Un objet de meubles caractéristiques - un élément indispensable de la situation frontale des palais - les armoires sont devenues les armoires bien décorées. De telles cabines étaient très appréciées, souvent envoyées dans l'autre comme un cadeau précieux. La passion pour les armoires était si grande qu'ils ont commencé à être fabriqués dans de nombreux pays européens. Leur forme et leur décoration ont commencé à porter une empreinte nationale prononcée.

Au XVIIe siècle Les grandes cabines avec des préserts, qui sont devenues la partie nécessaire de la décoration des palais. Meublé par plusieurs objets de ce type, la chambre s'appelait l'armoire. Avec ce mot, les Français indiquent parfois une petite pièce. Les armoires avaient un grand nombre de Des boîtes qui servaient également pour stocker de petits objets, de l'argent, des documents, d'autres valeurs.

Non seulement les armoires de plancher reçues sont généralisées, mais également des boîtes de rangée, une taille inférieure dans les boîtes de taille. Ils ont été séparés par une peau en relief et doré, mastic stuc.

Les bureaux du Bureau Florentin avec leurs formes complexes et exquises occupent une place spéciale. Ils étaient souvent fabriqués à partir d'ébène, leurs filils ont été décorés d'une mosaïque florentin de marbre coloré et de verre, blessé par l'ivoire, la belle-mère, la faïence. Des ornements aériens, des médaillons, des bustes, des statuettes en bronze doré et bien lu ont également été utilisés comme décorations. Ces bureaux étaient fabriqués à des jambes hautes liées au bas des fournitures sculptées. Les surfaces avant des boîtes des armoires avaient un ensemble de pierres de couleur dessinant des oiseaux, des fruits, des fleurs. Lorsque divers fruits ont été représentés, la mosaïque était parfois même en relief. Milan armoires en bois noir sur les podstols debout sur les jambes précises étaient également célèbres. La ligne de front de telles cabines a été traitée par une traction architecturale, des corniches, des terrains, des semi-colonismes torsadés, etc. Les surfaces ont été décorées de mosaïque d'ivoire. Les armoires ont été complétées sous la forme d'un parapet, surmonté d'une balustrade. À son tour, cette balustrade a été décorée avec des statuettes en os.

La solution plastique pour les formes de meubles pour les sièges était compliquée. Les meubles rembourrés (tabourets, chaises et fauteuils) sont énormes, décorés de sculptures, souvent avec dorure et un velours sombre avec de grands motifs ou de farce - un chiffon avec des filets dorés ou d'argent tissés. Les chaises ont des jambes verticales ou courbes ou des pieds d'une forme en forme de pyramidine avec une expansion ressemblant à une cuvette dans la partie supérieure, tirée au fond de la croix fournie ou incurvée avec un vase sculpté au milieu. Les dos ont un haut semi-circulaire, sont souvent rendus sourds, élevés ou avec un petit cavalier entre les racks. De même, des tabourets et des selles, qui sont également impolis par Split Velvet sont effectués. Ils ont quatre jambes en diagonale qui se termine dans des boucles de larges et fixées avec des propriétés galopées sculptées.

À ce stade, de petites tables de forme rectangulaire apparaissent, qui sont réglées par le mur ou dans la paroi sous le miroir-trembleur. C'étaient des objets de meubles décoratifs, qui étaient généralement installés de beaux articles: vases, heures, figurines, etc. Dans de telles tables, les substitues et les jambes sont décorées particulièrement abondamment. Les bijoux sculptés massives, qui sont or et sont souvent échantillonnés sous la forme de Nayad, Putti (Cupidon), des Noirs, des Eagles, des Lions, des Griffins, des coquillages, des rubans, des boucles de l'ACANTA, etc. Les tables fonctionnelles sont faites avec tour, forme six ou octogonale. Les bords de table sont traités par un ornement sculpté. Les jambes utilisées dans l'ère de style précédente sous la forme de supports massives sont remplacées par un seul œil sous la forme d'un vase, à laquelle les supports se sont terminés au fond des pattes d'animaux sont attachés. Tout ce souterrain se trouve sur une base massive, également complètement recouvert de sculptures.

Les changements principaux se produisent dans la conception du lit. Baldahin reste, mais soutenant ses colonnes élevées disparaissent, c'est-à-dire Il est maintenant en cantille pour le mur. Le rôle du lit comme l'un des éléments actifs de l'intérieur augmente fortement.

DANS epoch Barochko Les meubles sont en noix de noix, plus appropriés pour le fil et le polissage. La noix devient si populaire qu'en Angleterre, cette fois obtient le nom de la période de noix. Les meubles acquièrent progressivement de plus en plus de contours curvilignes complexes et de doublures de bronze commencent à être utilisées à la place du fil. Si le mobilier est en chêne, il est ventilateur par un placage de noix. Lors du traitement des surfaces curviligne, il est nécessaire d'appliquer la technique d'un ensemble manuel de petits morceaux de placage. Alors, paraît, outre l'Italie, en Flandre et en Hollande, puis en Allemagne et en France, un nouveau type de décor, une mosaïque en bois - Marketing (Franz. Marqueterie - Creusée par signes).

À Rome, Florence et un certain nombre d'autres villes d'Italie, des manufactures thermiques ont été fondées, pour lesquelles des tapisseries flamandes ont servi d'échantillons de produits. Déjà dans la première moitié du XVIIIe siècle. La mode sur leurs produits a atteint Naples et Turin. Venise et Gênes étaient célèbres pour la production de tissus de laine de haute qualité et le velours génois était en demande dans de nombreux pays européens. Tous ces tissus ont également été utilisés pour la garniture de meubles rembourrés.

Mobilier de renaissance néerlandais et flamand et baroque (XVI-XVII siècles)

Au XVIème siècle Aux Pays-Bas, il y a un changement d'orientation de style dans la fabrication de meubles. De l'ornementation empruntée au début de la Renaissance italienne, les fabricants de meubles commencent à utiliser (à la fin de la première moitié du XVIe siècle) ornement grotesque de la forte renaissance. Dans l'ornementation et la décoration globale de nombreux meubles, gravures de W. Floris, Cook Van Els et d'autres artistes ont été fournis. Influencé de manière significative la stylistique des projets de décoration de meubles de l'artiste de Harm-Mana de Brica, qui a publié une collection de ses développements à l'époque (différent pourtraics de menucérie). Il est sur ces projets que les spécialistes néerlandais sont passés de la conception gothique des meubles à ses échantillons avec des modèles architecturaux: des bases, des colonnes, des consoles, des pilastres, des gouttes, etc. Le style de VRE-Deman de Brize était le plus clairement manifesté dans les meubles Anvers. Ici, des armoires et de l'offre sont fabriquées avec deux ou quatre portes, avec des filets en forme de diamant, qui sont des membres avec des pilastres, des colonnes torsadées, des consoles et même, dans certains échantillons - Herma, ont une base élevée, bien en saillie des gouttes profilées et un Beaucoup de doublures décoratives en forme de pyramido sur des pièces saillantes. Ces armoires se tiennent sur des jambes sphériques. À ce moment-là, les chaises et les fauteuils étaient les plus courants, également initialement émis à Anvers. Les cadres de ces sièges sont récoltés à partir de ronds torsadés précis dans la section transversale de tiges dont la connectivité est une barre rectangulaire avec bêtrée. La partie supérieure du dos fonctionne directement ou a un bord légèrement arrondi. Fauteuils à plier des elbades, s'appuyant sur des racks tordus, qui ressemblent à une continuation des jambes avant, finissent par des volitions à l'avant. Le siège et l'arrière des chaises et des chaises sont généralement impolis par la peau et un chiffon de tapisserie utilisant des ongles avec de grands chapeaux. À ce stade, il y a un changement de nature des décorations du mobilier et de ses formes elles-mêmes, un autre matériau est appliqué. Maintenant, le mobilier est fait de noix, ainsi que d'autres espèces d'arbres importées. À la fin de la période tardive, incrusté et inserts du bois de rose, de noir, d'amaranth (violet) et de bois rose apparaissent, ce qui enrichit de manière significative la solution décorative à une variété d'objets de meubles. Les lits sont fabriqués avec une auvent et décorés de la même manière.

Les coffres continuent d'exister avec une variété de formes de décoration de façades faciales. En règle générale, ces façades ont des abonnements architecturaux stricts, des gouttes et des consoles. La surface avant est façonnée de pilastres dans des panneaux séparés, décorés d'un ornement sculpté géométrique. De plus, des pilastres sont en outre décorés avec des inserts de bois colorés. Les tables de salle à manger ont une forme assez simple et sont souvent faites glisser. Les jambes précisables massives ont une forme de lapin prononcée et en bas sont serrées avec des barres. Une telle forme de lapin des jambes avait une forte influence sur les meubles russes.

À la fin du XVIIe siècle. Sur les formes et la décoration des meubles néerlandais, la Chine a une forte influence.

La garde-robe sur les jambes sphériques habitées debout sur des supports rectangulaires, des fournitures, des commodes et des armoires avec une masse de boîtes rétractables et fraisées fermées par les portes sont clairement réalisées sous cette influence. Les jambes de ces armoires ont été fabriquées avec tranchant, sphérique et parfois courbée sous la forme d'une lettre latine S avec une forme en expansion. Ces jambes sont oreillères au bas de la patte d'oiseau accrochée. Un tel type de jambes a commencé à être appliqué dans des meubles créés dans d'autres pays. Par exemple, en Angleterre, ce type de jambes se ressemble bien dans les styles de la reine Anna et de Georgov, et même plus tard - dans le style de Chippendale.

Au début du XVIIe siècle. En raison d'une lutte à long terme des Pays-Bas pour l'indépendance du Dominion de l'Espagne, le pays est divisé en deux parties: les provinces du nord, appelées Holland et ses provinces du sud, qui restaient sous la couronne espagnole, est devenu connu comme la Flandre. L'art pliant de Flandre, principalement à Anvers, qui est devenu le centre de la vie russe du pays, l'une des premières, après l'Italie, connaît un style baroque, qui toucha surtout, la peinture, l'art décoratif et l'art appliqué et la décoration ornementale. Des caractéristiques telles que la praticité, le matérialisme, le levage émotionnel, les formes de pompe, la décoration et, en même temps, la commodité et le confort sont caractérisés par l'intérieur du bâtiment résidentiel flamand et ses éléments, en particulier des meubles. L'exemple caractéristique de la maison baroque flamande antérale d'un peintre exceptionnel et d'un homme d'État à P. Rubens, construite en 1613 à Anvers. La stylistique baroque sur la Lada flamande donne une idée de l'architecture et de la décoration des intérieurs de cette maison, mais également des œuvres pittoresques de P. Rubens lui-même, Wang Dequelle, Jordanie, Sneiders, Tenier et de nombreux autres artistes merveilleux de cette époque. Les meubles fabriqués par des maîtres flamands, dans leur design et la décoration correspondent aux meubles de la fin de la Renaissance italienne. Jusqu'au milieu du XVIIe siècle. De tels meubles ont suffisamment de formes rectangulaires rigides avec des membres marchands.

Cependant, depuis la seconde moitié du siècle, des formes plus dynamiques de pièces justificatives, de la faculté de travail de menuiserie, des décorations sculptées des frises d'armoires, etc. en Flandre, les types ravivés de placards lourds de chêne, ayant deux ou quatre portes, tiroirs , noyaux en saillie, pilastres, consoles et jambes sous forme de pattes d'oiseau tenant des balles. Apparaissent plus tard des armoires superposées, dont les panneaux ont déjà une décoration plus complexe. De telles armoires ont également des avant-coureurs fortement saillants, qui sont soutenus par des consoles sous forme de têtes d'enfants et bien décorées de fils ornementaux d'une frise à faible relief. Les articulations de la verticale (sous la forme d'un pilastre) et des saillies profilées très actives horizontales sur les faces faciales et latérales de l'étui d'armoire sont décorées (déguisées) avec des liones avec des anneaux métalliques dans la bouche.

Ils continuent d'être appliqués en Flandre et au bureau, mais contrairement aux échantillons italiens, ils n'ont maintenant pas de formes et de décorations complexes, et les proportions deviennent simples et plus définies.

Le fil complexe est maintenant remplacé par le décor, fabriqué principalement dans une menuiserie. L'armoire est installée sur une podémie élevée, à base des jambes debout sur les balles avec de grandes interceptions. Les jambes ci-dessous sont tirées sous forme de simple rectangulaire dans la section transversale des barres. Les boîtes d'armoires sont fermées avec deux portes enflées avec des filets de travail de menuiserie en forme. L'armoire dans sa partie inférieure sous les portes a une boîte rétractable extérieure et dans la partie supérieure - frise et d'avant-coureurs prises en charge par des consoles. Cerens flamands (fournitures) du XVIIe siècle. Ils sont comme une armoire en deux parties avec une auvent et une niche comme un buffet. Une auvent qui effectue le rôle de la frise et de la corniche de l'armoire entière, dépend de la console avant à deux colonnes précises et sculptées bien profilées. Les faces faciales et latérales de l'armoire sont abondamment décorées de sculptures de secours et de modèles architecturaux. Le cas d'une armoire ayant plusieurs abonnements horizontaux explicitement prononcés, dont le fond est une sorte de base, surélevé au-dessus du sol et se situe sur six supports sphéroïdes.

Dans les meubles de sièges, la conception de lieux de connexion d'éléments individuels est clairement visible. Les jambes et les ensembles de chaises et de sièges, ainsi que des tables qui étaient préalablement fabriquées, généralement précises ou sculptées, sont remplacées par des interceptions torsadées avec des interceptions à quatre râpes dans des lieux de sécrétion. Les racks de support du dos dans la partie supérieure se termine par des filetages de boucles d'acanta ou de têtes de lion. Les coudes des chaises sont fabriqués très pratique, ont au milieu de la déviation et se terminent par des volitions décorées de feuilles d'acack sculptées. Les sièges et les dossiers de chaises et de sièges sont fabriqués à cheval avec des cheveux de cheval et sont souvent blessés de tissus en cuir ou décoratifs avec une longue frange. À cette époque, il y avait un nouveau dessin de la disposition des ongles de rembourrage avec de grands chapeaux semi-circulaires sur les cadres de siège et les dos. Si plus tôt les clous chapeaux étaient placés de manière juste les uns des autres, à présent, leur pas est rapidement, grâce à laquelle elle s'avère une bordure décorative stricte sous forme de perles autour du périmètre du siège et du dos.

De toute évidence, les tailles de la largeur et des profondeurs des sites pour la place de cette époque étaient dues à la couverture modifiée de vêtements, qui est maintenant plus luxuriante avec un grand nombre de plis.

Les tables sont produites avec une table de différentes formes. Les boîtes de podstole sont basées sur des jambes fabriquées sous la forme d'urgustres précis avec des ampoules sphériques ou de lapin et brevetées. De plus, des jambes précises torsadées et des buts avec des épaississements rectangulaires ou carrés (interceptions) dans des endroits de connexion de parties individuelles de la structure sont également obtenus. Parfois, un élément décoratif est installé dans le centre Prodesk, par exemple un balustre précis dans un vase ou une colonne. Les bords de la boîte à podernes ont des coupes bouclées et avec le plan de travail, en règle générale, décorées de filets plats.

Tous les meubles sont fabriqués exclusivement hors de l'écrou, pas de chêne. Également importé de bois de bois en bois (ébène), Rosewandra, Cèdre de Havane.

Style baroque flamand XVIIe siècle. J'ai eu une grande influence sur la formation des meubles de Hollandais et de Seventogherman.

Meubles allemand baroque (seconde moitié du XVII-Début. XVIIIe siècle)

L'influence des styles du baroque sur la forme du mobilier allemand commence à ne pas être ressentie plus tôt que la seconde moitié du XVIIe siècle. Ceci est particulièrement perceptible après la fin de la guerre de 30 ans. Mais au début, il y a d'abord des formes d'emprunt et des proportions de meubles néerlandais. Cependant, cette influence néerlandaise est maintenue en partie jusqu'au tour des siècles XVII-XVIII. Tout d'abord, cela fait référence au style de tels éléments structurels et décor que des colonnes torsadées sous la forme d'un pilastre, de jambes tordues de chaises, de chaises et de tables, de supports sphériques, de développement de la menuiserie de panneaux, etc. L'abondance de colonnes tordues servant la décoration d'armoires, de buffets et de fournitures, surcharge clairement la forme de meubles allemands. Par exemple, l'abri (fournisseur) du travail allemand du dernier tiers du XVIIe siècle. Il a exceptionnellement sculpté et transformant des décorations sous la forme de figurines de Caryatide sur la partie centrale de l'armoire, des robots. Une telle armoire d'une hauteur de plus de 2,5 m, une profondeur de plus de 1 m et la largeur de près de 3 m reposait sur six supports sphériques.

Au XVIIe siècle Dans la ville d'Augsbourg, des chambres très luxueuses étaient fabriquées, des jambes et dont les prodes étaient une dentelle sculptée solide. La mosaïque florentinienne, la finition avec des coquilles d'argent et de tortues a été largement utilisée dans la décoration du bord du visage des armoires. Ces armoires, installées sur la substance, ressemblaient à toutes les structures architecturales. Au lieu du bois noir (ébène) pour la fabrication d'armoires, les fabricants de meubles allemands ont souvent utilisé une poire moraine. En tant qu'élément décoratif, un motif sculpté a été utilisé sous forme d'ormushl (de celui-ci. Ohrmuschel - évier d'oreille) - l'élément caractéristique de l'ornement baroque flamand sous forme de plis des oreilles. Parfois, la surface avant de l'armoire échantillonnée et interprétée comme une façade d'un bâtiment, avec des fenêtres, suivies de magnifiques paysages.

En Bavière, à Regensburg, plus strict sous la forme d'armoires, debout sur des jambes à six pattes, retirées au bas de la lettre x. Toute la surface lisse du visage d'une telle armoire est décorée de peintures illusoires de perspectives architecturales dans la technique d'intarsia ou de marqueterie d'un bois coloré. Les armoires, dont les panneaux, les visages latéraux et les avions avant de boîtes externes ont été décorés de compositions de bas-relief très complexes représentant des scènes entières de contenu religieux et laïque. Ces compositions ont été faites de bois coloré et sont allés sur un cadre de noir ondulé particulier. Un tel cadre ondulé était très répandu non seulement en Allemagne, mais également en Hollande, en Flandre et en Angleterre. Selon certains chercheurs, ils ont été inventés au début du XVIIe siècle. Magasin de meubles allemand G. Shvanhard. À la fin du XVIIe siècle. Un tel type de cadres ondulés pénétra dans la Russie et a reçu le nom de routes fréquentes.

Les utilisateurs routiers flamands ont utilisé des fabricants de meubles flamands, un membre du plan des meubles de meubles décorés d'un arbre noir dans des histoires d'ornement et des scènes séparées sur des thèmes mythologiques.

Meubles baroques russes (seconde moitié du XVIIe siècle XVIIIe siècle)

Meubles baroques allemands seconde moitié du XVII-XVIIIe siècle. Il caractérise la grande maîtrise de la menuiserie des maîtres allemands et de l'art de la décoration décorative des objets de meubles créés par eux et, en même temps, de la surpoids, de la teneur en décorations sculptées et précises.

Les premiers signes du style baroque en Russie doivent être recherchés lors du règne de Tsar Alexei Mikhailovich (1645-1676). À l'heure actuelle, la Russie a déjà assez de relations de négociation durables avec l'Angleterre, la Hollande et d'autres pays. Dans le reste des palais tsaristes et la maison de Boyar commencent à pénétrer les objets de meubles brillants du style baroque: coffres, lits, armoires massives, chaises, tables, etc. Les maîtres étrangers sont invités, qui effectuent des commandes pour la fabrication de meubles et enseigner des maîtres russes. Les objets typiques de l'ameublement étaient des chaises et des chaises dont le dos droit, décoré de fils sous forme de boucles, de couronnes, d'armoiries, d'aigles et de lions, de chaises basses, précis avec des interceptions ou des jambes tordues, des propriétés et des jambes tordues racks de la terre. Des chaises et des dos ont été estimés par tissu, velours ou peau en relief. Des tables massives apportées d'Allemagne debout sur des jambes aux yeux épaisses ou torsadées, des armoires massives dont les bâtiments ont retenti des supports sphériques et des lits avec une auvent. Vrai, les lits avec une auvent étaient un objet de meubles plutôt rare et ne se sont rencontrés que dans les chambres royales. Tous les meubles étaient en bois et sa surface était généralement recouverte de mastic cire, polie ou peinte. Cependant, de nombreux échantillons de meubles non seulement importés, mais également fabriqués, par exemple dans l'armure du Kremlin de Moscou. Il a travaillé avec des menuisiers, des coupes et des portes bien connus: S. Darev-Sky, K. Mikhailov, Okulov, P. Kuzovlev, etc., qui a effectué des commandes de la noblesse royale et de la noblesse de Moscou. De nombreux échantillons de meubles d'Europe occidentale de cette époque ont été copiés par des maîtres locaux (principalement des forteresss) - ces copies étaient très basses et en termes de construction, et en termes de traitement décoratif, car Les menuisiers et les couteaux russes ne connaissaient pas encore tous les secrets d'art de meubles accumulés à l'ouest. On peut s'expliquer par le fait pourquoi si peu d'objets de la situation des logements russes de cette époque ont atteint notre temps.

Au début du règne de Peter I (1672-1725), baroque en Europe atteint sa plus grande floraison. Hambourg (pour d'autres informations, Augsburg ou Nuremberg) Les maîtres sont créés (en 1682-1684) Silver Double trône pour les jeunes rois d'Ivan Alekeeevich et Peter Alekseevich. Au-dessus du siège double, velours rouge rembourré, sur des colonnes torsadées, une sorte de canopée avec des images dorées enchaînées d'animaux et d'oiseaux fantastiques, des coureurs et un décor baroque végétal différent ont été renforcés. Trois marches ouvertes sont renforcées avant le siège et à une certaine distance du trône, il y a des colonnes massives de forme et de décoration, dont l'une est installée exactement au centre du trône, décorée avec des aigles à tête supérieure, des ornements gravés et des fentes, ainsi que deux points bas colonnes. Ces colonnes sont destinées à deux spermatozoïdes tsaristy et à une puissance commune. L'arrière du siège droit destiné au jeune Peter avait une fenêtre fendue fermée par le rideau. On suppose que dans les jours des techniques solennelles debout derrière le trône, l'homme a donné des conseils et a suggéré le roi les réponses nécessaires. En Russie, à l'ère de Peter, les meilleurs échantillons sont les meubles de l'Angleterre et de la Hollande - les puissances marines les plus puissantes de cette époque.

Au début du XVIIIe siècle. Il y a une forte vague de meubles étrangers et de maîtres étrangers en Russie. Les maîtres étrangers ont été accusés de devoir de former des étudiants qui leur sont attachés. Les meubles étrangers existaient dans des palais à côté des produits fabriqués à Saint-Pétersbourg. En collaboration avec l'invitation des maîtres de l'Ouest et l'achat d'échantillons de meubles à l'étranger, la production nationale s'est développée à l'étranger. L'art russe des meubles, distinguée par son identité, a néanmoins commencé à se développer conformément à la culture paneuropéenne. À partir de ce moment-là, le mobilier des proportions légères, plus élégant, vient remplacer le meuble encombrant. La surface des objets de meubles est maintenant plus complexe au détriment des éléments convexes et concaves. Il est utilisé par le bois d'écrou en plumy, ainsi que par des rochers de mariée rares, une mosaïque de pierre et une marqueterie, incrusté par divers matériaux, en bronze doré sous la forme d'éléments de décoration, de coloration, etc.

Au début du XVIIIe siècle. Des maisons urbaines, tout d'abord dans les capitales, les coffres sont nettoyés et leur place, comme l'habitude d'habitude en Europe, occuper des armoires et des commodes. À ce moment-là, en déplacement, les types simples de chaises et de chaises hollandaises et anglaises avec des jambes et des arrière-arrière droites ayant trois racks, dont la moyenne est faite de sculpté.

Avec eux, les types de chaises sont largement distribués, des formes ressemblant à des échantillons de Severogberman. Les chaises ont des jambes précises directes et une partie de Prideos, des racks latéraux précis de dos direct, dont la partie centrale est décorée de fils d'ouverture sous forme de boucles de grandes boucles. Le dos a une achèvement semi-circulaire, également décoré de sculptures. Une telle décoration sculptée a une fierté antérieure, située assez haut au-dessus du sol - environ au centre des jambes. Les chaises sont effectuées douces ou semi-dimensionnelles et se précipitant avec un chiffon ou une peau avec des ongles avec de grandes casquettes. L'ameublement souple a un plan de dossier central. De même, les chaises sont résolues avec des jambes et des propriétés précises, une extrémité sculptée du dos et déployées sur les territoires. La chaise a un rembourrage souple du siège et de la partie centrale du dos et est décorée en outre une frange au fond du siège.

D'autres types de meubles souples pour sièges, bouleversements de peau, tissu avec broderie ou tissu de soie sont utilisés. Ces chaises et canapés ont des jambes sculptées incurvées qui mettent fin à la patte d'oiseau tenant une balle. L'échantillon des meubles du baroque Petrovsky peut servir le trône de Peter I, décoré d'argent. Ce trône a été effectué par une clause de travailleurs de meubles en 1713. Un autre échantillon peut servir de fauteuil, un velours de framboise, placé par la figure de cire I, fabriqué en 1725 P. Fedorov, une cour nette. Caractéristiques de cette ère sont des tables de chêne lourdes, qui ont fait dans le type de tables néerlandaises du XVIe siècle, qui se tenaient sur des pieds aux yeux épais sous la forme d'un Bunny Balaas, tiré d'un cadre plat de forme rectangulaire avec des bords profilés. La subsolete a été très massive et avait, en règle générale des tiroirs. La surface avant de la podstolye a été décorée de profilés, de demi-colonels et d'un motif décoratif complexe, rappelant des portails ou des plombs de fenêtres de palais de Moscou ou d'églises. Le plateau avec un bord profilé pourrait avoir des planches latérales s'étendant de dessous, ce qui ressemblait à des échantillons néerlandais. Si une telle table a été effectuée à partir d'un arbre simple, il s'agissait souvent de peinture verte colorée. Pour l'aménagement des lieux, divers armoires ont été utilisées, la décoration des façades faciales dont a été réalisée, à la suite des principes des bijoux architecturaux utilisant des modèles architecturaux. L'influence des armoires néerlandaises se fait sentir dans des proportions et la résolution de la forme de repas à motifs de portes, d'avant-coureurs, de semi-colonel précis et de modèles architecturaux dans un buffet bunk-buffet, fait au début du XVIIIe siècle. La surface de ces objets de meubles s'est battu et avait une texture mate. Il convient de noter que les meubles de meubles de la technique de marqueterie en Russie au début du XVIIIe siècle. Non introduit, par conséquent, au lieu d'une mosaïque en bois, la peinture de toute la surface du sujet en bois, pré-recouverte de levkas, des motifs ornementaux lumineux, des images thématiques, des couleurs étaient souvent utilisées. Ensuite, la peinture était recouverte de vernis. Pour l'aménagement des locaux des palais utilisés, en plus des armoires, des tables et des meubles pour des sièges, des horloges de plancher, des miroirs dans les cadres de la mer de la mer, de Shairma, de la laque de Travail Larz, etc.

Sokolova T.M. Dans son travail, il mentionne l'inventaire préservé de la finition et des meubles des palais de Peterhof de 1728, selon lesquels les murs des locaux des palais étaient resserrés avec des tissus, la plus souvent soie, moins souvent laine et matelassée. Les meubles étaient habités le même chiffon que les murs, ainsi que le Safyan rouge. Les oreillers en soie étaient empilés sur des chaises en osier. En stock, par exemple, ont été marqués: papier peint Muarovy hollandais en soie, large anglais et chinois armoire en noyer français, table noire allemande simple sur trois pattes, table manquante peinte sur une jambe, table ronde en chêne avec sols, armoire rouge et t .p.

Furniture Français baroque (mi-XVII-XVIIIe siècle). Style de style Louis XIV

France XVIIe siècle. - L'état de l'Europe le plus puissant avec le pouvoir royal absolu. À ce moment-là, il y a la construction de grands ensembles architecturaux, la création d'œuvres luxueuses d'arts décoratifs et appliqués, de meubles et de sculptures, de magnifiques travaux pittoresques.

Établi par le milieu du XVIIe siècle. En France, le style peut être décrit comme un baroque dans une synthèse avec des motifs de rebond. C'était un baroque à la manière française - très magnifique, brillant, laïc, dans sa majorité de l'art représentatif, plus ordonné et universitaire que l'italien. Ce style est habituel d'appeler un grand style, ou le style de Louis XIV. Toute la période de la baroque française est très conventionnellement divisée en plusieurs étapes: la renaissance tardive avec des éléments de maniérisme du style transitoire précoce (Louis XIII, 1610-1643); Baroque mature (Louis XIV, 1643-1715); Référez-vous (style de transition entre les règnes de Louis XIV et Louis XV) et Rococo (Louis XV, 1720-1765). La dernière étape, le style rococo, actuellement, les chercheurs ne font pas référence au stade final, au baroque tardif et à un style artistique indépendant, la vérité qui a grandi du sous-sol baroque.

Les meubles d'époque baroque français ne peuvent être évalués sans tenir compte du développement de l'architecture de l'époque, de la décoration d'intérieurs et de tous les arts décoratifs et appliqués en général.

Avec Louis XIII, l'aristocratie et la riche bourgeoisie de France commandent activement pour eux-mêmes la construction de palais luxueux, qui conçoivent pour eux S. de-Zub, F. Mansar, L. Levo et d'autres architectes célèbres de l'époque.

Tout le monde à l'intérieur sert de représentant, les souhaits frapperont instantanément au spectateur avec le luxe de la décoration des locaux.

Maintenant, les locaux de défilés deviennent le lobby avec les escaliers frontaux et décorés et la galerie qui leur sont liées. L'impression de solennité découle du visiteur chaque fois qu'il tombe dans le hall de l'escalier avant, sur lequel le plafond peint au plafond peint.

Les exigences du nouveau style émergent conduisent au développement d'arts décoratifs et appliqués, en particulier la fabrication de tissus, de tapis, de plats, de bijoux et, bien sûr, des meubles. Les chaises et les présidents de cette époque ont encore des formes simples, leurs principaux éléments structurels sont effectués en tournant, le dossier et les sièges sont testés avec un chiffon. Peu à peu, en raison des exigences de commodité, les chaises sont plus larges, les dos sont fabriqués ci-dessus, toutes les pièces en bois sont recouvertes de sculptures et d'or abondantes. Cependant, l'art décoratif français et la production de meubles de ce style ont obtenu leur développement supérieur Seulement dans la seconde moitié du XVIIe siècle. Avec Louis XIV, qui construit un magnifique ensemble Versaille - avec ses palais, ses jardins, ses parcs, ses piscines et ses fontaines décorées de sculptures. Tout cela a été conçu et effectué pour les cérémonies de palais de justice, subordonnée à la stricte étiquette solennelle. Versailles, qui a été créé par Architectes L. Levo, J.A. Mansa-rhum et A. Lenotrom sous la direction du premier peintre King Sh. Leedna et décoré de sculptures de F. Giradon et A. Kuazewox, a exprimé la plus organiquement l'idée du pouvoir absolu. Commencé en 1661, la construction et la finition de Versailles se sont poursuivies au cours des trente prochaines années. Ensemble versal est le symbole le plus élevé et l'échantillon du style du baroque français et la plus grande réalisation de l'art de cette époque. La monarchie française devient un exemple classique et un modèle d'imitation de la majorité de la cour royale européenne. Le style baroque français devient longuement le critère de beauté et de luxe le plus élevé.

Vue générale du palais Versailles. 1668 Paris, France

Galerie de miroir. Versailles. F. MANSAR ET SH. LEBREEN. 1679-1686 France

Des résultats similaires sont possibles non seulement par les efforts des architectes, des peintres, des sculpteurs, des fabricants de meubles, etc., mais également grâce à Kohlbera, le premier ministre de Louis, responsable de l'organisation de toute la vie artistique du pays, organisant diverses institutions Conçu pour développer des œuvres d'art et de la culture, ou de fournir des aides d'État.

En 1661, l'Académie de peinture et de sculptures, officiellement établies en 1648, a officiellement établi l'autre académie, l'Académie de l'architecture, qui a reçu le statut officiel en 1671, est devenue un nouveau rôle en 1648, devenant une véritable école pour les architectes et les constructeurs. L'Académie française spécialement créée en 1666 à Rome commence à enseigner aux élèves la peinture, la sculpture et l'architecture des étudiants sur les meilleurs exemples d'art ancien italien.

L'activité de Kolbera visait à la montée de l'industrie de l'art et de l'art de la France de fournir un pays d'indépendance des autres États et dans ce domaine. En conséquence, l'industrie de l'art et de l'art de la France a reçu un impulsion puissant et le pays a commencé à produire tout ce qu'elle avait déjà importé. Colbert a soutenu les deux manufacres textiles qui ont commencé à travailler dans diverses villes de France.

Lyodafature de Lyon commence à produire des tissus luxueux des paquets, de Silka, rempli de motifs baroques dans le style italien, qui a trouvé leur digne d'utilisation lors de la conception des intérieurs de Versailles - la résidence permanente de Louis XIV depuis 1682. En outre, Kolber Invite Les maîtres de Venise aux artisans français peuvent apprendre qu'ils ont la technique de production de miroirs. En 1662, sur la base de l'atelier de la tapisserie, Kolber unit les ateliers de tapis dispersés de Paris et leur donne le statut de Royal Manuff, à la tête de laquelle son directeur artistique est devenu S. lebrène. Les tâches de cette manufacture ont été identifiées très étendues. En plus du tapis, il devait contribuer au développement de divers artisans artistiques et servir d'école à apprendre des maîtres de travail en or et d'argent, des fondateurs, des graveurs, des tisserands, des chaînes de pierre, des fabricants de meubles et des teintres. Le thème des décorations d'une partie importante des tapis-tapisseries a été choisie afin de résonner l'image du roi. Par exemple, une série de tapisseries sur les thèmes de la vie et de grands actes de Louis XIV ou d'Alexander Macedonsky ont été réalisées, où le grand commandant a été identifié avec le roi de France (une série de tapisseries: Louis Louis Life, l'histoire de Alexander, Royal Residences ). En 1664, par ordre de Louis XIV, une autre manufacture de tissage à Bove a été ouverte, qui, ainsi que des fabricants d'Obusson et de Pellelet, acquis au XVIIe siècle. grande importance. Les tapisseries françaises ont apprécié une popularité extraordinaire. Les commandes provenaient de tous les pays européens. La plupart des produits ont été effectués dans les dessins de Lebed.

Au XVIIe siècle Les produits de la porcelaine et de la faience ont été largement distribués. Les centres de leur production deviennent Nevers, Rouen et Misti. Dans ces produits, les motifs chinois et les ornements de la Renaissance italienne, qui ne sont restés que dans les fabricants de Novates, sont progressivement disparus. Les produits de la céramique de Rouran sont recouverts de motifs élégants avec une lambrequin d'ornement baroque et racontant. Les produits en porcelaine fabriqués de Mandy sont décorés d'ornements avec des motifs grotesk. Dans les intérieurs du palais Versailles, des miroirs de grande taille étaient largement utilisés, ce qui indique le niveau de technologie et de l'art de la France de cette époque, qui était digne de concurrence avec du verre et des miroirs aux maîtres de Venise. On sait qu'au début, les miroirs de la grande taille de la France acheté à Venise.

La galerie de miroir du palais Versailles, créée par le Manzar, est un véritable chef-d'œuvre de l'intérieur baroque. Il a été utilisé ici nouvelle réception La décoration des murs avec des miroirs, qui étaient en face des fenêtres et coïncidaient avec eux de taille et de forme. En conséquence, il s'est avéré que la galerie avait deux murs avec des fenêtres donnant sur le jardin, seulement seuls étaient réels et d'autres - imaginaires. La galerie Lebrene Arch était décorée de médaillons avec l'image des victoires du Sun King, alors que Louis XIV s'appelait alors.

La galerie de miroir était située sur la terrasse reliant le roi et la reine appartements. Entre les fenêtres et les arcades, des pilastres de marbre ont été installés, avec les capitales de l'ordre français, en bronze doré, l'annulation était décorée de couronnes royales. Les réservoirs ont également utilisé les motivations de l'armure militaire, divers emblèmes et armes de marbre artificiel.

Jusqu'au 1689-1690. La galerie de miroir a été meublée avec des meubles en argent conçus par les croquis de Lebedin. Cependant, toutes ces tables d'argent, tabourets, lustres, lampes, plantes, après l'édit royal contre le luxe, 1689 étaient des pièces d'interprétation des pièces d'interprétation afin de couvrir les coûts de la guerre. La grandeur du palais de Versailles a exigé de nouvelles techniques pour des solutions déco-rivière et de nouvelles solutions dans l'art des meubles.

Dans certaines chambres, les murs, cassés en panneaux séparés, étaient bordés d'un marbre multicolore et décorés de colonnes et de pilastres, entre lesquelles des compositions dorées en stuc ont été placées. Magnifiques étaient des frises, des gouttes et des plafones peintes par les meilleurs artistes du pays.

Dans d'autres salles, les murs étaient resserrés par des tissus coûteux, ce qui a changé en fonction de la période de l'année. En hiver, un velours vert ou rouge foncé a été utilisé avec Golden Galoon; En été - un brocart avec un motif d'or ou d'argent et d'un argent multicolore. Dans le contexte de ces tissus, les peintures de Titian, Rubens, Karachchi, Veronese et d'autres grands artistes ont été agitées dans des cadres dorés.

À ce moment-là, il y a un sommet de la popularité de la garniture des murs des riches palais de cuir de mollet en relief, décoré d'une feuille d'argent et d'or ou peint avec des couleurs vives sur divers thèmes. Le décor de ce type de rembourrage en cuir a souvent imité le dessin de tissus coûteux. Préservé sa popularité. Simple levage de murs avec panneaux en bois en chêne, pin ou sapin, souvent teinté sous des races plus chères.

À la fin du XVIIe siècle. De tels panneaux de mur en bois sont devenus même peints dans des tons blancs, bleus ou verts pâles. Parfois, un tel boîtier en bois a eu lieu au bas de la ceinture centrale, en marbre multicolore. Il convient de noter que la finition en marbre n'est pas seulement des sols, mais également des murs de la Versaille sous une influence italienne explicite, alors que dans de nombreux autres intérieurs français baroques, un arbre a été largement utilisé.

La plupart des locaux du premier étage de Versailles ont des sols en marbre et les étages supérieurs, les planchers étaient principalement en bois. Dès 1620, Maria Medici a ordonné au parquet d'un parquet, incrusté par l'argent dans son bureau. Dans l'une des chambres de l'héritier au trône A..S. Boule, un mobilier de la Cour du roi, le sol a été utilisé, décoré de motifs de la coquille tortue et de l'argent, qui correspond à sa stylistique de meubles de décoration.

En France, le parquet a été fabriqué principalement de chêne et avait une forme de diamant de ses éléments. Cependant, la technique d'un tapis donné, abondamment incrustée, n'a pas reçu une grande reconnaissance en France, mais en Allemagne, la Russie et d'autres pays plus nordiques ont été apportées à la perfection. Au sommet du parquet et d'autres étages pourraient poser des tapis de paille (même dans le repos royal) ou des tapis persans, ce qui était une grande rareté. Le tapis solide n'a été distribué pas plus tôt que le XVIIIe siècle, lorsque des tapis séparés ont commencé à coudre en un seul entier. Les tapis persans ont été abandonnés par les sols uniquement dans des cas particulièrement solennels. Parfois, ils ont même couvert les tables.

Au XVIIe siècle En France, la tradition des cheminées décoratives a changé. Les cheminées avec une auvent de la tente tout au long du siècle ont presque disparu et le type principal était la cheminée avec une saillie plate, qui a été fabriquée à partir du sol au plafond. Au fond, la cheminée a été décorée avec un sous-sol et au sommet - les avant-toit, dont la stylistique devait correspondre aux profilés du décor de la pièce entière. Un miroir a été installé sur la tablette de la cheminée. Bien que de telles cheminées avec des miroirs étaient déjà connues au début du siècle, par exemple, dans la Fontainebell en 1601, jusqu'à la fin du XVIIe siècle, ils n'étaient pas généralisés.

Les meubles paradinaires dans le style du baroque français pour les palais de Louis XIV et la noblesse parisienne sont principalement fabriqués sur la base des échantillons italiens. Lebrene vous invite d'Italie pour la manufacture de meubles royaux de Mesmer D. Kuchchi, Mosaïciste D. Branca et Cutter F. Kafartier, qui a formé un grand nombre de maîtres français célèbres. Les artistes de ce style étaient une influence importante sur le développement de ce style. Lebrene et J. Leprotr. Les dessins des échantillons de meubles publiés par eux avaient une décoration par le type d'ornamenta romain baroque du milieu du XVIIe siècle. Dans le styliste des meubles du baroque français, deux directions peuvent être distinguées, dont on se caractérise par l'influence de la créativité de LEPOTRA, et la seconde est l'influence de l'artiste J. Beren, grâce auquel les meubles surchargés de décoration deviennent plus élégant.

Tout le XVIIe siècle. Et jusqu'à la seconde moitié du XVIIIe siècle. Les meubles sont fabriqués à partir de l'arbre des rochers locaux, décorés de sculptures et d'or ou d'arbre de ponte, principalement ébène (noir), recouverts d'incrusté d'argent, de cuivre, de perles, de coquille de tortue, de bois d'autres races et de bronze doré. Les objets de meubles sont également décorés avec des bas-reliefs, des médaillons, une ceinture profilée, des ornements en bronze en or coulé.

L'ornement du style Louis XIV est strictement symétrique et repose sur des lignes directes et arrondies opposées, ce qui donne une certaine mobilité de la composition décorative. L'ornement est développé à l'aide des motifs d'une feuille d'acack, de guirlandes, de trophées anciennes, de palmiers, de loups, de balustrades, de fringes déchirées, de têtes litigieuses et de têtes féminines, un carton avec une partie centrale convexe, souvent décorée avec l'image du soleil , le visage d'Apollo, deux lettres croisées L ou trois lis français, etc. À la fin du siècle, les ornements décoratifs sont distribués: un troll, qui est un maillage solide avec des cellules diamantés, dans chacun d'eux, dans chacun d'une douille, et un mimérat à la lambrène, coupé avec des dents ou tourné vers le rideau, souvent avec des pinceaux.

À ce stade, les technologies les plus complexes de l'accouplement des arbres, de ses casseroles, d'un ensemble incrusté et de mosaïque sont connues des fabricants de meubles. La conception des meubles est adjacente à la perfection. Néanmoins, tout le XVIIe siècle. Il n'y avait pas de têtes de meubles dans la compréhension moderne de ce terme. Seules des séries ou des groupes distincts sont créés des chaises, des tabourets et des chaises stylistiques interconnectés. Armoires, armoires, commodes ont été créées, en règle générale, sous la forme d'objets indépendants, bien que parfois par paires ou de petits groupes. L'innovation principale, qui est apparue dans le mobilier de cette époque, est la comptabilisation de sa conception et la forme d'exigences de commodité, de confort. Une grande variété de types d'objets de meubles apparaissent en fonction de certains besoins fonctionnels vitaux d'une personne. À ce stade, les horloges de plancher de haut niveau commencent à être largement utilisées, les premiers bureaux écrits et les tables du bureau, les tables de console, les commodes et formes précoces Salon Canape et Chaise.

La décoration des locaux du palais baroque est impensable sans armoires luxueusement décorées, ce qui avait souvent des tailles très impressionnantes. La plupart du temps, il fut fondé par des produits en bois noir décorés de mosaïque, d'incrustation, de peinture. Le bureau était généralement résolu par le type de bâtiment baroque, dont la façade était décorée de colonnes sculptées, de corniches, de frontales, de prises, de médaillons, de volitions, de profils architecturaux. Souvent, le Cabinet lui-même a été installé sur les supports fabriqués sous forme de colonnes ou de carysatides, à son tour, sur un sous-sol bien profilé. L'armoire avait généralement deux portes battantes, suivies de boîtes escamotables et bien décorées. À la fin du style de Louis XIV, il y a une apparition d'un nouvel objet de meubles - un coffre meublé pour les jambes et pour la commodité des tiroirs équipés de tiroirs, qui s'appelait la poitrine. À l'époque de Louis XIV, une table écrite apparaît avec des tiroirs, qui a été appelé à l'origine le Bureau, car Son comptoir a été bloqué par un chiffon épais (de fr. Bêté - tissu épais). Une telle table a été réalisée à partir d'un arbre noir, ses jambes et ses gousses étaient recouvertes de sculptures et de ses côtes, des poignées et des piles de boîtes ont été décorées avec un bronze doré à poutres chevauchements. Peu à peu, la surface de travail des tables d'écriture a commencé à disposer d'un complément avec des boîtes et des étagères et fermé avec un couvercle pliable. De telles tables avaient une finition luxueuse et s'appelaient les tables du Bureau.

D'autres types de tables ont un comptoir rond ou rectangulaire. Aux tables rectangulaires, des pieds à facettes en forme de pyramido sont fabriqués avec un axe vertical. Ils ont un filetage ou une incrustation magnifique. Ils sont souvent décorés avec des têtes d'agneau ou des têtes féminines en bronze doré.

Plus tard, les tables commencent à ne pas rester sur quatre, mais sur huit pattes, tirées à la présente des propriétés incurvées cruciformes. Les tables ont deux ou trois tiroirs, décorés d'une doublure incrustée et de bronze. Les plateaux de table des tables sont fabriqués à partir d'une plaque massive de marbre coloré et décorées avec une mosaïque. En bois, décoré le long du bord du fil et de l'incrustation, des comptoirs. En plus des bureaux avant, des tables de console rectangulaire étroites sont apparues, qui ont été soulevées par la paroi. Leur largeur est généralement déterminée par la largeur du miroir-trémo, qui a hovel sur le mur sur la console. La décoration principale des tableaux de console est généralement concentrée dans le remplacement, qui avait un fil luxuriant et une dorure solide. Les jambes de la console ci-dessous ont été serrées avec une forme très complexe et son milieu généralement décoré d'un cardush sculpté, décoré d'un chiffrement royal et d'une couche de bras, ou d'un vase. Ces tables ont effectué un rôle décoratif, ils étaient généralement installés de beaux objets - vases, horloges, petit plastique, etc.

Dans le style de Louis XIV à la frontière des XVIIe - XVIIIIe siècles. Et surtout dans le style de régence ultérieure, il est à noter de modifier la forme directe des lignes en courbe. Par exemple, des tableaux écrits sont exemptés de progrès et ont une jambe légèrement incurvée réduite par le livre et se terminent par des pattes de bronze.

Dans la partie centrale de la table en bois, un autocollant en Safyan rouge ou vert, décoré d'or en relief. Sous le tableau de la table, il y a généralement trois tiroirs, où la moyenne a la plus petite profondeur par rapport à deux côtés.

Un endroit spécial dans le mobilier baroque français est le mobilier de sièges. Des chaises, des chaises, des canapés sont fabriqués avec un dos élevé et légèrement replié au-dessus de la tête d'une personne assise. Les coudes ont une belle flexion et fin avec des volitions. Les jambes et les produits sont effectués avec un procédé de rotation avec de grandes interceptions et sont reliés l'un à l'autre à travers l'épaississement caractéristique de la forme rectangulaire. Il existe d'autres types de jambes: une forme pyramidale, décorée d'ornements et de profilés sculptés et incurvés sous la forme des lettres S, dont les extrémités sont généralement décorées de feuilles d'acacane. Ce dernier type de jambes fait référence à la seconde moitié du règne de Louis XIV. Les sièges, les dos et les coudes sont fabriqués doux et fouillis avec une broderie de fourrure fabriquée à la main avec une petite croix ou une semi-croûte, une tapisserie, une pièce de tapisserie, une peau de cordon piégée espagnole, des yeux, une sertissage, un velours à motifs. Des chaises et des chaises sont également décorées avec une frange le long du bord inférieur du siège et des morts de Themost. Le tissu d'ameublement est généralement attaché aux ongles avec de grands chapeaux dorés. Mettre - cheveux de cheval. À ce stade, les premiers canapés apparaissent, rappelant les trois chaises interconnectées avec un seul dos et un siège général. La partie supérieure de l'arrière de ces canapés a une ligne baroque ondulée, comme si une ligne répétée des chaises connectées. Les canapés sont basés, en règle générale, six ou huit jambes. Des morceaux de type tapisserie (séparément pour le dossier et pour le siège) sont fabriqués sur des fabricants de tapisserie, BOVE ou OURUSSON. De tels tons lumineux et saturés du tissu sont fabriqués avec des divorces d'ornement, des couleurs de grandes tailles ou décorées d'images d'oiseaux, de petits animaux, etc. Les meubles doux de meubles commencent à couvrir avec des couvercles amovibles.

Dans la seconde moitié du tableau de Louis XIV, il y a des chaises confortables avec des dos caractéristiques, sur lesquelles deux saillies sont faites pour fixer la tête de la personne assise et les premières chaises longues (du fr. Chaise longue est une longue chaise ) sous la forme d'une forme allongée ou de chaises avec un fauteuil attaché à eux.

Pour le baroque français, un décor de lits de palais très magnifique est également caractéristique. Les lits ont des cavités, des rideaux luxueux et des drapettes avec des lambrequins, ainsi que des couvre-lits de soie et des capes, qui cachent presque complètement des éléments en bois de boîtiers de lit. Tissus très populaires avec motif oriental sur des sujets japonais et chinois (branches de la floraison Sakura, des oiseaux, des fleurs, etc.), appelé. Japonais. De tels tissus ont été utilisés non seulement pour la décoration des chambres, mais également sous forme de nappes, de rideaux, de rideaux et de rideaux sur les fenêtres et les portes. Dans les chambres royales, Alcove a frappé le reste de la pièce avec une balustrade décorative. Dans les chambres devant les chambres, dites. Belleva, les commodes ont été installées. Il convient de noter ici que les chambres du XVIIe siècle. Il a été considéré comme des locaux paradiciens dans lesquels les invités ont souvent eu lieu. À partir de la seconde moitié du siècle se propage un tel type de meuble de loisirs couché sous forme de canapé (du fr. coucher - dormir), semblable au type précoce de chaises longues - sur six ou huit pattes, tirée, sous la forme de Un banc molle étendu ou une banquette avec une tête de retour sur le dos suivant ou trois (longitudinal et deux sur les extrémités). Ce type de meuble a commencé à appeler le canape. L'écran comprend les écrans qui bloquent la cheminée Zev. Les écrans sont serrés avec des tissus de tapisserie.

En parlant de meubles en français baroques, il devrait être spécialement mis en évidence sur le meuble du palais réalisé dans le style de bulle. Un tel style est le nom du célèbre fabricant de meubles de l'ère de Louis XIV Andre-Charles Bul, flamand par Origin, qui a travaillé avec ses quatre fils. Les meubles de ce styliste ont réussi et étaient généralisés au XVIIe siècle et presque seulement du XVIIIe siècle. Non seulement en France, mais aussi dans d'autres pays. Les meubles dans le style de bulle, causant de nombreuses œuvres imitatives d'art de meubles, y compris en France, étaient très populaires et en Russie, cependant, à l'auto-aqueuse. Bulo n'a pas eu de relation.

Les meubles BOULEV sont monumentaux, ont des formes simples et sont extrêmement richement décorées - on peut dire, bivended avec ornementation. Ce sont des armoires, des armoires et des armoires de pièces de monnaie, d'heures de quartier, des commodes, des tables, etc. habituellement de tels meubles A.S. Contreplaqué de boule dans l'arbre noir et orné d'incrusté et d'insertions de bronze doré. Les plans nets des objets de meubles ont été interprétés par les deux panneaux, qui montraient des images particulières avec une composition fermée, entièrement recouverte de motifs baroques sous la forme de boucles, de loups, de guirlandes, de grotescas, de mascurages, de feuilles, de couleurs, de prises, de couleurs, de prises, etc. Parfois, au centre de cet "L'ornement a été placé des vases avec des fleurs et des fluts autour des papillons marqués d'un arbre de couleur, ou une composition indépendante avec une figure humaine faite par un terrain faible de bronze doré, debout sur un piédestal spécial, entouré de bizarre Les boucles. L'ornementation bulle est strictement symétrique et a une connexion directe avec les motifs de la Renaissance et avec la décoration de la Rome antique, il existe donc de nombreuses compositions figuratives sur le thème de l'Antiquité, des trophées, des compositions d'épées, des ligaments dicteurs, des boucliers, des casques, des casques Les lauriers et les feuilles de chêne, etc. Au début de la période A. Boule fait des armoires et des armoires de monnaies et de médailles imitées par les armoires florentines et incrustées d'une pierre solide (Pietra Dura). Les armoires booléennes sont décorées de motifs de fleurs et d'oiseaux effectué dans une technique incrustée avec bois coloré - Intarsia.

La seconde, plus la période la plus tardive dans le style du style bul est caractérisée par la prédominance de l'incrustée de la coque de la tortue, de la cuivrée, de l'étain, de l'argent, de la perle, de la masse de verre, etc. sous l'abondance des décorations de la surface en bois du L'arbre n'est presque pas visible. Les éléments de l'ornement, fabriqués, par exemple, de la tortue imposée sur un fond métallique brillant, ont été freillés par le cadre en relief en bronze en or coulé. Dans d'autres cas, les motifs baroques, sculptés de laiton (cuivre), d'étain ou d'argent, semblaient très exquis dans le contexte d'une plaque polie de la coquille de tortue, soulignant les plus grandes décorations en bronze doré peint.

Pour ses travaux incrustés, A. bul a appliqué une sorte de technique qu'il n'a pas inventé, mais apporté à la plus haute perfection. Par exemple, pour obtenir des éléments individuels de l'ornement planifié, deux plaques - une tortue et une cuivre (cuivre) - légèrement collées les unes avec les autres, et le dessin de l'élément de motif articulé est appliqué à l'une d'entre elles. Ensuite, simultanément à travers les deux plaques le long du contour, cet élément de l'ornement est alimenté par une jigon jusqu'à ce qu'il tombe sur les plaques sous la forme de deux identiques sur les abis, mais différentes parties des détails.

Cette technique a fourni le meilleur ajustement des éléments de l'ornement et de l'arrière-plan les uns aux autres, la capacité de créer simultanément deux images identiques, mais différentes de couleur, de texture et de texture de l'ornement et du manque total de déchets, qui était très important. lors de l'utilisation de matériaux précieux. Dans la langue professionnelle des meubles, une plaque de tortue avec motif en laiton (cuivre) a été appelée la première partie, en laiton avec une insertion de tortue - la seconde. Si un motif avec l'usure de l'étain a été conçu, l'humidité et la réception d'éléments individuels et de lecteurs avec des trous traversants, coïncidant avec précision avec les abis de ces éléments, ont été effectués à travers trois plaques.

Une coquille de tortue à l'ère baroque a été utilisée non seulement pour des objets de meubles d'incrustation. La technique du pic a été utilisée (de fr. Picer - rouleau) lorsque dans la plaque tortuaire, selon la figure, des segments préchauffés du fil doré ont été rivetés. Lorsque le fil refroidit, les segments recouverts de la surface de la plaque, qui a ensuite été soigneusement poli. Sur la surface de la plaque, un motif de dentelle léger et très élégant a été obtenu, composé de petits points dorés brillants. Un tel motif était souvent complété par des perles et des garnitures d'or.

Le musée Hermitage a une table de pointe, qui a été faite par ordre de Louis XIV sur la manufacture de tapisserie. Il était conçu comme un cadeau à la reine du Portugal.

Au début du XVIIIe siècle. Les formes de style bulle rectangulaire sont ramollies, des lignes courbes arrondies apparaissent. La quantité de dorure, cédant la place à la beauté de l'arbre naturel, est réduite.

Une des époque baroque baroque baroque fait face à la France - l'art d'un grand style ou de style de Louis XIV - est la création d'objets de meubles, dans lesquels la liberté de constructions composites des principaux éléments de la forme, excessive, de l'abondance et de la richesse de Le décor est contraint et équilibré par un bâtiment tectonique clair et logique, raisonnable de leur structure de volume-spatial. Tout cela indique l'impact et la pénétration évidents des principes de la Renaissance en français baroque.

Période de régence de meubles de français (premier trimestre du XVIIIe siècle). Style de régence

La transition de l'époque baroque majestueuse de Louis XIV à Rococo s'est produite par une étape intermédiaire, qui est coutumière d'appeler le style de régence. Ce style d'art français, incl. Et les meubles étaient caractéristiques du premier quart du XVIIIe siècle. À ce moment-là, l'oncle indigène du futur roi de France Louis XV Philip Orléans devient en 1715, avec elle régente et gouverne le pays. Un nouveau style de transition se pose, ce qui facilite progressivement les formes d'objets de meubles et de leur décor, tout en maintenant la structure et la ligne principale de leurs formes, et à bien des égards l'ornement du style de Louis XIV. Vrai, maintenant en motivations ornementales, la liste d'ACANTA est atteinte de moins en moins et le schéma ornemental d'inclinaison est occupé. Au XVIIIe siècle La cour royale et le français entier savent passer une énorme somme d'argent sur l'aménagement de leurs appartements, le mobilier commence à occuper une place importante dans leur vie. Le luxe de la décoration est rendu plus sophistiqué et moins solennel et pompeux. Même s'il y a une certaine opposition à l'ameublement des principaux locaux et chambres résidentielles, qui sont remplies de meubles d'un confort plus confortable, approprié, des goûts et de l'humeur d'une personne vivant ici. Les chaises et les canapés sont maintenant divisés par la soi-disant. La situation, qui est installée le long des murs et dispose d'un endroit strictement défini et plus mobile, mis en groupe à n'importe quel endroit pratique, par exemple autour de la table.

La forme des chaises, des chaises, des canapés change progressivement - les pripers disparaissent presque ici, et les jambes sont de plus en plus courtes, le dos sur les chaises est d'abord rendu élevé, mais devient progressivement plus bas, devenant plus raide. Le siège est toujours plus doux et plus large en tenant compte des vêtements portables. Lorsque les dames ont commencé à porter très large de Fizhma Panny, les elbades ont été partis sur les côtés, à l'extérieur, dans le but de s'asseoir et de se lever. La décoration de ces sièges pour des sièges est préservée sous la forme de fils embossés et tenaces de pièces en bois et de tapisseries de tissus de luxe de tissus de rembourrage ou de velours. À la garniture, il y a non seulement des tapisseries lisses, mais également des tapis tissés dilatés mous avec un motif de fleurs qui fabrique une manufacture de savannery.

Dans la composition du meuble d'armoire, il y a un refus des principes architecturaux de sa construction. Les armoires cessent de rappeler les bâtiments avec leur décoration architecturale, tout d'abord, leurs parties de façade. Au lieu d'armoires et d'armoires, la préférence est donnée à la poitrine. La face de la façade avant du boîtier thoracique se plie sans heurts, comme si le gonflement et son bord inférieur se fait avec une saillie ressemblant à une vague au milieu. Le boîtier de la poitrine est en hauteur incurvé, déployé sur les côtés par rapport au plan de la façade avec des cuisses recouvertes de fils et décorées avec des doublures en bronze en forme de vernis avec des figures humaines et des têtes. Les coins des plateaux de table sont en train de tourner et ses bords sont profilés. Le noyau du coffre est décoré avec un arbre typique de la technique de marqueterie, ainsi que des décorations de front de bronze. Pour un ensemble, il est généralement utilisé, en règle générale, pas seulement un arbre noir, mais également l'arbre d'autres pierres précieuses apportées de l'étranger.

La composition des décorations décoratives est toujours la symétrie, mais sous la forme et la mise en place d'éléments individuels d'ornement, de boucles, de bouquets, de figures et de têtes, il y a une grande facilité et la liberté de solutions que dans la décoration du mobilier de la période précédente.

Études de matériaux utilisés. Avantages: Grishin A.A. Un bref cours de l'évolution de style des meubles - Moscou: Architecture-C, 2007

Le style baroque fleurit en Europe au XVIIe siècle, qui découle un siècle plus tôt en Italie, où les maîtres locaux ont cherché à exalté leur importance culturelle pour apporter certains excès dans toutes les branches de l'art et de la personnalité, y compris en architecture.

Avant la Russie, le style architectural de Barochko a atteint la "fenêtre porté" de Peter I "Window en Europe" avec une prise juste, incarné pleinement uniquement au XVIIIe siècle, lorsque le classicisme a déjà été renforcé en Europe. Mais le décalage de l'époque était plus que compensé par la grandeur des bâtiments baroques des ensembles urbains et manoirs de la capitale et d'autres endroits amoureux du russe. En outre, le baroque russe, à l'instar d'autres tendances culturelles étrangères entrant dans le pays, découvert de nouvelles caractéristiques pour les caractéristiques baroques européennes, élevant des styles purement domestiques, tels que Stroganovskoye, Golitsyn et Naryshkinskoye baroque.

Le style baroque a été incarné principalement dans les églises et les projets du temple. Les célèbres monuments architecturaux peuvent être attribués à l'église de l'intercession à Filya, la cathédrale Assomption de Ryazan, le monastère de Novodevichy, l'église de Bryansk Sretennaya Nekra dans le monastère de Sven, l'église de la Vierge Mère de Dieu à Dubrovitsy, non loin de Podolsk, et de nombreux autres temples. Naryshkinskaya baroque en architecture se caractérise par une longarité, une centralité, un équilibre et une symétrie, des éléments blancs sur un fond rouge.

Temple des signes de la Vierge à Dubrovitsy, Golitsyn baroque

L'église du signe de la Bienheureuse Vierge Marie à Dubrovitsy a absorbé les éléments de l'architecture italienne, allemande, suédoise, française et russe. L'abondance des détails architecturaux et des threads sont des colonnes, des boucles, des brosses de raisin, des fleurs, des feuilles, ainsi que des sculptures des anges et des saints - font du temple avec un spécimen unique d'architecture de l'église. Au lieu du dôme traditionnel, l'église couronne la couronne d'or.

La confusion de soi des orientations architecturales de baroques en Russie provient des noms de la naissance, a conçu la construction des structures les plus importantes de cette époque, qui possédait bien sûr leurs propres caractéristiques. En général, la différence entre le baroque domestique de la part des Européens peut être traçée dans la simplicité et les structures composites. La différence peut également être trouvée en détail, par exemple, dans les matériaux de finition utilisés. En Europe, une pierre était utilisée pour le revêtement, les maîtres russes ont été utilisés en plâtre et en plâtre, qui, contrairement à la pierre, pourraient être peints. C'est pourquoi les structures architecturales du baroque russe s'il vous plaît les yeux avec un rouleau contrastant brillant. Fondamentalement utilisé des peintures rouges, bleues, jaunes et blanches, ainsi que leurs combinaisons et une étain blanc et diverses dorures ont été utilisées pour le toit.

Dans la décoration des façades, une modélisation ornementale a été utilisée, dans laquelle des éléments de la saveur russe traditionnelle semblaient clairement. Architectes occidentaux, cherchant à surpasser les concurrents, des signes et des symboles mystiques activement utilisés, qui n'est également pas typique de la baroque russe, bien que la justice pour des architectes étrangères, qui construisait Manor Estates pour les premières personnes de l'empire dans la capitale et sa Environnement, toujours recours aux récepteurs traditionnellement européens. Mais dans l'Outback, où Baroque a été initialement divulguée par les efforts de Boyarin Lion NaryShkin, les traditions locales étaient presque complètement prévalus dans la décoration.

Église de l'intercession dans FIL

L'église de l'intercession des plus saintes Theotokos chez les tests, construites dans les princes principaux de NaryShkin, est l'un des meilleurs représentants du baroque de Moscou. L'église dans ce village de banlieue était connue de 1619. - Cette petite église en bois de l'intercession et donna le nom d'une nouvelle beauté baroque luxueuse de deux étages.

Monastère Novodevichy à Moscou

La grande demeure de la grande vierge "Odigitria", le nouveau monastère de Devich orthodoxe à Moscou (Monastère de Novodevichi Virgin-Smolensky) - Jeta le Grand-Duke Vladimir et Moscou Vasily III en 1524 en l'honneur du sanctuaire principal de l'ancien Smolensk - Les icônes de la mère de Dieu de Dieu Smolensk.

La construction active a commencé dans le monastère pendant le règne de Sophia Alekseevna. Presque l'ensemble de l'ensemble architectural du monastère (à l'exclusion de la vieille cathédrale Smolensky) a été construit avec précision alors, dans le nouveau style de "Moscou baroque". En peu de temps, le clocher, les églises remarquables des portes du nord et du sud, le temple d'Assomption avec la chambre de nourriture, deux bâtiments résidentiels pour les Sœurs de la reine Sofia - Tsareven Mary et Catherine.



L'ensemble architectural du monastère, qui s'est développé dans les siècles XVI-XVII, n'a pas changé de changements significatifs depuis lors. En tant que préservation exceptionnelle d'un échantillon de Moscou baroque, il a été soulevé sous la protection de l'UNESCO et a déclaré la propriété de toute l'humanité.

Style baroque dans l'architecture des lieux des événements cérémonial et laïque des domaines supérieurs a souligné le pouvoir et le bien-être Empire russe Ces années. Non seulement externe, mais aussi la décoration intérieure des bâtiments n'était pas égale en toute l'Europe. L'architecte le plus remarquable de cette période est considéré comme Bartholomew Varfolomeyevich Rastrelli, un représentant du T.N. Elizabéthan baroque. Les magnifiques palais d'hiver, Stroganovsky et VorontSov, l'église Andreevsk de Kiev, le palais de Tsarsko Seli Ekaterininsky, un monastère smolny. Ces installations sont affectées par leurs échelles et leurs finitions de maquillage.

Palais de Catherine

C'est donc arrivé que ma naissance est Catherine (Big) Le palais doit les brillantes hôtesses, trois femmes-impératrices - Catherine I, Elizabeth Petrovna et Catherine II, auquel le palais appartenait au XVIIIe siècle et qui a accordé une grande attention à sa construction. Leurs fantasmes, leurs projets et leurs goûts personnels incarnent des centaines d'architectes talentueux, d'artistes, de jardiniers.

Le palais érigé dans le style baroque admire sa taille, une puissante dynamique spatiale et la "peinture" du décor. Une vue large sur la bande de façade avec colonnes blanches de neige et un ornement doré a l'air festif. Les façades du palais Rastrelli ont décoré des figures d'Atlanta, des masques karyatides, des lions et d'autres décorations de stuc, fabriquées sur les modèles de sculpteur I.-f. Dunker

Parmi les autres architectes, l'ère baroque peut être allouée par Mikhail Zemtsov, Dmitry Ukhtomsky, Domenico Trezini, Savva Chevakinsky. Ces hommes exceptionnels laissés derrière des monuments de l'architecture baroque russe alors que l'église de Fedorov à Saint-Pétersbourg, érigée parmi d'autres chapitres des temples de Saint-Pétersbourg sur le projet de Trezini, le palais Sheremetyevsky, développé par Chevakinsky. Parmi les autres monuments de la période baroque, la cathédrale de Petropavlovsky peut être rappelée à Kazan, la tour de Menshikovskaya à Moscou, l'église Stroganov de Nizhny Novgorod, l'église forerchedienne de la Trinité-Sergiyev Lavra, Pyatnitsky Bel Chapel à Sergiev Posad et de nombreux autres.

Église Andreevsky à Kiev

L'église Andreevsk est un monument d'histoire, d'architecture, de peinture et d'art décoratif du XVIIIe siècle de l'importance mondiale.
Il a été construit sur l'ordre de l'impératrice russe Elizabeth dans le cadre de la résidence tsariste de Kiev, composée du palais royal (Mariinsky) et de l'église du palais.

L'église a été construite en 1747-1762 dans le style baroque du projet Rastrelli, non seulement les formes architecturales authentiques et le plus grand pourcentage de la finition extérieure, mais également constant à nos jours leur décoration intérieure, ce qui est un modèle parfait. de l'intérieur orthodoxe de l'église du style baroque.

Création conjointe d'un architecte brillant F.-B. Rastrelli, les mains humaines et la nature ont donné lieu à monument uniqueQui, due à la facilité, le raffinement de la composition, la fusion harmonieuse de toutes ses parties en un seul tout et la connexion avec la nature environnante, est devenue le chef-d'œuvre de l'architecture de l'époque baroque et servait d'échantillon inégalé à imiter dans la construction de structures religieuses. La communauté mondiale du bâtiment de l'église Andreevsky est répertoriée dans le catalogue "1000 merveilles de lumière. Chefs-d'œuvre de l'humanité de cinq continents "publié en Allemagne en 2002. Compte tenu de la valeur extraordinaire du monument, il a été proposé de faire l'église Andreev sur la liste du patrimoine mondial de l'UNESCO.

Palais d'Hiver

Perméré avec lumière, dorure mousseuse et intérieur de miroirs occupe toute la hauteur de la construction du palais d'hiver.

Le plander pittoresque avec l'image d'Olympa (Diano Gasparo, 18ème siècle) augmente visuellement la hauteur de la pièce. La décoration décorative des escaliers comprend des œuvres sculpturales portées sous Pierre I de l'Italie: "Power", "Antinea", "Diana", "Justice", "Power". .

Palais d'hiver, escalier jordanien

L'escalier blanc gramiste, à partir de la galerie principale, diverge deux larges marches, qui sont à nouveau connectées à partir de la plate-forme supérieure.



L'effet de l'effet de théâtre baroque est en train de frapper l'imagination: la première marche basse ombragée des escaliers contraste avec son volume principal, où l'espace semble être levé, réfléchissant dans les miroirs et briser l'infini de la peinture illusoire de la voûte. Dix colonnes monolithiques d'escaliers de support en granit Serdobol.



En 18 V. L'escalier appelé l'ambassade - Les ambassadeurs de pouvoirs étrangers l'ont grimpé, se dirigeant vers le palais à la réception. L'échelle ouvre l'entrée des deux abrasions avant du palais - Neva et la principale menant au hall St. George et à une grande église. Le passage sur l'environnement principal répète le chemin des cérémonies solennelles du milieu du XIX - le début du XXe siècle


Plus tard, l'échelle a été appelée le Jordanien - sur elle pendant les vacances du baptême de la grande cathédrale du palais d'hiver, la procession est tombée à la Neva.

Cathédrale Petropavlovsky, Kazan

La cathédrale de Petropavlovsky est un échantillon exceptionnel de Naryshkinsky baroque. Doublé en 1722. Le complexe du temple comprend la cathédrale, la clochette et construites plus tard dans la maison de la fête.
Hauteur \u003d "659" Alt \u003d "(! Lang: Petropavlovskij (900x659, 206kb)">!}
Construit sur un endroit exalté, beau et majestueux, la cathédrale se distingue par une décoration unique. . L'apparence unique de la cathédrale attache, tout d'abord, la décoration, l'abondance des détails de la façade préservés à nos jours et à leur coloration lumineuse.

Monastère smolny

Construit dans le style du baroque luxuriant Elizabéthane avec des éléments architecturaux tels, comme les cheveux à pattes, les inhibiteurs, la couleur bleue et la couleur bleue, le dôme - en gris. Le cinq chapitre de la cathédrale est entièrement rempli. Selon le projet d'origine, RastraLLI prévoyait de construire une cathédrale incitable sur l'échantillon de temples européens, mais l'impératrice Elizabeth n'a guère insisté auprès de la cinq glaves orthodoxe. En conséquence, la cathédrale a été construite à cinq épières, mais une seule, le dôme central se réfère directement au temple, les quatre autres - le clocher.



Le dôme central est situé sur le tambour et en taille est beaucoup plus que le reste, il a une forme de casque, il s'effilit sur un fer en vrac situé sur une lanterne, ayant une grande taille. Quatre clocher identiques ont une forme concave et se composent de deux niveaux, dans le deuxième niveau, il y a un echérence, chacune des cloches est couronnée d'un petit dôme bulbeux. Verser dans le choeur de chorus de l'Institut Smolny, la façade de la partie inférieure de la cathédrale de style architectural est beaucoup plus rappelant le palais plutôt que le temple. La deuxième partie de la cathédrale avec une cinq section, comparée à celle-ci et en aspirant

Église de Jean le guerrier sur Yakimanka (Moscou)

L'architecture du bâtiment combine des éléments des styles du baroque de Moscou avec le baroque ukrainien et l'influence européenne commune dans l'architecture russe pendant Pierre.

Le règne de Barochko en Russie a été de courte durée. Dans le but de suivre les tendances européennes, au milieu du XVIIIe siècle, le métropolitain et les bâtiments provinciaux ont commencé à acquérir les caractéristiques de Rococo et au dernier quart du XVIIIe siècle, le classicisme est venu les remplacer , remplaçant le luxe et la grandeur, sur le rationalisme, la simplicité et la monumentalité des formes antiques.
Mais les ensembles architecturaux baroques nous plaisent toujours avec leurs styles, leurs formes et leur beauté unique.

architecture baroque Style Masterpiece

introduction

1 L'émergence de Barochko

2 fonction d'architecture baroque

2 architectes baroques

Conclusion

Bibliographie

introduction

Le style baroque est né en Italie et distribué dans la plupart des pays européens, acquérant dans chacun de ses traits nationaux spéciaux. L'occurrence de baroque a été déterminée par la nouvelle globilité, la crise de la Renaissance Mirosoznia, le refus de sa grande idée d'une personnalité harmonieuse et universelle. Déjà, en vertu de cela, la survenue de baroque ne pouvait être connectée qu'avec les formes de religion ou de la nature du pouvoir. Au cœur des mêmes idées déterminé l'essence de baroque, il y avait une compréhension de la multiformité du monde, de ses profondes contradictions, du drame de la vie et du but d'une personne, dans une certaine mesure à ces idées une influence et de renforcement de Recherches religieuses de l'ère. Caractéristiques Les différences baroques déterminées dans le monde et l'activité artistique d'un certain nombre de représentants, et dans le système d'art actuel coexista très peu similaires aux flux artistiques.

Le style baroque en architecture est la fluidité et la douceur, où des formes irrégulières complexes se déplacent, fusionnant, formant un seul entier avec l'espace environnant.

L'architecture de ce style est caractérisée par un grand nombre de sculptures, de colonnes et de pilastres.

L'architecture de baroque est basée sur la grandeur du pape et de l'Église catholique, ainsi que sur la variété et la complexité du monde. C'est pourquoi c'est tellement monumental, majestueux et avantageux.

L'épanouissement de ce style est associé à la formation intensive d'États nationaux, au renforcement de l'absolutisme. Contrairement à la Renaissance précédente, le baroque est caractérisé par un non-équilibre et une harmonie, mais des effets audacieux, parfois dramatiques de la composition, des couleurs, des mélodies, du rythme, du virtuose et des images et des images magnifiques. Éléments expressifs lumineux baroques, y compris les tours curvilinéaires, les tours avec des dômes, encadrer la façade principale, parfois des murs concaves ou convexes sont présents dans l'architecture de nombreux monuments de ce style. Le baroque avec catholicisme au catholicisme est le plus clairement tracé - ce style est devenu le plus grand développement précisément dans le domaine de la domination de l'Église catholique.

objectif papier à terme - étudier l'historique de l'architecture baroque; L'histoire de la survenue de baroque; Caractéristiques de l'architecture dans le style de baroque, ses caractéristiques, son rapport avec d'autres styles, ses différences; L'histoire de l'architecture dans différents états.

Explorez l'histoire de l'architecture baroque

examinez les chefs-d'œuvre architecturaux dans le style baroque, à savoir considérer l'architecture baroque dans différents états.

Sujet de la recherche - chefs-d'œuvre de style baroque

Chapitre 1. Historique de l'architecture baroque

1 L'émergence de Barochko

Au XVIème siècle Dans certains pays, sous l'influence du mouvement réformiste, le pouvoir de l'Église catholique s'est produit, donc au cours de la période suivante, l'Église fait des efforts importants pour rendre les positions perdues. Dans le même temps, la domination des autorités laïcs est renforcée. Nouveau style artistique - Baroque - rencontre le désir de pouvoir et de richesse par expression externe.

Le style baroque est apparu en Italie à la suite de l'évolution ultérieure du style reniférant. Ses formes "visibles", ont commencé à comprendre à partir de la fin du XVIe siècle. D'Italie, Barochko s'applique dans toute l'Europe, où il a prévalu à partir de la fin du XVI au milieu du XVIIIe siècle, dans certains pays, il se manifeste avant la seconde moitié du XVIIIe siècle et dans le même temps dans les deux sens. En Allemagne et en Autriche, la construction de structures monumentales au XVIIe siècle a presque été réalisée dans le cadre de la guerre de trente ans et de ses conséquences, ainsi qu'en Angleterre, où certains signes de ce style ne sont notés que de la milieu du XVIIe siècle.

Au XVIIe siècle L'économie et l'art des pays européens ont été activement développés. Les pouvoirs coloniaux de l'Atlantique ont été particulièrement renforcés - d'Espagne à la Grande-Bretagne; La France a été considérée comme un pays exemplaire de formes absolutistes de politiques économiques gouvernementales et pratiques.

Dans l'Italie fragmentée territoriale, grâce au mouvement de contre-traitement, Rome a acquis une nouvelle signification et la construction de bâtiments cultes a reçu une forte impulsion. L'absolutisme français de Louis XIV a été une grande influence. Chaque féodal - peu importe la petite appartenance du territoire - copié sa résidence de Versailles. Et chaque évêque catholique ou abbé espéré, enlevé pour imiter Rome, l'Église en forme de dôme pour renforcer l'influence des tendances de contre-écoulement.

La base de l'économie de cette période était agricultureMais il était clair qu'il ne suffisait pas de mettre en œuvre des programmes de construction. À cet égard, les grandes féodales ont commencé à aider la création de manufactures, qui ont contribué au développement des relations industrielles capitalistes. Malgré le fait que l'architecture européenne des XVII-XVIIIe siècles. Cela ne semble pas uniforme, être dynamique en Italie, grave en France, il est combiné au concept général de "baroque".

Le style baroque est venu remplacer la grande renaissance (Renaissance) en Italie, à la patrie de la Renaissance. À cette époque, l'Italie est épuisée, les étrangers y sont commandés, mais il reste le centre culturel de l'Europe. Pour prouver à tout le monde, le droit à une position privilégiée, vous avez besoin d'un style qui mettra l'accent sur le pouvoir, la richesse et le luxe en même temps de l'argent sur la construction de palais manquants. Ensuite, le nouveau style baroque est apparu, ce qui permettait l'illusion de pouvoir et de la richesse de créer des techniques de peinture et non des matériaux coûteux naturels.

1.2 Caractéristique de l'architecture baroque

Pour l'architecture, le baroque se caractérise par une portée spatiale, une muquie, une fluidité, des complexes, généralement des formes, des gradations, des pompes et de la dynamique, une élévation pathétique, de l'intensité des sentiments, de la dépendance aux spectacles spectaculaires, de combiner des contrastes illusoires et réels et réels et rythmes, matériaux et textures, lumière et ombre

Collision sucrée, tension interne, mouvement dynamique des formes deviennent caractéristiques caractéristiques contenu figuratif des travaux. Les compositions architecturales perdent les caractéristiques de l'équilibre harmonique: le centre est remplacé par une ellipse étendue, un rectangle carré, une stabilité de la structure de composition, une clarté et une clarté de proportions équilibrées - des constructions rythmiques complexes, des mouvements de masse, une variété de proportions. Dans le même temps, l'irrationalité des formes est combinée à certaines caractéristiques rationnelles qui constituaient une conséquence de la réflexion dans l'art des plus récentes réalisations de la pensée scientifique. La recherche d'artship dans quelque chose de consonant avec la recherche de la science. Dans l'art, en particulier, ils ont trouvé un reflet indirect de l'écrasement des idées habituelles sur le monde de la Jordanie Bruno sur l'infini de l'univers: une seule holistique, achevée, statique a commencé à céder la place à la continuité du développement, de mouvement dans " Infini". L'unicité rationnelle a été exprimée dans l'architecture baroque dans la domination de l'axe, de la symétrie, du principe de volition.

Les caractéristiques les plus brillantes du baroque dans l'architecture caractérisent les temples, la construction de laquelle le catholicisme porte une attention particulière. En règle générale, leur plan est renvoyé par la basilicité médiévale. Les compositions sont attachées à un caractère axial frontal avec une accent forte sur la façade principale et le développement profond de l'espace interne.

Au lieu d'un équilibre calme, le monolithe plastique et la dynamique de la masse commence à prévaloir la masse et les espaces monolithiques. L'ordre, restant les principaux moyens de démembrement, perd presque complètement les structures: son interprétation est soulignée décorative et plastique. Comme si vous grandissez de l'intérieur du mur, la commande devient une partie intégrante du tableau lui-même, les moyens de ses plastiques "sculpturaux". Au lieu de correspondre à un homme d'échelle, il apparaît souvent une exagération délibérée des tailles des commandes. Dans la composition des façades, les éléments libérés de l'ordre sont généralement condensés à l'axe, soulignant l'entrée principale. La tension interne traitée par le réseau de masse est soulignée par des éléments de tolérances plastiques, massives, fréquemment déchirées de frèches, de niches, de cadres de fenêtres et de niches, de sculpture, etc.

Dans l'architecture des palais urbains et des résidences de banlieue, des façades convexes et concaves sont distribuées. Un mandat devient moins fonctionnel que dans l'ère de la Renaissance, la décoration vient à l'avance. Colonnes collectées, pilastres qui sont apparus sur des colonnes torsadées, ainsi que les frèches de différentes formes composées l'une de l'autre (par exemple, en triangle), ou cassées au milieu des frèches avec un carton donnent des bâtiments une combinaison de plastique extrême et une expressivité de manière spectaculaire distinction Portails. Généralement, le plastique prévaut toujours dans les façades au-dessus de la tectonique. Le palais italien est frappant par un ordre colossal sur le sous-sol inférieur, des greniers lourds, une abondance de décor sculptural. Ils ont un défilé, un look festif. En Espagne, une saveur décorative spéciale informe les palais pour couvrir complètement le mur, comme si la décoration de sculpture de natation, cacher complètement les membres de la façade (le style dit churgeriec - au nom de l'architecte X. Churgerger).

En France, le type de palais en forme de P, constitué de la construction centrale et des rizalits latéraux prédominants. Le bâtiment est inextricablement relié au parc, brisé derrière lui et l'honorable cour (cour d'honneur Honneur) devant la façade. La cour est cueillie de la rue avec un gilder avec dorure. Souvent, de tels lattices eux-mêmes étaient des œuvres merveilleuses de Art Baroque Art. Cours honoraires et hôtels Mansions d'un personnage plus intime qui a reçu une distribution au XVIIe siècle.

Au fil du temps, les serrures de pays acquièrent un look de plus en plus palais. Les ponts de fer à travers les déchirures sont remplacés par des bâtiments de liaison en pierre avec des parcs. Grâce à l'innovation de l'architecte J.A. Manzar, qui a levé le toit et attaché à la chambre du grenier, dans les palais du pays, comme dans la ville, le grenier apparaît. Si vous ajoutez des toits lumineux, disposés par des carreaux de couleurs "dans un vérificateur" ou de l'ardoise et tordus sur des raisins d'automne ou de l'ivy, il s'avère une image très pittoresque.

Dans la construction de mangeurs urbains et de pays de Flandre, l'imitation du palais italien a prévalu. Les portails ont été décorés de fronures courbes, de balcons - sculptures et soutenus par les caryates ou les atlants. De l'Allemagne, les formes d'un dessin animé baroque transformé, ressemblant aux contours de la vague, du masque, du cartilage (Cunpelverk, de lui sont empruntés (Knorpelverk - "cartilage" et étaient - "travail") ou coquille d'oreille (ormushl). Ils se combinent avec un ornement sculptural à base de plantes juteux et ont donné des portails de contours expressifs et expressifs.

En Autriche, des manoirs étaient également essentiellement dans le style des palais baroques italiens, mais les étages inférieurs étaient souvent construits en blocs de pierre facettes (la soi-disant rouille de diamant) et la partie supérieure décorée de courtiers expressives de pilastres, colonnes, arches avec sculpture .

Certails lavés de la rangée totale de la construction du baroque néerlandais. Une riche maison de Burgher a été beaucoup plus modeste que les palais de la France, de l'Autriche et de l'ensemble de l'Italie. En raison du coût élevé de la terre en Hollande, seules des maternelles minuscules derrière le bâtiment étaient communes. Traditionnellement, le grand fronton a renforcé l'étendue verticale de trois - une maison de quatre étages. La brique rouge, à partir de laquelle les bâtiments ont été érigés, complètent les pièces battues de la pierre blanche utilisée dans la finition.

Les intérieurs privés baroques ont été distingués par une solennité et une pompe extraordinaires. Cette impression est née au premier instant, à peine entrante dans le hall du bâtiment avec un escalier central de défilé, sur lequel, dans la broderie, la tache brillante brillait le plafond de plafond peint. Dans les hommes d'Angleterre, devant les escaliers, un balcon spécial a été organisé avec une balustrada, suivie de l'orchestre. Les halls avant étaient au deuxième étage et des deux côtés du centre - le reste des chambres. Les locaux de défilés étaient souvent liés par une étroite galerie, décorées de colonnes, de pilastres, de statues ou de bustes, de peinture, de miroirs. La collection d'œuvres de l'art des hôtes de la maison a été concentrée ici. Les fenêtres de la galerie en règle générale sont allées au parc, et sur le mur opposé, les miroirs ont été hangés. Ainsi, l'effet de l'approfondissement de l'espace, de l'unité de l'architecture et de la nature a été créé.

Le sujet de la divulgation de l'espace intérieur à l'intérieur des terres était l'un des principaux à baroques. Par conséquent, l'utilisation de miroirs, la peinture des plafonds par Dala Celestial sans fin et des figures en flèche dans les nuages \u200b\u200bcaractéristiques des composants des intérieurs. Les plafonds ont été mélangés et recouverts de compositions de fresco détaillées entourées d'une décoration dorée sculptée ou d'une décoration murale, ainsi que de la peinture, imitant des formes sculpturales volumétriques. Il y avait un sentiment que la peinture ne rentre pas dans le domaine du plafon, dépasse ses frontières.

Parfois, sur les plafonds, mais plus souvent dans la conception des murs, il y avait des panneaux de bois sculptés. Ils ont monté des portraits et d'autres œuvres pittoresques. Les plans des murs ont également été décorés d'éléments de commandes - pilastres, colonnes torsadées, volitions et utilisées dans la peinture dans le cadre des guirlandes sculpturales, pire. De l'Espagne à d'autres pays européens, la mode montre les murs de la peau cordique en relief avec un motif d'or imitant des tissus coûteux. En Flandre, les murs étaient serrés par la soie et le velours. Les trelliers étaient toujours courants, ils ont été sirotés sur des panneaux sculptés. Les sols ont été aménagés de marbre ou de plaques de majolica. Les portes ont été encadrées par des panneau pittoresques horizontaux-desesytems (de fr. "Situé au-dessus de la porte"). La décoration interne des palais de Barochko était inhérente à une portée décorative spéciale, non comparable à aucune autre époque. Dans l'ornamenik, le dessin de guirlandes lourdes des feuilles et des fruits, des loups, de la cartouche (du p. Cartouche - "Scroll"), des mascarons. Il y avait aussi des motifs de torsadés Arabesok, une variété de fibres de la feuille d'acanite, le tissage du ruban, transformé en un rouleau allemand fantasme (coupé le long des bords du karush) ou Bandelvert (de celui-ci. Bandelle - "bande"). Des lignes droites s'ouvrent progressivement des circuits curvilignes qui donnent la décoration à la dynamique et à la peinture.

Couleurs pastel couleurs couleurs vivantes et tendances; Rouge, rose, blanc, bleu avec jaune accenioriny-trummi convexe - un motif asymétrique concave; Sous forme, un demi-cercle, un rectangle, ovale; lignes de colonne verticales; Adhésion horizontale prononcée formelle, en forme de dôme et rectangulaire; Tours, balcons, éléments érkircirés interfaces à la grandeur et à la pompe; escaliers frontaux massifs; colonnes, pilastres, sculptures, stuc et peinture, ornement sculpté; La relation d'éléments est décorée du système de construction, tendu, dynamique; fixé par la façade et au même temps massif et résistant polyvocircirculaire et rectangulaire; avec décor de végétation sur des ouvertures périmétudes avec des colonnes; Décor de légumes

Caractéristiques distinctives du style architectural baroque:

· Dans les néphômes de l'Église, une forme parfois ovale; plafonds voûtés.

· Des éléments architecturaux fragmentés ou évidemment incomplets.

· Utilisation dramatique de lumière ou de contrastes de lumière et d'ombre, ou éclairage uniforme avec quelques fenêtres.

· Utilisation luxueuse de couleurs et de décorations (putti (anges), figures de bois (souvent dorées), plâtre, marbre artificiel).

· Fresques de plafond à grande échelle.

· La façade externe est souvent caractérisée par une partie centrale fortement libérée.

· Effets illusoires. Les plafonds sont souvent décorés avec de grandes fresques créant une illusion d'optique que ces images sont tridimensionnelles.

· Dôme en forme de poire (en particulier, dans le baroque bavarois, polonais, tchèque et ukrainien).

· Genres de mélange (architecture, sculptures et peinture).

Chapitre 2. Masterpieces architecturales baroques

1 architecture baroque dans différents états

Baroque en Russie

Curieusement, mais le terme "baroque" en Russie n'a pas été utilisé en Russie. Parmi les artistes, il y avait des conversations sur les avantages et les minuss de néo-Nétics et de Neapacess, mais le mot "baroque" est allé avec diligence.

La situation n'a changé que dans fin xix. Le siècle, lorsque Sultanov (chercheur de l'architecture russe) introduit dans la circulation du terme "baroque russe". Sous ce terme a été compris comme l'architecture de la Russie du XVIIe siècle (la période DOPEREROV). Depuis lors, il est considéré que dans les années 40 du XVIIe siècle, le style de Baroque russe est né, après quoi il se développait continuellement et s'est terminé à la fin du XVIIIe siècle avec les dernières œuvres d'architecte V. I. Bazhenov.

On pense également que la baroque russe a adopté beaucoup de la Renaissance, il est expliqué par le fait que la Renaissance ne pouvait révéler pleinement à la Russie. Le développement de l'art en Russie s'est distingué des pays d'Europe occidentale. Cela a conduit au fait que baroque en Russie n'était pas venu contre la Renaissance, mais comme symbole de l'achèvement du Moyen Âge. En particulier, cela se reflétait dans une altitude, mais en même temps sans pomposité supplémentaire, le baroque russe, qui n'est pas observé dans les instructions occidentales.

Il convient de noter que tous les historiens de l'art ne prennent pas le terme "baroque russe", mais personne ne fait valoir que ce terme est dans une certaine mesure conditionnelle. Par signes, ce style est le plus proche du maniérisme.

Baroque russe - Le nom général des variétés de style baroque, formé dans l'État de Moscou et dans l'empire russe à la fin des XVII-XVIIIe siècles:

· Moscou baroque (des années 1680 aux années 1700, appelée précédemment «NaryShkin Baroque») - La période de transition du patronie de la baroque complète avec la tenue de nombreux éléments structurels de l'ancienne architecture russe, traité sous l'influence du baroque ukrainien .

· Stroganov Barochko - La congélation conservatrice-provinciale de Moscou baroque, dans laquelle quatre temples sont fabriqués à Nizhny Novgorod et au nord.

· Golitsyn Baroque est la direction la plus radicale dans les profondeurs du baroque de Moscou, qui consistait en le déni de communication complet avec l'ancienne tradition russe.

· Petrovskoe baroque (de 17h00 à 1720) est un ensemble de manières individuelles des architectes de l'Europe occidentale invitées par Peter I de construire une nouvelle capitale, Saint-Pétersbourg.

· Elizabetan baroque (C 1730 aux années 1760) - hybride de Petrovsky et de Moscou baroque avec introduction décongelée nord. Les plus entièrement incarnés dans les grandes arrangements de F. B. Rastrelli.

La dernière période était la plus prolifique et brillante, elle s'appelle également la période de baroque mûrue russe. À ce moment-là, l'architecte Rastrelli travaille activement à Saint-Pétersbourg. La Russie tente de rattraper l'Europe et de la concurrence en termes de développement culturel. C'est sur Rastrelli que le devoir a été chargé de donner à la capitale une apparence appropriée. L'Italien s'est parfaitement adapté à cette tâche, réunissant concis la technique du classique, du baroque et du Rococo français. De nombreux chercheurs croient qu'en raison de cela en Russie, la transition au classique était légère et naturelle.

Pour le baroque provincial du nord et de l'est de la Russie, des formes simplifiées et des tendances vis-à-vis du jet pittoresque des volumes constamment décroissants sont caractérisés. A.YU. Captikov considère qu'il est possible de parler de l'existence d'écoles provinciales baroques à Totme, de la grande ustyug, du territoire de Vyatka, dans les Urals («Pitabinsky» Eglises) et de la Sibérie. Le baroque sibérien, combinant le développement des alliances du Baroque de Moscou, avec des emprunts constructifs du dictionnaire de l'ukrainien baroque et d'introduction décorative de l'est, est distinguée.

Dans l'ouest Fédération Russe Monuments de la Baroque polonaise (Église en elle-même, 1625, Église Spasskaya à Trubchevsk 1640 g.), So Cosaque baroque, Caractéristique de Slobozhanchina (Cathédrale Cossaque à Stardube 1678, Cathédrale de Troitsky à Belgorod, Cathédrale Trio à Sevsk). Actuellement, beaucoup d'entre eux sont dans un état déplorable.

Baroque ukrainienne

Ukrainien ou cossaque baroque - une variation du style baroque au XVIIe XVIIe siècles des XVIIe XVIIIe siècles, pour lesquelles la combinaison de solutions de plastique décoratives d'Europe occidentale baroque et de la Renaissance avec le traitement créatif du patrimoine de l'architecture orthodoxe et L'ancienne architecture russe est particulière.

L'émergence du baroque ukrainien est associée à l'augmentation de la libération nationale de l'environnement cosaque, qui donne à la baroque ukrainienne l'importance du style véritablement national. Sur la rive gauche et Slobozhanchina, dans la conception des églises de la tradition de l'architecture en bois folklorique, plus que celles précédant les traditions des départements orthodoxes

La naissance du baroque ukrainien est prise pour contacter la mise à jour des temples de Kiev et de Tchernihiv de Temps Domongolsky avec Metropolitan Peter Mogile et ses successeurs. Pour la première fois après la chute de Kievan Rus, les églises orthodoxes ont été lancées en grande partie. Les arches effondrées ou délabrées des temples sont souvent décalées, les dômes étaient attachés à la poire caractéristique ou à une forme en forme de baignoire, lorsqu'une autre "ampoule" chercherait une autre. Le tambour pourrait être entaché avec un dôme sous la forme d'un hémisphère, qui était satisfait d'un autre tambour avec un autre dôme d'une forme intimidatrice ou conique. Dans le même temps, contrairement au "style russe", le diamètre des "bulbes" est inférieur au diamètre du tambour. La couleur des dômes est dorée ou verte. Un décor baroque fractionnaire (semi-colonches, sondums, portico) avec une image d'ornements de plantes et d'anges était superposé sur des structures transversales monumentales. Les bâtiments ont été descendus ou placés dans des couleurs blanches et bleues contrastées.

La cathédrale du monastère de Yelets à Chernigov, la cathédrale de Sofia à Kiev, la cathédrale de l'Assomption du monastère de Kiev-Pechersk, les cathédrales du monastère de la poussière de Sodubitsky et de Mikhailovsky à Kiev appartient au nombre de monuments anciens russes. Ensuite, une cloche est apparue dans les anciens monastères russes de l'Ukraine. Ces structures de palangre ont été construites séparément des temples et ont été couronnées d'un dôme de poire massif. De nombreuses monasses ont été acquises par une clôture décorative en pierre.

Les constructeurs de cathédrales dans des monastères relativement nouveaux sont axés sur des échantillons anciens. Conformément au canon orthodoxe, il s'agissait de temples de cèglés, de triccides, de cinq chapés, quatre ou six étoiles. Dans le même temps, ils ont été décorés sur la manière «Polonaise» (baroque), les façades ont parfois été glissées de tours. Aux monuments de ce groupe appartiennent à "Mazepinsky" Cathédrales - Troitsky à Chernigov (1679-1995), Cathédrale militaire de Nikolaev (1690-1996), Cathédrale d'Épiphanie dans le monastère de Bratsky (1690-1693)

Les temples paroissiaux, construits par le "tout le monde", et non sur l'ordre monastique de l'État, étaient plus orientés sur des échantillons d'architecture en bois de Cossack. Il s'agissait de là que le plan de l'Église sous la forme d'une croix avec des cellules aux coins a été emprunté à partir de là, comme une composition dynamique du volume central a été empruntée. Des constructeurs de temples de pierre ont été pris pour un échantillon d'églises en bois ruraux à trois et cinq tubes, et la forme des cabines en rondins était généralement huit marchés.

Dans les églises à trois tuyaux, les octaniques sont généralement alignées dans une rangée le long de l'axe longitudinal est-ouest (exemple - l'église Nikolaev à Glukhov, 1693). Dans des églises octricales à cinq tubes, il y a un cruciforme, en même temps, il y a des caméras sur les coins, parfois très développées, atteignant une hauteur de deux tiers du volume principal du temple (église Catherine à Chernigov, Cathédrale Assomption de Novgorod -Serversky). Les temples sont très rarement trouvés non plus sur les trois et non cinq environ cinq, mais environ sept (cathédrale prospective à Poltava, 1699-1709; église de Spasskaya à Stardube) et même à environ neuf tops (cathédrale de la Trinité neufs à Novomoskovsk, 1775-1980 ; Cathédrale de résurrection militaire à Starochierkassk.

Chaque maison de journal traverse le dôme sur le tambour gravé. Pour les temples du baroque ukrainien, une forme de chapitres spécialisée en forme de poire remplie par de petits maîtres se caractérise. La réception préférée des architectes ukrainiens - "chances", c'est-à-dire l'achèvement du temple sous la forme de plusieurs niveaux livrés les uns aux autres, chacun de ceux qui traversaient la voûte de la précédente. La transition d'un large huitième à une solution plus petite a été résolue à l'aide de la conception originale de la voûte sous la forme d'une tente pyramidale coupée avec le toit des contours lisses.

Parmi les architectes du baroque ukrainien, Ivan Zherryny, Stepan Kovnir et Ivan Grigorovich-Barsk

La baroque ukrainienne avait un impact significatif sur la formation de Baroque Moscou, dont de nombreux maîtres étaient des immigrants de la rive gauche. Emprunts architecturaux des hiérarques d'église fréquentée par l'Ukraine qui ont été éduquées dans l'Académie de Kiev-Mogilyan. À la fin du XVIIe siècle, dans l'État russe, après l'Ukraine, les temples sous forme de huitièmes reçoivent la propagation de huitièmes (voir l'occultation sur les quatre), composée parfois de trois volumes alignés dans une rangée (église de Tsarevich Ioasafa à Izmailovo).

Baroque en Commonwealth

Baroque dans le discours du Commonwealth - la phase de développement de la culture, qui couvrait la période de la fin du XVIe siècle au milieu du XVIIII.

La Pologne a une longue position culturelle et religieuse avec l'Italie. Au XVIe siècle, la propagation des idées de l'humanisme, soutenues en Pologne, d'abord par la cour royale à Cracovie en premier. En conséquence, la reprise initiale en Pologne a reçu des caractéristiques aristocratiques. L'engagement royal envers les maîtres italiens, invités par Sigismund Old, étendu aux magnats, une gentry et riche dans les villes. Parmi les meilleures installations de la Renaissance de l'ère - Perestroika 1502-1536 Castle gothique Wawel dans le palais de la Renaissance Italienne Francesco Fiorentino (Francesco Fiorentino). Comme en Italie, la fondation culturelle baroque en Pologne était la suivante:

· culture de la renaissance tardive

· maniérisme dépressif.

Un maniérisme sombre avait quelque chose en commun avec l'exaltation de la fin gothique, dont les positions ont conservé depuis longtemps le pouvoir de la culture de la Pologne au XVIe siècle.

À l'heure actuelle, la première génération d'architectes italiennes-style jésuite au début baroque (Giovanni de Rossi, Giovanni Maria Bernardoni, Joanni Maria Bernardoni, fonctionne déjà activement sur les terres de la Pologne.

Le Baroque polonais prévaut un mélange d'influences italiennes, flamandes, plus tard, françaises. Les cœurs des premiers bâtiments baroques du discours de la compulculation - l'église du corps de l'Éternel, construite dans la résidence de Radziwillov - la ville de Nesvizh - architecte-jésuite Giovanni Maria Bernardoni (1584-1593) par ordre de Nicholas Radziwill. Le deuxième bâtiment précoce baroque - Église catholique de Saint-Pierre et Paul à Cracovie (Brigade d'architectes-Jésuite: Giuseppe Brichio, Giovanni Maria Bernardoni, Giovanni Battista Treviano). Pour l'échantillon, prenez le temple principal des jésuites - l'église d'Ile-Jesu à Rome, la transformation créative de sa façade.

Les caractéristiques baroques sont obtenues et la première séculaire de la nomination de la structure (palais des évêques de Cracovie, Kielce, 1637-1644, architecte Tomash Ponchino) avec la cour intérieure, une loggia ouverte de la façade de jardin, deux tours latérales dans les coins de la structure, les toits baroques.

Vilna baroque (lituanien)

Dans et ́ baro lensky ́ kKO est le nom conditionnel de l'étape tardive du développement du style baroque dans l'architecture du temple du Grand-Duché de la Lituanie, sur le territoire de la propagation de l'Église Brest Enia, y compris dans le diocèse de Vilen de l'Église catholique romaine. Le système architectural et artistique de Vilensky Baroque a été distribué dans la seconde moitié du XVIIIe siècle grâce aux activités des diplômés du département architectural de l'Université de Vilen.

Les origines de Vilensky Baroque se trouvaient l'architecte Jan Christoph Glaubitz (esprit 1767), qui, qui reconstruisant les temples existants de la capitale lituanienne, a gratté une inspiration dans les bâtiments modernes de l'Autriche et de la Bavière. Beaucoup de communs avec les monuments de Vilen baroque ont les bâtiments polonais de la paolophonate (par exemple, la cathédrale Sainte Preobrazhensky (Dominicansky) à Vinnitsa). La popularité spéciale a reçu le style parmi les catholiques grecs; D'où son deuxième nom - Unier baroque. Des exemples de Baroque Vilensky peuvent servir: sur le territoire de la Biélorussie moderne

· Cathédrale de Sophia reconstruite à Polotsk (1738-50),

· Église Petropavlovsk à Berezvechye sous la région de Vitebsk profond. (1756-1763),

· Église uniate à Borunov (1747-1757),

· Église UNIATSKAYA HAUTEMENT (1768),

· Église Pokrovskaya dans le chargeur (1769-1779),

· Epiphany et églises croisées en câble (1769),

· Cathédrale de l'Assomption et église Ryn à Vitebsk (1772)

· Église carmélite en profondeur, construite en 1639-1654 et reconstruite en 1735 pour le projet de Glaubitz

sur le territoire de l'Ukraine moderne

· Sainte Preobrazhensky (dominicansky) Cathédrale à Vinnitsa

· L'église cross-zodanznaya du monastère basilien à Buchach.

Pour ces monuments, le verticalisme sophistiqué des silhouettes construit sur la symétrie de deux tours à plusieurs niveaux avec des lumières de fenêtre est caractéristique. La liberté et la légèreté viennent remplacer le massif restreint du baroque. L'énergie cinétique concentrée à l'intérieur des bâtiments semble être volée. Les intérieurs sont plastiques dans l'esprit de Rococo, les façades sont ondulées, les frontières sont richement décorées de sculpture. À propos de l'église à Berezvechye, a écrit: "Le matériau de construction semble être ramollir et nommer les vagues de courbes courbes et concaves."

La cathédrale Nikolaev à Polotsk, une église de plasticité exceptionnelle à Beezves et d'autres monuments de Vilen Baroque a été complètement détruite dans les années 1960 lors de la dernière grande campagne anti-religieuse de l'URSS. Après l'effondrement de l'Union soviétique, des monuments architecturaux distincts (par exemple, l'église de résurrection de Vitebsk) ont été recréées sous sa forme originale.

Architecture baroque en Italie

L'Italie est considérée comme la patrie et l'inspirateur idéologique de baroque, où les œuvres d'art de ce style sont les plus vives et les plus indicatives. Le travail pittoresque de Caravaggio, la sculpture de Bernini démontre caractéristique de la bouffée et du dynamisme baroque.

La première construction baroque est l'église romaine d'Ile-Jesu (au nom de Christ) - la principale église de l'Ordre de Jésuite, conçue par Vigola (1507-1573). La construction a commencé en 1568, lorsque Vigola est morte, l'église n'était pas encore terminée. La construction a été achevée par l'étudiant de Vinol - un représentant du début du Jacomo della baroque, qui adhérait au plan principal de Vigola. L'église était la dernière étape de la longue évolution de la composition des temples de l'époque de la Renaissance. Dans son plan et sa décision spatiale, les deux principes sont combinés - Basilical et Centraly Dome.

Les orthophones sont éloignés hardiment des canons classiques, des solutions faisant autorité, des règles anciennes, ont conçu les locaux de complexité sans précédent. Ces Borrings sont un véritable héritier de l'architecture riche émotionnelle de Michelangelo Buonarot, plus que Lorenzo Bernini ou Pietro et Corton.

Un moyen intéressant que l'architecte baroque a eu lieu par Yuvara. Il a commencé comme une scène et une assistante dans la restructuration des bâtiments théâtraux. Tous ses projets n'ont pas trouvé leur mode de réalisation. Mais il a marqué l'expérience du bâtiment au bâtiment. Si la fontaine de Domenico (1543-1607) ou Francesco Karti (? -1675) a utilisé le type d'un bloc-bloc allongé sans volumes de jeu, Yuvara renforce l'expressivité de ses palais avec la construction diagonale, la rizalite, le jeu de divers volumes. La décoration devient de plus en plus limitée, n'évite pas la rouille, le pilastre et les colonnes, si familiers au classicisme. Mais les bâtiments ne deviennent pas des échantillons de classique, tout en maintenant la grandeur, la diversité et la beauté du baroque. Une distinction importante du style architectural de Yuvara est devenue des silhouettes de bâtiments extrêmement expressives (château d'arrêt, palais Royal de Madrid, en particulier la Super Basilique).

2.2 Architectes baroques

Carlo Maderno (Carlo Maderno; 1556-1629) Est l'un des fondateurs du baroque italien, un représentant important de baroque en Italie. La création principale est la façade de l'église romaine de Santa Susanna (1603). Parmi les autres œuvres, Maderna peut être notée par l'Église Santa Maria Victoria (1605), San Andrea Business Valle (1608-1626). En 1628, il a construit un énorme Palazzo Barberini.

Giovanni Lorenzo Bernini (Giovanni Lorenzo Bernini; 1598-1680) - Le grand architecte et sculpteur italien, le plus grand représentant du baroque romain et tout italien. Fils du célèbre sculpteur Piero Bernini Lorenzo. Il a commencé à faire de la sculpture dans l'enfance. À l'âge de 17 ans, il pouvait déjà prendre une commande pour le buste de portrait de l'évêque de Santos, créé sur ses pierres tombales et à 20 ans - pour effectuer un portrait du pape Paul V. Après cela, il a passé plusieurs années pour Créer quatre grandes sculptures de marbre qui lui ordonna pour le jardin lorsque ses amoureux de palais d'art et de collectionneur Cardinal Wavena Borghese. Sa créativité est supposée être la norme d'esthétique baroque. Le travail le plus célèbre de Bernini est la Piazza San Pietro à Rome.

Francesco Bartolomeo Rastrelli (Francesco Bartolomeo Rastrelli; 1700-1771) - Le célèbre architecte russe d'origine italienne, architecture académicienne. Deux œuvres les plus célèbres: Ensemble monastère de Smolny et le palais d'hiver avec son célèbre escalier jordanien. Les célèbres projets de Kiev de Rastrelli sont le palais de Mariinsky et l'église Andreev à Kiev. Construit par ordre de l'impératrice Elizabeth Petrovna sous la direction de I.F. Michurina.

En Allemagne, un nouveau palais à San Sousi est un monument exceptionnel en Allemagne (auteurs - I.G. Bering, H.l. Mantter) et le palais d'été (G.V. Knobelsdorf).

FRANCOIS MANSAR. Architecte français, le plus grand maître baroque, le fondateur des traditions du classique en France. Père du classique français. De son nom, le mot "grenier" (il a constamment fait les chambres sous les toits). Les œuvres les plus célèbres sont: Église de Val de Gross, Château à Blois, Palais Meson-Luffit.

Ivan Petrovich Zarudny - L'artiste généralisé russe, l'un des fondateurs de la nouvelle direction dans l'art russe du XVS siècle, l'auteur du projet du temple d'Archange Gabriel sur des étangs pure. L'originalité du style architectural décisif de Moscou de cette période était que les deux de son option - Staromoskovskoye et Western Baroque - existaient comme simultanément. La tour de Menshikova est devenue un monument brillant à l'architecture de Novomoskovsk.

Pietro Berretini, surnommé Pietro da Corton (1596, Cortona - 1669, Rome), - L'un des plus grands décorateurs et architectes baroques. Son patron était le pape urbain viii. Très bonnes œuvres: Église Saint-Luc et Saint-Martina, la façade de Santa Maria della Patcha, Santa Maria à Via Lat.

Francesco Borrings. Son vrai nom est Castelli. Rival éternel Bernini. L'art de Borombini était une impersonnation du degré extrême d'individualisation créative. Déjà le plus tôt de son travail est un couloir dans le Garden Corps du ralentissement du Palazzo (1632-1638) avec une voûte basée sur deux rangées de colonnes toscanes situées le long des murs », une ingéniosité exceptionnelle est marquée. Créations remarquables: San Carlo Alla Kuattro Fontana, Sant-Ivo Alla Sapienza, Sant-Aniese à Agone.

Levo Louis est un architecte français, l'un des fondateurs du classique français. Était le premier architecte royal. Bâtiments Levo, le principal maître du classique français, se distingue par une élégance stricte, une planification de la difficulté à la difficulté, une richesse décorative de décoration d'intérieur (Hotel Lambert, de 1640, Collège de quatre nations, à partir de 1661, à la fois à Paris).

Création célèbre: Hotel Lambera, Palais à Versailles (était le principal enregistreur de cooparchie), Palais de Louvasky, V-le-Viscount.

Conclusion

La culture baroque occupe un énorme espace historique: Light XVI-Ser. XVIIIe siècles. Son apparence était un processus historiquement naturel préparé par le développement précédent. Nonodynakovo a trouvé son style de mise en œuvre dans divers pays, identifiant leurs caractéristiques nationales. Dans le même temps, il y avait des caractéristiques communes typiques de tout l'art européen pour toute la culture européenne: l'église dogmatismatique, qui a conduit à une religiosité accrue; une augmentation du rôle de l'État, de la laïcité, de la lutte de deux a commencé; émotivité accrue, théâtralité, exagération de tout; dynamique, impulsivité; Décoratif, peinture, excès d'éléments. Pour l'architecture, le baroque se caractérise par une portée spatiale, une muquie, une fluidité, des complexes, généralement des formes, des gradations, des pompes et de la dynamique, une élévation pathétique, de l'intensité des sentiments, de la dépendance aux spectacles spectaculaires, de combiner des contrastes illusoires et réels et réels et rythmes, matériaux et textures, lumière et ombre

Style baroque parfaitement habitué non seulement sur l'Europe occidentale, mais également sur le sol russe. Reproduit dans un arbre et de la pierre, il est devenu un symbole de luxe et de pompe, de redondance et d'excès.

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En Ukraine, baroque se caractérise par des caractéristiques particulières, notamment l'utilisation de traditions d'art populaire. Son style original a été le plus vivement manifesté dans l'architecture de la rive gauche et de Slobozhanchiny, réunis avec la Russie ...

Architecture en France XVIIe siècle. Problème de définition de style

En Italie, la Renaissance s'est répandue sur l'Europe, après avoir remporté le gothique. À la fin de la renaissance, le style a été appelé, appelé "baroque".
Maintenant, ce n'est pas si facile de voir les différences entre ces directions dans l'architecture.

Baroque (Ital. BAOCCO - "FREAKY", "ETRANGE", "PRONE À DES EXCESSES") - Style de peinture, architecture, littérature et musique des XVIIe XVIIIe siècles.

L'apogée du baroque est déterminée de deux siècles - entre la fin du XVI et la fin des XVIIIe siècles. Baroque (qui traduit de l'italien signifie littéralement fantaisie, étrange) était une naissance en Italie et couvrait rapidement la plupart des pays européens et de l'Amérique (principalement central et sud). Les principales caractéristiques de ce style sont devenues des tensions, du géantisme et de la saturation émotionnelle. Géométrie complexe, effets lumineux inattendus, une variété de motifs complexes et un décor luxuriant, où des espaces concaves sont remplacés de manière inattendue par convexe, sont venus au changement d'une époque plus détendue de l'harmonie de la renaissance tardive. Ils étaient systématiquement vaccinés par l'architecture de l'italien Michelangelo Buonotti (en retard) et de Vigola. Les deux dérangent les bâtiments du Vatican, qui est presque le symbole principal de ce style architectural.

Dans la conception d'intérieurs baroques, de sculptures, d'ornement sculpté, de peinture, de miroirs, de colonnes massives et d'escaliers sont utilisés. Matériaux Utilisez le travertin, la dolomie, le marbre, le basalte. Contrastes à l'échelle, jeu léger et ombre, couleurs profondes intenses (doré, rose, bleu) - tout cela crée une sensation d'illusion et de variabilité constante du monde. Depuis la gamme générale, vous pouvez affecter les architectes les plus vivants de cette époque. En Italie, il s'agit de Francesco Borombini (1599-1677), qui a commencé ses activités comme maçonner dans la cathédrale de Saint-Pierre, mais devint plus tard l'assistant Giovanni Lorenzo Bernini (1598-1680) Michelangelo Buonotti, et Pietro et Corton. En France - François Mansar (1598-1666) et Louis Levo (1612-1648), qui travaillaient pour Louis XIV, en Autriche - Johann Bernhard Fisher von Erlah et son fils (auteurs du chef du chef de Vienne de Schönbrunn et de Karleskirche). En Autriche, c'est Johann Bernhard Fisher von Erlah et son fils (ce sont les auteurs du palais de Vienne de Schönbrunn et de Karlskirm), en République tchèque - Francesco Karatti (Auteur du palais de Tcherninsky), en Russie - Ukhtomsky Dmitry Vasilyevich (1719-1774). De nombreux échantillons baroques sur le territoire de la Pologne actuelle et de l'Ukraine (discours compulculeux). Certains d'entre eux ont été construits par des architectes italiens selon l'église romaine, l'île Jesu.

L'architecture baroque a engendré de nouvelles tendances progressives dans la création d'ensembles Urban et Garden-Park. Les bâtiments deviennent un seul entier avec des territoires environnants. Le paysage environnant décorez des groupes de fontaines avec des sculptures majestueuses, dans les jardins, ils ont mis des performances théâtrales dans le ciel ouvert. Le style lui-même oblige la création de spectacles spectaculaires, l'atmosphère sur le point d'illusions et de la réalité.

Baroque - excède la culture. Les exporteurs de cet excès - plient et courbure. Si la surface lisse du mur commence soudainement à prendre, comme une vague, est un baroque. Baroque (suivant l'une de ses branches - Mannerism) a développé de nombreux nouveaux types de bâtiments. C'est un palais de la ville majestueux, un monastère baroque, une villa de campagne avec un palais et un jardin baroque.

Baroque est une attraction matérialisée pour une frappe inhabituelle et incroyable. De ce style, nous avons eu une architecture de paysage, des jardins et des parcs avec des sculptures géantes et des masques grotesques, des théâtres de plein air, des bâtiments inhabituels avec des détails exotiques. Baroque recueille inhabituelle et merveilleuse. Gravures, minéraux, plantes de richesses. Pour les premières collections de musée, on crée des armoires individuelles.

À propos des jardins à en dire surtout. Les bâtiments baroques cherchent à impliquer la zone devant le palais ou le jardin devant le monastère. Le bâtiment existe avec les territoires environnants et non en soi.

L'homme baroque (et l'architecte, y compris), était typique des questions sur le périphérique du monde et cette réponse n'était souvent pas dans les sphères divines. Les architectes baroques et les sculpteurs sont maintenant confondus avec impatience par l'Ecstasy Divin avec Human. Dans la célèbre sculpture de "Ecstasy Sainte Teresa" Bernini, Bernini a une expression aussi langoureuse que même les contemporains riaient de lui.

En Russie, l'apogée du style baroque représente la seconde moitié du XVIIIe siècle, tandis qu'en Europe, la transition vers le classique survient déjà. Comme d'autres styles, baroques en Russie a acquis une sorte d'identité, à cet égard, une telle période est apparue comme "baroque russe" et était différente de la structure européenne plus simple compositions architecturales. Dans le même temps, les architectes russes ont activement utilisé des contrastes de couleur vif et colorés de couleur, y compris la dorure. En tant que matériaux de finition, afin de poursuivre la peinture, la préférence est donnée au plâtre et au plâtre. Par conséquent, les couleurs deviennent plus brillantes et riches: rouge, bleu, jaune en combinaison avec blanc. Le décor de stuc utilise la modélisation sous la forme d'un ornement dans un style traditionnellement russe. Pour la décoration de différentes parties de l'intérieur, ainsi que la toiture applique une technique de dorure.

À la fin du XVIIe XVIIe XVIIIe siècle, la baroque russe a été divisée en de nombreux courants: "Moscou" baroque, "Naryshkinskoye" baroque, les suivant - "Stroganovskoye" et "Golitsyn". De tels titres sont apparus en raison des noms des personnes, sous lesquels les objets les plus significatifs de l'époque ont été construits. Il y a même "baroque d'Ural" et "baroque sibérienne".

La personnification la plus frappante du baroque était les ensembles de palais de Saint-Pétersbourg, Peterhof et le village de Tsarsky, le luxe et l'échelle dont on ne trouve pas égal à l'Europe. L'un des architectes exceptionnels de cette époque devient le fondateur du baroque Elizabéthan.

Au milieu du XVIIIe siècle, un rococo encore plus sophistiqué et éclectique vient à remplacer baroque.

Texte: Julia Chernikov