Compositeur Schoenberg. Arnold Schoenberg

21.11.2020

; le principal représentant et fondateur de l'une des directions de la musique moderne "sérieuse", qui se distingue par la complexité du langage et la dissonance du son - il est connu sous les noms de musique "atonale" ou "12 tons" (les termes "dodécaphonie" et "technique sérielle" sont également utilisés). Schoenberg est né le 13 septembre 1874 à Vienne. Jusqu'en 1925, il vécut principalement à Vienne. En 1925, il devient professeur de composition à l'Académie prussienne des arts de Berlin et y travaille jusqu'en 1933. Après avoir quitté l'Allemagne, il s'installe aux États-Unis, où il enseigne d'abord au Conservatoire Malkin de Boston, à partir de 1935 - à l'Université de Californie du Sud, à partir de 1936 - à l'Université de Californie, Los -Angeles. Schoenberg est décédé à Brentwood, en Californie, le 13 juillet 1951.

Schoenberg était un merveilleux enseignant, qui a contribué à la large diffusion de ses idées; il créa toute une école de composition (la soi-disant nouvelle école viennoise), qui réunissait des musiciens remarquables tels que A. von Webern, A. Berg, E. Kschenek, E. Velles et G. Eisler. Le célèbre manuel d'harmonie publié par Schönberg en 1911 ( Harmonielehre), a fait la plus forte impression qu'il a exposé la doctrine traditionnelle de l'harmonie du point de vue non pas d'un instituteur, mais d'un compositeur moderne agissant.
voir également HARMONIE.

Les origines de la musique de Schoenberg sont dans l'art romantique tardif de R. Wagner, A. Bruckner, R. Strauss et G. Mahler. De telles influences sont si évidentes que les critiques négligent souvent trois autres qualités importantes du style de Schoenberg qui s'opposent à la tradition romantique. Premièrement, les romantiques ultérieurs ont développé leurs pensées musicales dans un tissu harmonique dense et riche, tandis que Schoenberg, à l'exception de quelques premières compositions (par exemple, Chants de Gurre, Gurrelieder, pour solistes, trois chœurs et un orchestre, 1910-1911), préféraient une présentation laconique de l'idée, sans répétitions inutiles, et une texture claire et parfaitement audible. Deuxièmement, Schoenberg possédait un état d'esprit positif, et donc même ses œuvres les plus romantiques (comme le premier sextet Nuit éclairée, Verklärte Nacht, op. 4) se distinguent par un développement logique et une clarté structurelle. Troisièmement, la technique polyphonique de Schoenberg est caractérisée par la confiance et la virtuosité, le rapprochant non pas des romantiques mentionnés ci-dessus, mais plutôt de J. Brahms.

Bien que tout le parcours du compositeur soit un mouvement cohérent dans la direction choisie, il est d'usage de distinguer trois périodes (ou styles) de Schoenberg. Les œuvres de la première période (op. 1-10, 12-14) démontrent une complication progressive du langage, une augmentation de la dissonance, mais elles contiennent encore une tonalité traditionnelle et, dans une certaine mesure, une harmonie fonctionnelle traditionnelle. En commençant par des pièces pour piano, op. 11, écrit plus tard op. 14, le compositeur s'est efforcé d'éviter les séquences diatoniques et a utilisé les douze tons de l'échelle chromatique comme égaux, c'est-à-dire fait aucun d'eux le centre tonal. La troisième période commence par l'op. 23: la gravitation du compositeur vers une organisation claire de la matière musicale donne vie à une méthode plus universelle et plus rigide que les moyens qu'il utilisait auparavant. La méthode consiste à organiser les douze tons qui composent une octave en une séquence mélodique, où chaque son n'est pas utilisé plus d'une fois. Cette séquence est appelée «série» ou «série». Pour chaque composition, une «ligne» est généralement choisie, elle peut être développée à l'aide de différents types de mouvements (transpositions) et de variations, mais l'ensemble de la composition est nécessairement construite à partir d'une «ligne» donnée.

Il reste à énumérer les œuvres fondamentalement importantes de Schoenberg, en plus de celles mentionnées ci-dessus - un poème symphonique pour orchestre Pelléas et Mélisande (Pelleas und Melisande), op. cinq; Symphonie de chambre (Kammersymphonie) op. neuf; Quinze poèmes du livre de Stefan Gheorghe "Le livre des jardins suspendus" (Fünfzehn Gedichte aus Stefan George "s" Das Buch der hängenden Gärten "), op. quinze; opéra en un acte Main heureuse (Die glückliche main), op. 18; Six petites pièces pour piano (Sechs kleine Klavierstücke), op. dix-neuf; Pierrot lunaire (Pierrot lunaire) - vingt et un poème pour un lecteur et huit instruments, op. 21; Cinq pièces pour piano (Fünf Klavierstücke), op. 23; Suite piano, op. 25; Quintette pour bois et cors, op. 26; variations pour orchestre, op. 31; Accompagnement musical à la scène du film (Begleitungsmusik zu einer Lichtspielszene), op. 34; op. 34; Ode à Napoléon (Ode à Napoléon Bonaparte) pour narrateur, quatuor à cordes et piano, op. 41; concert pour piano et orchestre, op. 42; quatre quatuors à cordes, op. 7, 10, 30, 37.

Le plus grand expressionniste de la musique, il était terrifié par le nombre 13, même après avoir mis au point une technique spéciale, la dodécaphonie, composée de seulement 12 tons. Combattre sa phobie, il essaya de devenir protestant, mais retourna bientôt au judaïsme, consacrant les 15 dernières années de créativité à des thèmes juifs. Et pourtant, attendant avec horreur son 76e anniversaire, puisque la somme des nombres a donné un 13 mystique, le célèbre chef d'orchestre et compositeur Arnold Schoenberg est décédé le vendredi 13 juillet 1951, ayant réussi à prononcer un seul mot ce jour-là - «harmonie».

Il n'a commencé à étudier le violon qu'à l'âge de 12 ans. Les raisons d'une telle introduction tardive à la musique du garçon, né en 1874 dans une famille juive viennoise, où sa mère était d'ailleurs professeur de piano, résidaient dans une masse de problèmes d'une importance capitale. Son père est mort alors qu'Arnold n'avait même pas huit ans. Pour exister d'une manière ou d'une autre, il a dû aider sa mère et entreprendre un travail plus ou moins rémunéré dès son plus jeune âge.

Il n'a donc commencé à jouer du violon que lorsqu'il a commencé à visiter une vraie école. De plus, n'ayant pas d'argent pour un professeur professionnel, Arnold lui-même a appris les bases du jeu. Cela ne l'empêcha cependant pas de composer bientôt ses propres petits duos de violon, puis même des trios et quatuors. Déterminé à devenir compositeur, il quitte l'école. Cela a également été facilité par sa connaissance du compositeur et chef d'orchestre Alexander Tsemlinsky, qui a introduit Schoenberg dans le cercle des musiciens. Des activités communes régulières se sont rapidement transformées en amitié, puis en parenté, lorsque Schoenberg a épousé la sœur de Zemlinsky.

Déjà en 1898, l'un des ensembles de chambre viennois interprète son jeune quatuor, qui connaît un succès considérable. Mais ses premières chansons (Lieder, par exemple) pour une raison quelconque ont semé la confusion et même un scandale. Apparemment, pendant la période d'engouement général et passionné pour Wagner, leur humeur lyrique était considérée comme insolente. Cependant, malgré les attaques de colère de certains critiques, romantiques par nature, Schoenberg continue néanmoins ses expériences poétiques et musicales. Et bientôt un sextet à cordes magnifiquement texturé "The Night of Enlightenment" est né. C'est lui qui est considéré comme le premier ouvrage où Schoenberg s'est révélé être un vrai maître.

À propos du Wagner mentionné. Bien sûr, au moment de composer ses premières œuvres, Schoenberg n'a même pas pensé à s'opposer à sa musique. Il l'admirait comme la plupart des musiciens de l'époque. Mais, apparemment, une sorte de protestation inconsciente et pas encore significative était toujours présente. Et les critiques avaient raison quand ils ont évalué ses premières œuvres comme allant à l'encontre des principes posés par Wagner. Après tout, plus tard, Schoenberg créera vraiment, pour protester contre la menace imminente du fascisme, l'opéra "Moïse et Aaron", conçu comme un antipode aux œuvres de Wagner, jadis adoré par lui.

Dans les opéras de Wagner, le héros est celui qui possède le pouvoir, et peu importe que ce soit un personnage positif ou négatif - les héros «aryens» avaient tout permis. Dans l'opéra Moïse et Aaron (qui est basé sur l'épisode où Moïse est allé au Sinaï pour les dix commandements), les héros de Schönberg gagnent uniquement en raison de leur haute moralité et de la pureté de leurs pensées. Il vaut mieux, bien entendu, confier la description de toute la majesté et la signification de ce travail à des professionnels. Mais il convient de mentionner que l'opéra est devenu l'œuvre la plus ambitieuse de Schoenberg, composée par lui dans la technique dodécaphonique. La technique qu'il a créée, y compris sous le joug de sa phobie. Cela se reflète également dans le titre de l'opéra. En effet, au lieu du bon "Moïse et Aaron" ("Moïse et Aaron"), le nombre de lettres dans lequel est 13, il l'a appelé "Moïse et Aaron" ("Moïse et Aron"), souhaitant éviter le nombre malchanceux dans le nom.

L'opéra sortira en 1932, alors que Schoenberg était déjà un compositeur reconnu, un enseignant, un musicologue, un chef d'orchestre, un publiciste et même un artiste célèbre, dont le portfolio contenait environ trois cents dessins. Mais c'était le résultat de dix années de travail vraiment minutieux. Avance rapide à nouveau jusqu'en 1898. Avant de réaliser tout cela, Schoenberg, qui venait de présenter ses premières œuvres au public, devait d'abord se prononcer sur la question des gains. Et comme le manque d'argent, en règle générale, est toujours un obstacle à la créativité, il dirigeait des chœurs et de petits orchestres, était engagé dans l'orchestration de la musique théâtrale de quelqu'un d'autre, des transcriptions - en un mot, il était heureux de tout travail.

Il ne revient à l'écriture qu'en 1903, devenant chef d'orchestre et professeur au Conservatoire Stern de Berlin. À partir de ce moment, sa renommée d'enseignant a commencé à grandir. Il écrit des ouvrages théoriques dont l'un est sa fameuse «Doctrine de l'Harmonie». Sa musique est devenue populaire, et au début des années 20, il a inventé une nouvelle méthode - la dodécaphonie, essayée pour la première fois par lui dans la "Sérénade". Bien sûr, comme tout ce qui est innovant, la méthode a été immédiatement critiquée, mais, comme le temps l'a montré, c'est lui qui a eu la plus grande influence sur la musique classique européenne et américaine du XXe siècle.

Schoenberg a émigré en Amérique en 1933, après l'arrivée des nazis au pouvoir en Allemagne. Bien qu'il ait prêté attention à la sinistre figure d'Hitler bien plus tôt. Et quand Wassily Kandinsky s'est permis de parler négativement des Juifs et de manière encourageante d'Hitler, dont les idées, à son avis, «peuvent guérir l'esprit de la nation», Schoenberg était indigné à l'extrême. Kandinsky, essayant de régler les relations dans une lettre de réponse, a souligné que c'était Schoenberg qui était un «bon juif», et tout ce qui précède ne s'applique pas à lui. Mais le compositeur lui objecta: "Ne voyez-vous pas qu'il prépare une nouvelle nuit de la Saint-Barthélemy et dans l'obscurité de cette nuit personne ne remarquera que Schoenberg est un bon juif?"

Immédiatement après l'émigration, Schoenberg s'est converti au judaïsme et est devenu l'un des antifascistes les plus implacables, incarnant sa solidarité avec les opprimés dans son «Ode à Napoléon». Mais l'une des œuvres les plus marquantes de Schoenberg sur le thème juif est "Le survivant de Varsovie". De plus, dans le contexte d'un chœur et d'un orchestre d'hommes, Schoenberg a attribué le rôle principal au lecteur, car, à son avis, «aucun chant ne peut exprimer toute l'horreur de ce qui a été vécu par les prisonniers». L'œuvre, écrite par lui sur une seule impulsion après les faits de la torture inhumaine des prisonniers du ghetto, a choqué le compositeur, se termine par une scène de Juifs mourant, chantant "Shema Israel", interprétée par un chœur d'hommes en hébreu.

Avec l'âge, les œuvres spirituelles de Schönberg ont pris une place généralement distincte et très significative dans son œuvre. Il a accueilli chaleureusement la création de l'État d'Israël et a même l'intention de déménager à Jérusalem, a légué sa bibliothèque et ses manuscrits à la Bibliothèque nationale juive. Et peu de temps avant sa mort, il est devenu président honoraire de l'Académie israélienne de musique.

La mort l'a trouvé dans des circonstances très inhabituelles. Il attendait avec horreur son 76e anniversaire, car la somme des chiffres donnait un nombre si terrible et mystique 13. Cependant, deux mois avant son anniversaire, à la veille du vendredi 13 juillet 1951, il dit à sa femme qu'il mourrait demain. Il resta couché toute la journée en silence. Peu avant la fin de la journée, sa femme a dit que tout était fini, qu'il n'était pas mort et qu'il pouvait se lever. A ce moment, il ne prononça que le mot «harmonie» et mourut. C'est peut-être une légende, mais l'heure de la mort d'Arnold Schoenberg mentionnée partout est de 23 heures 47 minutes. Heure 13 minutes avant minuit.

Article régulier

A. Schoenberg. Los Angeles, 1948
Arnold Schoenberg
Arnold Franz Walter Schoenberg
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Schoenberg, Arnold (Schönberg, Arnold; 1874, Vienne, - 1951, Los Angeles) - compositeur, théoricien de la musique, professeur et peintre, l'un des fondateurs de l'expressionnisme et l'auteur du système dodécaphone en musique, chef de la soi-disant New Vienna School.

premières années

Né dans la famille d'un pauvre homme d'affaires. Enfant, il apprend à jouer du violon et du violoncelle, joue dans des orchestres amateurs et compose des pièces musicales, ne connaissant pas les bases de la composition au début; seulement à l'âge de 16 ans, Schoenberg a commencé à étudier la musique systématiquement.

En 1891, il sortit d'un vrai gymnase et partit travailler dans une banque privée, mais après quelques années, il quitta la banque et se consacra entièrement à la musique. Son professeur était le compositeur et chef d'orchestre A. von Zemlinsky, qui donna des cours de polyphonie à Schoenberg. En 1895-99. a dirigé un chœur d'ouvriers dans la banlieue de Vienne.

En 1898, Schoenberg se convertit au christianisme (l'une des dénominations protestantes) et, en 1901, il épousa la sœur de son professeur, Matilda von Zemlinskaya.

Travail au début du 20e siècle

En 1901-1903. a vécu à Berlin, dirigé un orchestre dans un cabaret littéraire et donné des cours particuliers. À partir de 1903, il enseigne dans l'une des écoles de musique viennoises.

En 1911, Schoenberg a rencontré V. Kandinsky, qui a grandement influencé la vision du monde artistique des deux. Schoenberg était également connu comme un artiste: en 1911, il a montré son travail pour la première fois à l'exposition du groupe d'artistes "Blue Horseman" à Berlin, exposé à Vienne, dans d'autres villes, parfois avec Kandinsky.

En tant que chef d'orchestre, Schoenberg a donné des concerts à Berlin, Vienne, Amsterdam, Londres, Saint-Pétersbourg) et dans de nombreuses autres villes, mais il n'a jamais eu de revenus permanents (même une lettre de Schoenberg à G.Maler, datant de 1910, avec une demande sur l'assistance matérielle).

Pendant la Première Guerre mondiale, il a servi dans l'armée autrichienne. Depuis 1925, à l'initiative de L. Kestenberg, il est invité au poste de professeur à l'Académie prussienne des arts de Berlin, d'où il est licencié en 1933 avec l'arrivée au pouvoir des nazis.

Pendant le nazisme

Il a émigré en France.

En 1941, Schoenberg a reçu la nouvelle de la mort de son frère, resté en Autriche, et en 1942, une Ode à Napoléon a été écrite aux paroles de J.G. Byron, dans laquelle l'exposition du mal, de la violence, du meurtre d'innocents évoque des associations claires avec la Shoah les événements de la Seconde Guerre mondiale; La brochure de Byron, écrite en 1814, sonne dans cette interprétation comme un véritable travail anti-nazi.

Le texte de la cantate Survivor of Warsaw (1947; pour lecteur, chœur et orchestre), écrite par le compositeur lui-même, reproduit l'histoire de l'un des rares prisonniers survivants du ghetto de Varsovie. Les mots de Shema sont tissés dans le tissu de la pièce. La pièce est extrêmement laconique - seulement six minutes et demie; les techniques expressionnistes de la parole musicale sont aiguisées en lui à la limite.

Autres œuvres de Schoenberg sur le thème juif - "Le psaume moderne" (non terminé), "Des profondeurs" (1950; dans le psaume 130 pour chœur), le chœur "Trois fois en mille ans" (1950; paroles de D. Runes), etc. ...

Motifs sionistes

Au fil des années (1926–51), Schoenberg a écrit le drame La Voie Biblique sur le retour des Juifs dans leur patrie historique et sur l'avenir de l'État juif ressuscité. Schoenberg n'était pas étranger aux buts sionistes. En 1923, il écrivit: «J'ai été forcé de comprendre et de me souvenir à jamais que je ne suis pas allemand, ni européen, mais que je suis juif».

Il s'est intéressé, en particulier, au concept de V. Zhabotinsky et à ses œuvres. Il a publié des articles d'orientation sioniste: «Israélites et Juifs» (1923), «Concernant le sionisme» (1924), «La question juive» (1933), «Notes sur la politique envers les Juifs» (1933), «Un programme pour la juiverie des quatre paragraphes »(début des années 40) et autres.

Schoenberg a salué la naissance de l'État d'Israël et a contribué à la création d'un centre de formation à Jérusalem, avec lequel, selon son plan, les plus grandes figures musicales juives devaient coopérer.

Nouvelle école viennoise

Schoenberg - fondateur et directeur de la soi-disant New Vienna School, qui est née comme une communauté créative du compositeur et de ses étudiants - A. Berg et A. Webern; l'école a déterminé les voies de développement de l'art musical moderne.

Schoenberg était l'un des plus grands professeurs de musique du XXe siècle, parmi ses élèves, en plus de Berg et Webern, étaient E. Welles (1885-1974), H.Eisler (1898-1962), R. Komin (1896-1978), R. Serkin et autres. Beaucoup des plus grands compositeurs du XXe siècle - B. Bartok, I. Stravinsky, S. Prokofiev, D. Shostakovich, P. Hindemith - ont expérimenté l'influence de la musique et les enseignements de Schoenberg et ont utilisé la technique de composition du dodécaphone.

Travaux théoriques

Les travaux théoriques de Schönberg incluent The Doctrine of Harmony (1911), A Guide for Beginner Compositers (1943), Style and Idea (1950), Structural Functions of Harmony (1954), Foundations of Composition (1967) et autres.

Schoenberg a légué sa bibliothèque et ses manuscrits à la Bibliothèque nationale et universitaire juive de Jérusalem. Peu de temps avant la mort de Schoenberg, l'Académie israélienne de musique l'a élu président d'honneur.

Sources

KEE, volume 10, col. 158-161

Notification: La base préliminaire de cet article était l'article

La nouvelle musique a envahi toutes les ténèbres et la culpabilité du monde. Tout son bonheur est de connaître la misère; toute sa beauté est de renoncer à l'apparence de la beauté.
T. Adorno

A. Schoenberg est entré dans l'histoire de la musique du XXe siècle. en tant que créateur du système de composition dodécaphone. Mais l'importance et l'ampleur des activités du maître autrichien ne se limitent pas à ce fait. Schoenberg était une personne aux multiples talents. C'était un professeur brillant qui a élevé toute une galaxie de musiciens modernes, y compris des maîtres célèbres comme A. Webern et A. Berg (avec leur professeur, ils ont formé la soi-disant école Novovensk). C'était un peintre intéressant, ami de O. Kokoschka; ses peintures sont apparues à plusieurs reprises lors d'expositions et imprimées dans des reproductions dans le magazine munichois "Blue Horseman" avec les œuvres de P. Cezanne, A. Matisse, V. Van Gogh, B. Kandinsky, P. Picasso. Schoenberg était un écrivain, poète et écrivain en prose, l'auteur des textes de plusieurs de ses œuvres. Mais avant tout, c'était un compositeur qui a laissé un héritage significatif, un compositeur qui a traversé un chemin très difficile, mais honnête et sans compromis.

Le travail de Schoenberg est étroitement lié à l'expressionnisme musical. Il est marqué par l'intensité des émotions et l'acuité de la réaction au monde qui les entoure qui a caractérisé de nombreux artistes contemporains qui ont créé dans une atmosphère d'angoisse, d'anticipation et d'accomplissement de terribles cataclysmes sociaux (Schönberg était uni à eux par un destin de vie commun - errance, désordre, perspective de vivre et de mourir loin de la patrie. ). L'analogie la plus proche de la personnalité de Schoenberg est peut-être le compatriote et contemporain du compositeur, l'écrivain autrichien F. Kafka. Tout comme dans les romans et nouvelles de Kafka, dans la musique de Schoenberg, une perception exacerbée de la vie se condense parfois en obsessions fébriles, des paroles sophistiquées frisant le grotesque, se transformant en cauchemar spirituel dans la réalité.

Créant son art difficile et profondément enduré, Schoenberg était ferme dans ses convictions fanatiques. Toute sa vie, il a suivi le chemin de la plus grande résistance, combattant le ridicule, l'intimidation, les malentendus sourds, les insultes endurantes, le besoin amer. «En 1908, Vienne - la ville des opérettes, des classiques et du romantisme pompeux - Schoenberg a nagé à contre-courant», écrit G. Eisler. Ce n'était pas un conflit ordinaire entre un artiste innovateur et l'environnement philistin. Il ne suffit pas de dire que Schoenberg était un innovateur qui s'est fait une règle de ne dire en art que ce qui n'avait pas été dit avant lui. Selon certains chercheurs de ses travaux, le nouveau est apparu ici dans une version condensée extrêmement spécifique, sous la forme d'une certaine essence. L'impressionnabilité trop concentrée, exigeant une qualité adéquate de l'auditeur, explique la difficulté particulière de la musique de Schönberg pour la perception: même dans le contexte de ses contemporains radicaux, Schoenberg est le compositeur le plus «difficile». Mais cela ne nie pas la valeur de son art, subjectivement honnête et sérieux, se rebellant contre la douceur vulgaire et le clinquant léger.

Schoenberg a combiné la capacité de ressentir fort avec une intelligence impitoyablement disciplinée. Il doit cette combinaison à un tournant. Les jalons de la vie du compositeur reflètent un effort constant allant des déclarations romantiques traditionnelles dans l'esprit de R. Wagner (compositions instrumentales «La nuit éclairée», «Pelléas et Mélisande», la cantate «Chants de Gourre») à une nouvelle méthode de création rigoureusement vérifiée. Cependant, le pedigree romantique de Schoenberg s'est également fait sentir plus tard, donnant une impulsion à l'excitation accrue, à l'expressivité hypertrophiée de ses œuvres au tournant de 1900-10. Tel est, par exemple, le monodrame «Waiting» (1909, monologue d'une femme qui est venue dans la forêt à un rendez-vous avec son amant et l'a trouvé mort).

Le culte post-romantique du masque, l'affectation raffinée à la manière du «cabaret tragique» se ressentent dans le mélodrame «Pierrot Moonlight» (1912) pour voix de femme et ensemble instrumental. Dans cette œuvre, Schoenberg a été le premier à incarner le principe du soi-disant chant vocal (Sprechgesang): bien que la partie solo soit fixée dans la partition par des notes, son échelle de hauteur est approximative - comme dans la déclamation. Tant «Waiting» que «Pierrot of the Moon» sont écrits d'une manière atonale correspondant à un nouveau casting d'images extraordinaire. Mais la différence entre les œuvres est également significative: l'orchestre-ensemble avec ses couleurs maigres mais expressives différenciées attire désormais le compositeur plus que la composition orchestrale complète du type romantique tardif.

Cependant, l'étape suivante et décisive sur la voie d'une écriture strictement économique a été la création d'un système de composition à douze tons (dodécaphonique). Les œuvres instrumentales de Schoenberg des années 1920 et 1940, telles que Suite pour piano, Variations pour orchestre, concertos, quatuors à cordes, sont basées sur une série de 12 sons non récurrents, pris en quatre versions principales (une technique qui remonte à l'ancienne variation polyphonique ).

La méthode de composition dodécaphonique a gagné de nombreux admirateurs. La résonance de l'invention de Schoenberg dans le monde culturel a été mise en évidence par la «citation» de celle-ci par T. Mann dans le roman «Docteur Faustus»; il parle aussi du danger du «froid intellectuel» qui guette le compositeur utilisant un style de créativité similaire. Cette méthode n'est pas devenue universelle et autosuffisante - même pour son créateur. Plus précisément, il ne l'était que dans la mesure où il n'interférait pas avec la manifestation de l'intuition naturelle du maître et de l'expérience musicale et auditive accumulée, ce qui entraînait parfois - malgré toutes les «théories d'évitement» - diverses associations avec la musique tonale. La séparation du compositeur avec la tradition tonale n'était pas du tout irrévocable: la maxime bien connue du «défunt» Schoenberg selon laquelle on peut encore dire beaucoup en ut majeur le confirme pleinement. Immergé dans les problèmes de la technique de composition, Schoenberg était en même temps loin de l'isolement du fauteuil.

Les événements de la Seconde Guerre mondiale - la souffrance et la mort de millions de personnes, la haine des peuples envers le fascisme - y résonnaient avec des intentions très significatives de compositeurs. Ainsi, "Ode à Napoléon" (1942, à la gare de J. Byron) est un pamphlet en colère contre le pouvoir tyrannique, l'ouvrage est plein de sarcasmes meurtriers. Le texte de la cantate Survivor of Warsaw (1947), peut-être l'œuvre la plus célèbre de Schoenberg, reproduit l'histoire vraie de l'une des rares personnes à avoir survécu à la tragédie du ghetto de Varsovie. L'œuvre transmet l'horreur et le désespoir des derniers jours des prisonniers du ghetto, se terminant par une ancienne prière. Les deux œuvres sont brillamment publicistes et sont perçues comme des documents de l'époque. Mais l'acuité publiciste de l'énoncé n'a pas éclipsé la tendance naturelle du compositeur à philosopher, aux problèmes du son supratemporel, qu'il a développé à l'aide d'intrigues mythologiques. L'intérêt pour la poétique et le symbolisme du mythe biblique s'est manifesté dès les années 30, en lien avec le projet de l'oratorio «L'échelle de Jacob».

Dans le même temps, Schoenberg a commencé à travailler sur une œuvre encore plus monumentale, à laquelle il a consacré toutes les dernières années de sa vie (cependant, il ne l'a jamais achevée). Il s'agit de l'opéra "Moïse et Aaron". La base mythologique du compositeur n'a servi que de prétexte à une réflexion sur des questions d'actualité de notre temps. Le motif principal de ce «drame des idées» est l'individu et le peuple, l'idée et sa perception par les masses. Le duel verbal continu de Moïse et Aaron représenté dans l'opéra est un conflit éternel entre un «penseur» et un «faiseur», entre un prophète-chercheur de vérité essayant de sortir son peuple de l'esclavage, et un orateur-démagogue qui, dans sa tentative de rendre une idée figurative visible et accessible en fait la trahit (l'effondrement de l'idée s'accompagne d'un effondrement des forces élémentaires, avec une luminosité surprenante incarnée par l'auteur dans l'orgiaque "Danse du veau d'or"). L'incompatibilité des positions des héros est soulignée musicalement: la belle partie d'opéra d'Aaron contraste avec la partie déclamatoire ascétique de Moïse, étrangère au chant d'opéra traditionnel. Le début oratoire est largement représenté dans l'œuvre. Les épisodes choraux de l'opéra, avec leurs graphismes polyphoniques monumentaux, remontent à la Passion de Bach. C'est ici que se révèle le lien profond de Schoenberg avec la tradition de la musique austro-allemande. Cette connexion, ainsi que l'héritage de Schönberg de l'expérience spirituelle de la culture européenne dans son ensemble, apparaît de plus en plus clairement dans le temps. Voici la source d'une évaluation objective de l'œuvre de Schönberg et l'espoir que l'art «difficile» du compositeur trouvera accès à un public le plus large possible.

Années d'activité Pays

L'Autriche

Les professions http://www.schoenberg.at/

Arnold Franz Walter Schönberg (il. Arnold Franz Walter Schoenberg , initialement Schönberg; 13 septembre - 13 juillet) - compositeur autrichien et américain, professeur, musicologue, chef d'orchestre. Le plus grand représentant de l'expressionnisme musical, le fondateur de la nouvelle école viennoise, l'auteur de techniques telles que la dodécaphonie (12 tons) et la technique sérielle.

Biographie

Il développe les mêmes traditions dans le poème Pelléas et Mélisande (1902-1903), la cantate Songs of Gurre (1900-1911) et le First String Quartet (). Le nom de Schönberg commence à prendre de l'importance. Il est reconnu par des musiciens aussi éminents que Gustav Mahler et Richard Strauss. En 1904, il commença à enseigner en privé l'harmonie, le contrepoint et la composition. La prochaine étape importante dans la musique de Schoenberg fut sa première symphonie de chambre (1906).

Au début des années 1920, il inventa une nouvelle «méthode de composition à 12 tons corrélés», largement connue sous le nom de «dodécaphonie», en l'essayant d'abord dans son op «Serenade». 24 (1920-1923). Cette méthode s'est avérée être la plus influente pour la musique classique européenne et américaine du XXe siècle.

L'une des réalisations les plus importantes de Schoenberg était son opéra inachevé sur le sujet biblique "Moïse et Aaron", commencé au début des années 30. Toute la musique de l'opéra est basée sur une série de 12 sons. La partie principale de Moïse est interprétée par le lecteur à la manière de Sprechgesang, le rôle d'Aaron est confié au ténor.

Tombe de Schönberg au cimetière central de Vienne

Tout au long de sa vie, Schoenberg a été actif dans l'enseignement et a éduqué une galaxie de compositeurs. Les plus importants d'entre eux sont Anton Webern, Alban Berg, Ernst Kschenek, Hans Eisler, Roberto Gerhard. Schoenberg a créé et dirigé une école entière de compositeurs connue sous le nom de New Vienna School. Hauer a écrit ses premières œuvres sous l'influence de la musique atonale de Schönberg. En ville, déjà en Californie, John Cage est devenu son étudiant privé. En plus d'enseigner, de composer de la musique, d'organiser des concerts et de jouer en tant que chef d'orchestre, Schönberg est également l'auteur de nombreux livres, manuels, études théoriques et articles. Entre autres, il peint des tableaux qui se distinguent par leur originalité et leur imagination fervente.

Un cratère sur Mercure porte le nom de Schoenberg.

Essais

2 Gesänge (2 chansons) pour baryton et piano, op. 1 (1897-1898)
4 Lieder (4 chansons) pour voix et piano, op. 2 (1899)
6 Lieder (6 chansons) pour voix et piano, op. 3 (1899/1903)
Verklärte Nacht (Nuit illuminée), op. 4 (1899)
"Songs of Gurre" pour solistes, chœur et orchestre (1900, orchestration 1911)
"Pelleas und Melisande", ("Pelleas and Melisande") op. 5 (1902/03)
8 Lieder (8 chansons) pour soprano et piano, op. 6 (1903/05)
1er Quatuor à cordes, ré mineur, op. 7 (1904/05)
6 Lieder (6 chansons) avec orchestre, op. 8 (1903/05)
Kammersymphonie no. 1 (Première symphonie de chambre), op. 9 (1906)
Deuxième quatuor à cordes en fa dièse mineur (avec soprano), op. 10 (08/1907)
3 Stücke (3 pièces) pour piano, op. 11 (1909)
2 Balladen (2 Ballads) pour voix et piano, op. 12 (1906)
Friede auf Erden (Paix sur Terre), op. 13 (1907)
2 Lieder (2 morceaux) pour voix et piano, op. 14 (08/1907)
15 Gedichte aus Das Buch der hängenden Gärten

(15 poèmes du "Livre des jardins suspendus" de Stefan Gheorghe), op. 15 (1908/09)

Fünf Orchesterstücke (5 pièces pour orchestre), op. 16 (1909)
Erwartung (The Expectation) Monodrame pour soprano et orchestre, op. 17 (1909)
"Die Glückliche Hand"

Drame avec musique pour chœur et orchestre, op. 18 (1910/13)

Trois petites pièces pour orchestre de chambre (1910)
Sechs Kleine Klavierstücke (6 petites pièces) pour piano, op. 19 (1911)
Herzgewächse (Runs of the Heart) pour soprano et ensemble, op. 20 (1911)
"Pierrot lunaire", 21 mélodrames

pour voix et ensemble sur des vers d'Albert Giraud, op. 21 (1912)

4 Lieder (4 chansons) pour voix et orchestre, op. 22 (1913/16)
5 Stücke (5 pièces) pour piano, op. 23 (1920/23)
Serenade (Serenade) pour ensemble et baryton, op. 24 (1920/23)
Suite pour piano, op. 25 (1921/23)
Quintette à vent, op. 26 (1924)
4 Stücke (4 pièces) pour choeur mixte, op. 27 (1925)
3 Satiren (3 Satires) pour choeur mixte, op. 28 (1925/26)
Suite, op. 29 (1925)
Troisième quatuor à cordes, op. 30 (1927)
Variations pour orchestre, op. 31 (1926/28)
"Von heute auf morgen" ("D'aujourd'hui à demain")

opéra en un acte pour 5 voix et orchestre, op. 32 (1929)

2 Stücke (2 pièces) pour piano, op. 33a (1928) et 33b (1931)
Begleitmusik zu einer Lichtspielszene

(Music to the Scene) pour orchestre, op. 34 (1930)

6 Stücke (6 pièces) pour chœur d'hommes, op. 35 (1930)
Concerto pour violon, op. 36 (1934/36)
4e quatuor à cordes, op. 37 (1936)
Kammersymphonie no. 2 (Deuxième symphonie de chambre), op. 38 (1906/39)
Kol nidre (Tous les vœux) pour chœur et orchestre, op. 39 (1938)
Variations sur récitatif pour orgue, op. 40 (1941)
Ode à Napoléon Bonaparte (Ode à Napoléon)

pour quintette à voix et piano, op. 41 (1942)

Concerto pour piano, op. 42 (1942)
Thème et variations pour fanfare, op. 43a (1943)
Thème et variations pour orchestre symphonique, op. 43b (1943)
Prélude de "Genesis" pour chœur et orchestre, op. 44 (1945)
Trio à cordes, op. 45 (1946)
Un survivant de Varsovie, op. 46 (1947)
Fantaisie pour violon et piano, op. 47 (1949)
3 morceaux (3 morceaux) pour voix profonde et piano op. 48 (1933-1943)
3 chansons folkloriques (3 chœurs - chansons folkloriques allemandes), op. 49 (1948)
Dreimal tausend Jahre (Trois fois mille ans) pour chœur mixte, op. 50a (1949)
Psaume 130 "De profundis" ("From the Depths") pour chœur mixte, op. 50b (1949-1950)
"Psaume moderne" ("Psaume moderne")

pour lecteur, chœur mixte et orchestre op. 50c (1950, inachevé)

"Moses und Aron" ("Moses and Aaron") Opéra en trois actes (1930-1950, inachevé)

Œuvres musicologiques

Schoenberg A. Style et pensée. Articles et matériaux / Comp., Per., Commentaires. N.O. Vlasova et O. V. Loseva. M., 2006. ISBN 5-85285-838-2
Schoenberg, Arnold. Fonctions structurelles de l'harmonie... (Traduit par Leonard Stein) New York, Londres: W. W. Norton and Company. 1954, 1969 (révisé). ISBN 0-393-00478-3.
Schoenberg, Arnold (traduit par Roy E. Carter). Harmonielehre (titre traduit Théorie de l'harmonie). Berkeley, Los Angeles: University of California Press. Publié à l'origine en 1911. Traduction basée sur Third Ed. de 1922, publié en 1978. ISBN 0-520-04945-4.
Schoenberg, Arnold (édité par Leonard Stein). Style et idée... Londres: Londres, Faber & Faber. ISBN 0-520-05294-3. Quelques traductions de Leo Black; il s'agit d'une édition augmentée de la publication de 1950 Philosophical Library (New York) éditée par Dika Newlin. Le volume porte la note Plusieurs des essais ... ont été écrits à l'origine en allemand dans les deux éditions.
Schoenberg, Arnold (édité par Gerald Strang et Leonard Stein). Fondamentaux de la composition musicale... Éditeurs de musique Belmont
Schoenberg, Arnold. Die Grundlagen der musikalischen Komposition... Édition universelle
Schoenberg, Arnold. Exercices préliminaires en contrepoint... Los Angeles: Belmont Music Publishers 2003

voir également

Littérature

Sollertinsky I.I. Arnold Schoenberg. L., 1934.
Vlasova N.O. Créativité d'Arnold Schoenberg. M., 2007. ISBN 978-5-382-00367-2.
Ryzhinsky A.S. Créativité chorale d'Arnold Schoenberg. M., 2010. ISBN 978-5-9973-0966-4.
Vitol I., La doctrine de l'harmonie ("Harmonielehre") d'Arnold Schoenberg, "Contemporary Musical", 1915, n ° 2.
Roslavets N., "Pierrot de la Lune" d'Arnold Schoenberg, "Vers de nouveaux rivages", 1923, n ° 3.
Karatygin V., Arnold Schoenberg, "Rech", 1912, n ° 339, le même, dans la collection: V. G. Karatygin. Vie, activité, articles et matériaux, vol. 1, L., 1927.
Igor Glebov [Asafiev BV], A. Schoenberg et son "Gurre-Lieder", [Annexe au programme symphonique. concert 7 XII 1927], L., 1927, le même, dans la collection: Asafiev BV, Articles critiques, essais et revues. De l'héritage de la fin des dixièmes - début des années trente, L., 1967.
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Kremlev Y., Essais sur la créativité et l'esthétique de la nouvelle école viennoise, L., 1970.
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Druskin M., Expressionnisme autrichien, dans son livre: About Western European Music of the XX century, M., 1973.
Shakhnazarova N., Sur les vues esthétiques de Schoenberg, dans la collection: La crise de la culture et de la musique bourgeoises, vol. 2, M., 1973.
Shakhnazarova N., Arnold Schoenberg - "Style and Idea", dans le livre: Problems of Musical Aesthetics, M., 1974.
Auner, Joseph. Un lecteur Schoenberg. Presse universitaire de Yale. 1993. ISBN 0-300-09540-6.
Brand, Julianne; Hailey, Christopher; et Harris, Donald, éditeurs. La correspondance Berg-Schoenberg: quelques lettres. New York, Londres: W. W. Norton and Company. 1987. ISBN 0-393-01919-5.
Shawn, Allen. Le voyage d'Arnold Schoenberg. New York: Farrar Straus et Giroux. 2002. ISBN 0-374-10590-1.
Stefan, Paul. Arnold Schönberg. Wandlung - Legende - Erscheinung - Bedeutung. - Vienne / Berlin / Leipzig: Zeitkunst-Verlag; Berlin / Wien / Leipzig: Zsolnay, 1924.
L'origine de la musique - Bob Fink. Commentaires; ISBN 0-912424-06-0. Un ou plusieurs chapitres traitent de la musique moderne, de l'atonalité et de Schoenberg.
Weiss, Adolph (mars-avril 1932). "Le Lycée de Schönberg", Musique moderne 9/3, 99-107

Remarques

Liens

IMSLP - Page Schoenberg du projet de bibliothèque internationale de partitions musicales.
Un siècle de musique nouvelle à Vienne, avec de nombreuses photos, cartes et liens vers des fichiers audio
Enregistrement Phantasy, op. 47 - Helen Kim, violon; Adam Bowles, piano Luna Nova New Music Ensemble
Symphonie de chambre d'enregistrement, op. 9 (1906) Transcription Webern (1922-23) Luna Nova New Music Ensemble